Водун - не только истинное обозначение религии Вуду на территории западной Африки, но и по совместительству название отличной музыкальной группы из Великобритании, созданной в 2013 году на осколках психоделичного стоунер-рок коллектива Invasion. Из которого, собственно, и вышла большая часть участников Vodun, а именно вокалистка Шанталь и барабанщица Зел. Доукомплектовав свой дружный женский дуэт давним знакомым гитаристом по имени Линдсей, сформировавшееся трио принимает решение продолжать играть психодел-рок, но уже полностью сосредоточившись на тематике магии Вуду - как в лирическом, так и в музыкальном выражении. Вещь весьма экзотическая, да и не особо заезжанная, особенно в музыкальном пространстве. Ну а если во главе всего этого безобразия еще и стоит темнокожая певица, у которой дедушка являлся проповедником, то некий опыт и багаж знаний в этом предмете весьма располагает к подобному творческому выражению. Чем, собственно, и занялись музыканты, разукрасившись в аутентичный макияж, и донося до своих благодарных слушателей некую часть аспектов и тонкостей этой, чуждой абсолютному большинству, религии. Начали с выпуска небольшого EP и нескольких удачных синглов, а первый полноформатный альбом появился только в 2016 году, после трех лет активной музыкальной деятельности.

"Possession" - изумительная запись, олицетворяющая собой эклектику наследия мирового рока, где комбинируются тяжелые хард-роковые и пентатонические стоунер-гитарные риффы, каноничные рок-н-рольные и абстрактные психоделичные соло-партии, и разумеется тематические элементы афро-этники и музыки в стиле соул. С учетом того факта, что в данной группе за музыкальную составляющую отвечают всего два человека, используя по сути минималистичный набор инструментов (ударные + электрогитара), звучит всё это весьма убедительно и профессионально. Здесь определенно чувствуется огромный багаж опыта и знаний за спиной музыкантов, есть понимание того, как должен звучать подобный стиль музыки, которому, к слову, они посвятили довольно-таки продолжительное время, играя нечто подобное в своих ранних музыкальных проектах. Доведенное чуть ли не до максимального искажения (в рамках жанра) фуззовое звучание электрогитары подчеркивается не менее агрессивными партиями ударных, за которые отвечает невероятно талантливая барабанщица Зел Кат, которая отлично справляется как с динамикой, так и с перкуссией, ну и с достаточно нетривиальными барабанными ритмами. Можно сказать, такой своего рода Брэнн Дэйлор (Mastodon), но только, что называется, "в юбке". Ну и отличительным финальным аккордом и ярко выраженным инструментом здесь выступает, конечно же, впечатляющий голос вокалистки Шанталь Браун. Певица, которая определенно впитала в себя уникальные гены своих родителей, кстати, весьма именитых соул-исполнителей, которые работали с такими мэтрами, как Стинг, Эрик Клэптон, Элтон Джон, Джо Кокер. Постоянно развивая свои вокальные данные, Шанталь добилась поразительных успехов в отрасли певческого мастерства, начиная с уличных исполнений, заканчивая профессиональной музыкальной сферой, связанной не только с оным бизнесом, но также и с теле-радио дубляжом и преподаванием вокального мастерства в колледже. По всей видимости, некая истинная любовь к некоммерческой музыкальной сцене занимает немалую долю души певицы, которой не чуждо, например, поучаствовать в проектах в духе стоунер-рока или дум-метала. Но конкретно в Vodun вокалистка определенно чувствует себя, как рыба в воде, тонко улавливая вайб и выкладываясь буквально на полную катушку, умело расставляя акценты и используя свои голосовой аппарат по максимуму. Своим динамичным и отлично контролируемым вокалом Шанталь (которая здесь скрывается под псевдонимом Oya) поднимает не только темы, посвященные духовным практикам Вуду, тонкостям одержимости и эйфории метафизической трансцендентности, но также не забывает и затрагивать нюансы исторических фактов, посвященных борьбе с данной религией. На схожем контрасте выстроена и музыкальная основа группы Vodun, где лиричные умиротворительные проигрыши сменяются жесткими и динамичными музыкальными гармониями, слегка хаотичными, в меру тяжелыми по звучанию и полностью пропитанными этническим флёром.

Дебютная пластинка англичан, которая уже скоро разменяет свой первый десяток лет, и сегодня однозначно звучит вполне свежо и интересно, а учитывая тот факт, что за свою творческую деятельность коллектив выпустил всего два полноформатных альбома, и вовсе хочется надеяться услышать от них какой-нибудь новый материал. Поскольку они в действительности слишком уж хороши, в меру амбициозны и очень профессиональны - потерять такого рода феномен современной нео-психоделии было бы по-настоящему обидно и грустно.

Uncle Drown  20 фев 2025

Кто бы мог подумать, что в 2019-м уже изрядно поседевший титан прогрессивого металла Dream Theater сможет полностью реанимироваться после концептуальной СТАТРИДЦАТИМИНУТНОЙ зевоты альбома трëхлетней давности?

Кто бы мог подумать, что "Distance Over Time" неожиданно станет крайне серьëзным конкурентом на звание обладателя лучшего прог-метал альбома 2019 года, соперничая с не менее грозными соперниками из Tool, Leprous и Opeth?

Кто бы мог подумать, что Петруччи и Co. окажутся способны в свои годы грамотно воспользоваться модерновой тяжестью лучше многих современных банд и своими наработками с лонгплея 2013 года сократить хронометраж альбома почти втрое, впервые С ПРОШЛОГО ВЕКА не растянуть песни до десяти и более минут, и при всëм вышеперечисленном не лишиться своей марки, своего фирменного звучания?

Кто бы мог подумать, что такие песни, как "Paralyzed", "Fall Into The Light", "Pale Blue Dot", будут смотреться свежо и вовсе не нафталиново, хотя они и не предложат публике ничего кардинально нового?

Кто бы мог подумать, что такие откровенные и рискованные эксперименты, как баллада "Out Of Reach" и модерново-хардо-прогрессивная "Viper King", окажутся бриллиантами в, и так уже пëстрой драгоценными камнями, диадеме альбома?

Кто бы мог подумать, что направление текстов группы не окончательно развернётся в неуклюжую наивность, и вновь вернёт тот самый драматизм жизни, уж было совсем потерянный на "The Astonishing"?

Кто бы мог подумать, что и с другим Майком на барабанной установке музыка Dream Theater может оказаться захватывающим и воодушевляющим путешествием по живописному миру, где устой и новшество единятся, а не являются лишь бессмысленным буйством технического мастерства?

Кто бы мог подумать?!

ChatGPT   9 фев 2025

Приветствую вас, любители прог-метала! Все мы любим Dream Theater, поэтому сегодня мы разнесем новую пластинку в щепки – настолько мы любим эту группу! Возможно, среди вас были люди, которые ждали, что с возвращением Портного в коллективе что-то изменится (признаться честно, я тоже не терял надежды, примерно до второго сингла), но данный релиз практически сразу дал понять, что ловить тут нечего. Хотя в альбоме и есть приятные моменты, в общем… об этом далее. Данная рецензия будет с нотками потрекового обзора, поскольку, полагаю, не всем было интересно слушать час постаревшего Лабри. Да и мнение музыканта (меня) узнать может кому интересно…

«Не суди книгу по обложке» – примерно такие наставления мы слышали в детстве от представителей старшего поколения. Они были правы, но у нас всё-таки не книга, а музыкальный альбом, который как ни крути отражает какую-то идею, настрой и заинтересованность коллектива в том, чтобы понравиться своему зрителю. А так как первое, что мы видим при прослушивании альбома, это всё же обложка, то начну я с неё. Так вот, обложка – полная(-ое) [вставить обидное слово], и казалось бы, на этом можно закончить, но нет, об этом нужно сказать еще раз! Она просто отвратительна! Помните обложку к "Train of Thought"? По-моему в ней куда больше смысла и некой художественной идеи, чувствуется стиль автора, и выглядит интересно, хотя и достаточно мрачно. Ладно, что у нас здесь изображено? Некая комната, девочка, кровать, лого и некий ловелас в правом углу, который, по задумке – чудовище, являющееся к пораженному сонным параличом (фигурирует в последнем треке). Да, идею альбома изображение как-то в себе воплощает, но лично мне, оптимисту, в глаза бросается совершенно другое: девочка, кровать, можно еще окна сюда приволочь «за уши». Ничего не напоминает? Для не самых догадливых: я вижу некоторое сходство (если это не задумывалось как отсылка, то это очень тупой самоповтор) с "Images and Words". Спойлер: на этом интересные сходства не заканчиваются (на всякий случай, загните палец).

Перейдем к музыке: альбом имеет цельную структуру, таким образом, первый трек (инструментальное интро), песни «A Broken Man» и «Dead Asleep» и (как бы это назвать) «Are We Dreaming?», где на фоне органа звучат некие голоса (скорее всего, принадлежащие умершим от сонного паралича), не получится послушать без контекста. Концептуальный альбом по сути, как второй "Метрополис". Собственно, после вступительного инструментального трека начинается бодренький запил в ми миноре. Когда они выпустили этот сингл, я даже немного порадовался, мол, ура, золотой состав! Но мы любим Dream Theater не столько из-за харизматичного и талантливого продюсера, который удачно дополнял в свое время этот ансамбль гениев, но и из-за новшеств, которыми они могли нас удивить, впечатлить и всё такое. Портной шикарно играет на ударных, но он нас ничем не удивляет. И лично мне Портной как музыкант нравится больше, чем Манджини (возможно, стоило дать ему чуть больше прав, когда он был в группе), потому что у «первого» Майка большая наслушанность, огромный опыт, и он в качестве продюсера подарил нам самые культовые штуки, от которых многие до сих пор в восторге. Я не знаю, какая сейчас иерархия в коллективе, но если на этом релизе Портному вернули все его права, что у него были до этого (вплоть до полноценного продюсирования), то на ДТ можно ставить крест. Дальше будет только хуже, если что-то вообще будет.
На самом деле, "Night Terror" – довольно неплохая штука, и в чем-то её даже приятно слушать, но от трека в начале пластинки я как-то ждал большего, ведь именно она задает настрой всему произведению. Проблематика – сонный паралич. Всё. Об этом вся песня, и все последующие. Но допустим.

"A Broken Man" – песня о человеке, которого мучают сны, напоминающие ему о прошлом: он бывший военный, ему снятся ужасы того, через что он прошел. Он совершенно сломлен. Возможно, я неправильно понял ситуацию, если таковая здесь в принципе подразумевается, но вероятно это один из тех случаев, когда из некоего отряда выжил один человек, и теперь он чувствует вину за это. С музыкальной точки зрения песня в самом деле очень красивая. Удивительного мало, гармонии ничего такие, особенно в припеве: соль минорная тоника, септ к до мажору, шестая, пятая и тоника - упрощенно конечно, но суть такая. После второго припева смесь фортепиано и синтов под трио Майка и двух Джонов, почти по канону. Вот за что еще я люблю ДТ – небольшое музыкальное отступление. Ребята дали нам немного свинга в другой тональности с Петруччи на первом плане. Когда я слушал песню в первый раз, я сразу понял – самый клевый и креативный момент альбома – он тут. Может, кому-то понравится другое, но этом прям аааа! А теперь важное для олдскульных фанатов. Возможно, кто-то загибал палец в начале моей рецензии-обзора. Так вот, загните ещё один. После свинга появляется синтовый ситар, где мы такое слышали? Минутку на подумать и… "Home"! Из второго "Метрополиса". Это так, мои наблюдения, к которым мы вернемся попозже.

"Dead Asleep". Трек начинается с некого уличного шума и последующего перебора на акустике. Звучит мелодия из припева "A Broken Man", и поначалу я даже подумал, что этот трек связан с предыдущим, но текст песни заставил меня засомневаться. Рифф и гитарные соло (в начале и после второго припева) звучат крутяцки и чем-то напоминают "Black Clouds & Silver Linings". Паразитируют на предыдущих удачных идеях? Возможно. Трек в целом довольно унылый. По сюжету пара супругов останавливается в прибрежной деревне и на утро мужчина обнаруживает свою жену мертвой, поначалу даже не понимая, что убил её он сам, во сне. Нда, вот такие страсти... Действительно мрачно и жутко. Музыкально нового тоже мало, классно звучит инструментал перед последним припевом, и всё еще напоминает атмосферу BC&SL. Грустно даже как-то.

"Midnight Messiah". Тоже бодренький трек, тоже про сонный паралич. Тоже мрачный. И очень напоминает "As I Am", послушайте сами и поймете, о чем я. Припев заставил меня немного посмеяться, я представил, как Лабри изо всех сил орет в несчастный микрофон «МИДНАЙТ МИСАЯ!!1!11!!». 10 из 10-ти орущих стариков. Справедливости ради, музыка здесь прикольная и местами брутальная, особенно нравится то, как Портной в привычной своей манере отмечает доли райдом и колбасит бас-бочку в митольном стиле (это тоже было в "As I Am"). По-научному не скажу, я не барабанщег. Про текст тоже ничего не скажу, обжевывается сонный паралич, концептуальный альбом всё-таки, о чем им еще петь? В этой песне нас интересует пре-хорус после первого куплета. Приготовьте незагнутые пальцы:
In my dreams there's a song I oncе knew
Like an uncanny strange déjà vu
Еще и в формате воспоминания. Полагаю, вы всё поняли.

"Are We Dreaming?" Интонации откуда-то, но не отсюда. Из мрачного до-минора «история» органа переходит в светлые тона и даже промелькнуло что-то похожее на цитату из «Таинственного сада», по крайней мере, я довольно отчетливо услышал это в мелодии. Да и смена лада… Я всё хочу связать этот релиз с предыдущими гениальными работами группы, так что не будем на этом останавливаться.

"Bend the Clock". Начинается с красивой мелодии на гитаре. Действительно красиво, даже в сердце что-то екнуло, если честно. Загибаем еще один палец на припеве, потому что еврейский мальчик-пэркуссионист Майки расчехлил тот самый инструмент, название которого я напрочь забыл. Это не маракас, но что-то, что нужно трясти, и там еще звуки песочка внутри или вроде того ("Through Her Eyes"). А еще Лабри и Портной поют в октаву, прямо как во многих предыдущих работах, например, "Strange Déjà Vu" или "About to Crash" из альбома чуть помладше. Вообще, можно разглядеть метафору на то, что 13 лет отсутствия Портного в группе были не самые счастливые (глупо), и строчки в припеве...
If I could bend the clock
The passageway of time
Leave it all behind
...как осознание того, что всё-таки он не должен был покидать коллектив. Или всё же нет? Может, они просто поют про сонный паралич. В этот раз трек хотя бы не такой мрачный, должен признать. Припев по звучанию светлый, предзнаменует конец мучений лирического героя, он хочет перестать видеть эти сны, но они затягивают его всё глубже, что подводит его к логическому концу страданий персонажа.

Десерт, как всегда, напоследок. Двадцатиминутный трек от Dream Theater, что может быть лучше? Но Петруччи и Ко словно ржут над безнадежно разочарованными фанатами: «Второго Октавариума не будет, очнитесь!»
И это правильно, нужно ведь развиваться, а это точно не имеет ничего общего с тем, чтобы повторять "Octavarium" или "A Change of Seasons". Но где это развитие?

"The Shadow Man Incident". Некто заводит будильник, играет какая-то мелодия и резко вступает группа. Вступление унылое, но ладно, просто загните еще один палец, ведь после него звучит то, что мы так любим. Бас-бочка ровно бьет четыре четверти, малый барабан, синты, бас и ритм-гитары играют комбинацию из некоторых ритмических фигур, из чего получается некая закономерность. В случае с "Метрополисом" ритмическая фигура была статичная, но в той же манере. Обычно после этого звучит первый "Метрополис", или "Overture 1928", или "The Dance of Eternity" - шедевры ДТ!! В этом треке меняется только ритмический рисунок. Остальное на месте! Меня это сразило напрочь. Дописываю эту рецензию и бегом переслушивать "Метрополис"!
Я не знаю, что еще рассказать про этот трек. Да, ребята наверное запарились, надо же что-то нам скормить. Кто-то еще пластинки купит, сидишки, мерч. В знак уважения к группе. Во время прослушивания пластинки мой энтузиазм безнадежно иссяк, так что я тешил себя тем, что, может быть, следующий релиз будет бомбой, иначе зачем было звать Портного обратно в группу… Плюс, эти сходства, уж они-то не могли сделать этого случайно. Я надеюсь. Все мы надеемся.

Вывод. В общем, по современным меркам работа норм. Этой фразой и характеризуется данный релиз. Норм. Сведен качественно, промоушн там даже был какой-то. Деньги потрачены, новые фанаты, наверное, даже довольны. Мишн комплит, сейчас доиграют тур по Америке и всё. А что всё? Может, подзапарятся над следующим релизом? Вдруг неслучайно здесь слышно элементы старого, доброго, интересного и когда-то не скупого на новое Dream Theater? Не хочется быть ложно обнадеженным, но даже бредовая на первый взгляд идея третьего "Метрополиса" выглядит привлекательнее, чем час и одиннадцать минут историй о сонном параличе. Пусть этот заведомо провальный альбом будет последним таковым, давайте к следующему релизу Майк Портной окончательно почувствует себя в своей тарелке и запилит нам такое, после чего мы надолго забудем успех "Метрополиса" или "Октавариума". Нам нужен новый шедевр, и я верю, что еще не всё потеряно.

Посредственная вещь, но с необычными моментами. Маленькая натяжечка для мотивации, чтобы следующая работа получилась лучше всех предыдущих вместе взятых, ну или хотя бы лучше «Парасомнии»…

Забавно, но когда я дослушал альбом до конца и уже думал, как буду разносить его на Дарксайде, Спотифай включил мне автомиксом "Overture 1928". Словно вселенная позлорадствовала. А может, это судьба, и следующий релиз порвет всех и вся…

Целотон Черноморович   8 фев 2025

Show of Bedlam - канадская сладж-дум-метал формация, которую, без ложной скромности, можно отнести к категории одних из самых лучших представителей экспериментального металла на региональной сцене. Дебютировав в 2009 году на сплит-альбоме с небезызвестными Jucifer, музыканты с тех пор выпустили всего два полноформатных альбома, где "Transfiguration" - крайняя на сегодняшний день работа коллектива, раскрывающая потенциал этой примечательной группы на полную катушку. В контексте творчества этой команды, её название говорит само за себя - "Шоу умалишенных" как нельзя лучше, в полной мере отражает весь креативный посыл, заложенный создателями этого музыкального образования. Натуральный персонифицированный ад, как будто созданный в период пограничного состояния психики (а возможно, так и есть), за которым скрывается сугубо личный опыт пресыщения мерзостью реальности, где своеобразная и абстрактная лирика достоверно отражает внутренний мир этих гениальных творцов. Стоит констатировать, что мир этот крайне болезненный, ущербный, калечный, насквозь пропитанный виктимностью и юродством. Сотканный звуковой палитрой исключительно из мрачных оттенков дум- и пост-металла, сладжа, нойза, индастриала, при этом не скатываясь в какое-то нелепое буйство красок, а наоборот, гармонично дополняя собой каждый из вышеперечисленных музыкальных элементов. Такая своего рода реминисценция на творчество Neurosis, Swans, Godflesh с легким налетом пост-панковского вайба.

"Transfiguration" - крайне иммерсивная и зрелая работа музыкантов, созданная с четким осознанием дела и лишенная технических огрехов звукозаписи, чем, например, страдали немногочисленные ранние записи коллектива. Отличное сведение и микширование, которое выделяет плотное и разборчивое звучание инструментов, мастерски вплетенные звуковые сэмплы и шумовые эффекты, ну и вишенкой на торте выступает незабываемый голос Паулины Ричардс. Её болезненная декламация лирики слегка напоминает подход Джули Кристмас (Made Out of Babies, Battle of Mice), но тембрально звучит немного пониже, а в контексте авторского мировоззрения группы лучше и гармоничнее уже явно и не исполнить. Особенно вкупе с диссонирующими и тяжелыми по звучанию гитарными риффами, которые создают настолько психотическую атмосферу, насколько это вообще возможно без ухода в разного рода музыкальные перверсии, которые чаще всего, как это принято, прикрываются банальной буффонадой и намеренным эпатажем. Show of Bedlam создали поистине чудовищную картину из звукового полотна, пропитанную исключительно негативистскими настроениями. Конечно, позаимствованными у, так сказать, старших товарищей по цеху, зато переосмысленными индивидуально и преподнесенные под новым соусом. Здесь в единый паззл собраны все мрачные творческие идеи и наследия вышеперечисленных коллективов, которыми вдохновлялись данные музыканты, но то, как именно они преподнесли и передали этот феномен слушателю, определенно достойно уважения и похвалы.

Безусловно, сей альбом - штучный товар, явно отсылающий нас к скверной истории печально известной Бетлемской психиатрической больницы и личным переживаниям участников группы, которые без ложной фальши, на собственном горестном энтузиазме выдали первоклассный продукт. Он, конечно, больше походит на некий сеанс самоочищения, путем сбрасывания негативной энергетики на публику, но при этом не признать факта, что данная запись является шедевром в своем жанре, было бы как-то совсем недальновидно и бесчестно.

Uncle Drown   1 фев 2025

Всегда ли культовость произведения оправдана его качеством? Наверное, почти каждый критически скажет, что культ далеко не всегда бывает оправдан, но при этом они же в итоге могут с пеной у рта защищать свои авторитеты, не осознавая, что сами же стали жертвой общественного мнения и своих стереотипов. Очень хорошим примером такого слепого "культа" служит "Slaughter of the Soul" - третий полноформатный альбом At the Gates и один из самых переоценённых релизов не только в мелодик-дэте, но и во всей метал-музыке.

Что же послужило формированию такого культа вокруг этого альбома? Во-первых, At the Gates стояли у истоков становления такого популярного жанра, как мелодик-дэт-метал; во-вторых, неплохие (хотя и не блистательные) предыдущие работы коллектива (к слову, считаю предыдущий миньон лучшим релизом данной команды); в-третьих, хороший звук и качество записи, которые позже станут эталоном для молодых команд; в-четвёртых, распад группы вскоре после выпуска данного альбома (что, разумеется, привлекло особое внимание и благоговение сообщества).

Однако каким же предстаёт "Убиение души", если абстрагироваться от ауры легендарности релиза? Открывающая "Blinded by Fear" почти сразу же срывает голову своей яростью и безумием, её можно смело записать в лучшую песню коллектива и мелодик-дэта в принципе. Следующая одноимённая песня также неплохо заходит, во многом на остаточном эффекте от ядерной смеси "колы с ментосом" открывашки, хотя уже появляются первые откровенно зевотные места.

А дальше... на протяжении оставшихся двадцати пяти минут (благо альбом совсем не длинный по хронометражу) идёт довольно унылая однотипная долбёжка, за которой постепенно становится всё скучнее и скучнее следить (к слову, за всё время лишь пару-тройку раз смог дослушать диск от начала до конца, таким он становится унылым к финалу). То тут, то там проскальзывают потенциально интересные моменты, которые могли бы перерасти во что-то реально претензионное, однако они не получают своего развития и банально тонут в этом бушующем море с мутной, загаженной водорослями и прочим сором, водой. Не спасают ситуацию и целых ДВЕ инструментальных композиции, которые настолько бледны и неинтересны, что смотрятся слабо даже на фоне песен стандартного формата.

Неужели всё в этом альбоме настолько плохо? Вообще да, но всё-таки после нескольких прослушиваний в мой плейлист добавилась "World of Lies" с неплохим припевом, да ещё запомнился жутко меня бесящий основной рифф из "Cold". Также стоит ещё раз отметить отличное качество звучания альбома для 1995 года, ну и, разумеется, шикарное оформление притягивает взгляд потенциального слушателя.

Итого, "Убиение души" действительно убивает душу - своей бледностью и унылостью, однако открывашка и какой-никакой культовый статус позволяют назвать эту работу интересной и стоящей хотя бы одного прослушивания. Да, вот такой вот могучий колосс современного металла... да только на глиняных ногах.

P. S. Возможно в своей оценке лонгплея я и оказался чересчур придирчив, но когда вот ЭТО на полном серьёзе рассматривают наравне с такими прекрасными релизами, как "The Gallery" или "The Jester Race" небезызвестных гётеборгских товарищей... мне хочется кричать.

ChatGPT   1 фев 2025

Удариться в шизофрению, которая задаром никому не нужна, при отчаянном поиске нового звучания легко. В одних случаях всё выходит слишком сумбурно, в других не вызывает какого-либо интереса. Казалось бы, вот выпускают чикагские юнцы Fleshvessel свой "полуторный" по счёту релиз, и первый большой. Ну не может быть такого, чтобы в таком жанре пластинка вышла хорошей и захватывающей с первого раза. Тем более с таким набором дополнительных инструментов, которые используют участники. А уж тем паче, если тут попросту нет треков короче десяти минут, без учёта небольших интерлюдий. Но какой-то эликсир под каким-то чудесным местом эта команда отрыла. Выпила. И потому, характеризуя данный полноформатник, можно вытащить из чулана уже слегка покрытое пылью словосочетание "гармонически и эклектично" и прицепить к этому относительно новому релизу. К его явным плюсам можно отнести складность материала, отсутствие грубых швов и уместность использования разных нетрадиционных для металла инструментов.

Среди того, что здесь пошло не так, в первую очередь многие отмечают звук барабанов. Вихри сбивок крутятся тут примерно так же лихо, как на лучших образчиках аван-дэта, но звучание кажется сильно искусственным. Выражают мнение, что причастна драм-машина, в пользу этого свидетельствует сильно "мёртвое" звучание тарелок. Не так много моментов, где интересным становится бас тайца, чьё имя я побоюсь писать во избежание нелепых ошибок. Зато клавишные и прочие струнные тут изливают красным вином своё благородие словно из рога изобилия. Особенно часто Амос Харт использует пресет, который звучит чуть ли не легкомысленно - особенно явно это заметно на середине "The Void Chamber", где фьюжновый отрезок очень далеко от металлического контекста, а с вступлением клавишных мелодия на время превращается в какое-то клубничное маршмеллоу. Но парадоксальным способом этот же пресет начинает звучать слегка зловеще - под бластбит в стартовом шедевре "Winter Came Early". На инструменты, являющиеся своеобразными музыкальными пряностями, Fleshvessel не скупились - здесь представлены и окарина, и альт, и металлофон. Пуэрториканец, лидер коллектива Александер Торрес принёс свой народный инструмент, вышеупомянутый таец - свой. На треке "A Stain" можно даже расслышать, как в конце соло исполняет профессиональный свистун (в буклете подтверждения этому нет, но такой финт губами группа уже проворачивала на "Bile of Man Reborn", так что есть основания верить моим ушам). В последнем треке "Eyes Yet to Open" партию на кларнете сыграл виртуоз Глеб Канасевич, в первую очередь известный по юмористическому исполнению вечного дэт-шлягера "Hammer Smashed Face" на этом же инструменте. Вот знают же, где и как искать!

Конечно, идеальнейшим релиз не назвать, но "Yearning..." гордо возвышается над многими коллегами по цеху, выпускавшими экстрим с претензией за последние годы. Способствует этому в значительной степени одна важная черта группы - несмотря на огромную длину пьес, они не истощаются посреди своего жизненного цикла и не надоедают, элементы их в целом не кажутся инородными, а ещё они заканчиваются примерно там и примерно так, как нужно. Некоторые и этого не умеют...

IJzerklompje  28 янв 2025

Словно мало было заявить о себе в 2006 году, Darkness годом спустя выпускают еще один EP. Теперь нам демонстрируют, как старые песни на немецком языке звучат вживую. На этот раз альбом был сделан втроём, выпущен в формате самого простого digipack'a, буклет отсутствует, всё сведено к минимуму. На диске есть видеофайл старой доброй "Faded Pictures" (на немецком языке песня называется "Gefrorene Bilder"), студийное исполнение наложено на концертный видеоряд, сделано неплохо. Вообще сам диск, несмотря на скромность издания, сделан хорошо. Но увы, это малоинтересно даже сумасшедшим поклонникам группы, и потому в то же время парни из Darkness начали работу над новым полноформатом, что получил название "Terror 2.0" и был готов спустя три года. Но это уже совсем другая история, а сей диск «Eure Fäuste» (2007), интересный исключительно для коллекционеров, получает оценку в 4 балла.

Magyar   8 янв 2025

Ой! А что это? А это, дамы и господа, старая добрая немецкая thrash metal банда Darkness, сменившая вывеску и поющая теперь на немецком языке. И что же мы услышим на новом диске сей замечательной группы? А всё то же самое, что и много-много лет назад - "Faded Pictures", "Burial At Sea", "Caligula", "Staatsfeind", и две оставшиеся песни тоже где-то были в обширном репертуаре Darkness. Теперь всё исполняется на немецком языке, имеет немецкое название, но суть осталась та же самая. Этот диск был издан самими музыкантами с единственной целью показать, что группа еще жива, в нем нет вообще ничего нового, изменился только язык песен и поет новый вокалист. С таким же успехом можно было переписать один из первых альбомов целиком. Кому интересно как старые и лучшие песни группы Darkness звучат на немецком языке - слушать, остальным спокойно проходить мимо. 4 балла.

Magyar   8 янв 2025

После пробы пера, или, если сказать точнее, пробы нового вокалиста в 2015 году, немецкие трешеры Darkness вернулись с громоподобным новым альбомом "The Gasoline Solution" (2016). Группа наконец-то определилась с названием во-первых и языком во-вторых. Предыдущая работа банды, "Terror 2.0" (2010), была хороша, но отдавала изрядным занудством. Все, кто хотел возрождения этой группы, все, кто мечтал о возвращении к корням, на этом альбоме получили желаемое по максимуму. Плотный и очень мощный звук гитар, оголтелый долбеж ударных, где-то на заднем плане выдавливает из себя слова вокалист, визгливые соло - всё это удачно дополняет эти 40 минут звукового кошмара - словом, есть всё, что нужно для забойного диска в жанре thrash metal. Нет смысла выделять отдельные песни - если слушаешь thrash metal, если к тому же являешься поклонником Darkness, значит этот альбом понравится весь. "The Gasoline Solution" (2016) - это пример того, как можно сделать прямолинейный, бескомпромиссный и отлично записанный релиз.
Что можно сказать в итоге? Иногда молчание идет на пользу, и после перерыва в 6 лет группа выпустила вещь, не уступающую по качеству их лучшим пластинкам 1987 и 1988 гг. Слушать в обязательном порядке поклонникам группы, да и просто любителям жанра ознакомиться не помешает. 8 баллов.

Magyar   7 янв 2025

Вскоре после выпуска "Synchro Anarchy" (2022), Voivod объявили о выходе нового, юбилейного альбома, особо обратив внимание на слово "юбилейный". Как правило, подобные релизы радуют поклонников чем-то очень особенным, хотя бывает и так, что ничего особенного не происходит, группа выпускает компиляцию, альбом или бокс-сет. Voivod сделали именно что-то особенное.

Альбом под названием "Morgöth Tales" представляет собой перезапись девяти песен с предшествующих пластинок, начиная с 1984 года, а также одну новую песню и один кавер. Первый трек, "Condemned To The Gallows", в первый полноформатный альбом 1984 года не вошел, однако сути это не изменило - он ничем не отличается от того, что группа играла в 1984 году. Песни расположены по порядку, по одной с каждого альбома с 1984 по 2003 год (исключая "Negatron" (1995)) и подобраны так, что изменение стиля группы практически не чувствуется, всё воспринимается как должное, чему немало способствует отличная запись. Лучшего альбома для первичного ознакомления с творчеством Voivod, пожалуй, не найти - представлено всё самое лучшее, дающее представление о группе в разные периоды творчества. В записи "Rise" принял участие Eric Forrest, в записи "Rebel Robot" - Jason Newsted. Единственный недостаток - отсутствие песен с пропущенных альбомов, в честь юбилея можно было бы и сделать. Новая песня "Morgöth Tales" отражает стиль Voivod сегодняшнего дня, завершает альбом кавер "Home" группы Public Image Ltd. На японском издании, кроме дополнительного буклета на японском языке, есть состоящий из трех частей бонус "Ultraman".

Как уже было сказано, лучшего альбома для первичного ознакомления с творчеством Voivod найти трудно, как и лучшего подарка для поклонников. Отлично сделанный релиз. 7 баллов лишь потому, что перезапись, пусть сделанная с душой и на совесть, остается перезаписью.

Magyar   6 янв 2025

"Кто это, моя прелесссть? Что это, моя прелессссть?"

Недоумение, что почувствовал Голлум при виде Бильбо, сродни тому недоумению, что почувствовал я, прослушав новый для меня на тот момент альбом немецкой thrash-metal банды Darkness, под названием «Conclusion and Revival», что группа выпустила после отменного "Death Squad" (1987) и неплохого "Defenders Of Justice" (1988). Начиналось всё прекрасно - за клавишным интро последовала ураганная "Soldiers", затем неплохая "The Omniscient", на которой жиденький звук гитар проявляется во всей красе. И на этом всё хорошее закончилось, потому что дальше началась жуткая мешанина всех направлений. Тут и женский вокал, и вопли и взвизги вокалиста, и блюз, и характерная манера исполнения в стиле хэви метал а-ля Кипелов (песня "Under Control", однако, неплохая, хотя записанный бонусом вариант на немецком языке мне понравился больше). Где-то тренькает бас, претендуя на что-то гениальное. Не обошлось без исполнения лучших песен группы, вышедших на предыдущих полноформатах. Их тут целых три - "Burial At Sea" (здесь она называется просто "Burial"), "Predetermined Destiny" и несколько переделанная "Faded Pictures". Еще одна старая песня, "Armageddon", тоже не является новой, она была записана до 1987 года, хотя на полноформатах не выходила.

Из плюсов можно отметить возросшее качество записи и исполнения. Да, парни стали играть лучше, они показали, что могут. Только вот отношение к собственному творчеству оказалось не самым лучшим. А потому единственный вопрос, возникающий после прослушивания данного опуса, это "зачем?". Зачем? Зачем всё это? Кончились идеи, но нужно было сдать альбом по контракту? Или всё надоело? Выглядит, как если бы художник, нарисовав две хороших картины, начал было рисовать третью, но потом стал мазать кистью как попало, а потом взял все краски с палитры и выплеснул на холст.

Когда музыкант сам относится к творчеству наплевательски, говорить о каких-либо высоких оценках нет смысла. Данный альбом представляет интерес исключительно для сумасшедших поклонников группы, собирающих её дискографию, вроде меня. И то не факт, что они не будут плеваться после прослушивания хваленого альбома "Conclusion and Revival» выпуска 1989 года. 3 балла из 10 возможных.

Диск, представленный Battle Cry Records (2005), содержит 6 бонусов.

Magyar   4 янв 2025

А вот вам еще подход, который нечасто встречается у метал-команд. Группа был образована в 1992 году в городе Йонкерс, штат Нью-Йорк. И выпускала демки по годам вот так: 1993, 1994, 1996, 1997, 1998. И только потом сабжевый альбом. Достойно уважения. Обыкновенно группы выпускают свое первое демо после трех недель совместного бухалова. А тут всё как-то пошло по-иному.
Ну в принципе, можно понять и так, что музыканты оттачивали свое мастерство, ибо стиль выбрали какой-то недетский - Brutal Technical Death Metal.
Также неудивительным стал факт, что альбом был составлен из трэков с демо-записей, которые были многократно отшлифованы на репах и концертах.
Начинает Malignancy будто с резко прерванного заклинания из Некрономикона или просто что-то прокрутили задом наперед. А дальше начинается тотальное и низкочастотное по спектру рубилово на очень большой скорости. Саунд-инженеру удалось удачно и бережно прописать изящные ударные (и не только). Притом, что они (ударные) занимают свое достойное место в ритм-секционной многотонной упряжке.
Но впереди, конечно, гитары и вокал, которые собрали в этот тандем более половины аудиальной сверх-мощи бригады, чтобы поставить в авангард и написать на своем баннере крупно - BRUTAL. И нестись потом с прессующей удалью и всесокрушающим остервенением.
Притом гитарам как-то удается еще и отрисовывать какие-то пассажи - в те мгновения, которые по недосмотру оказались не заполненными удушающей тяжестью звука.
Ближе к финалу диска поставлены трэки, где гитарист вдруг фантастическим образом включает еще одну дополнительную скорость на свои пальцы, выдавая просто замороченные соло. Это трэк "Post Fetal Depression" (с демо-записи 1997 года).
Вокал на альбоме прочно погружен в вязкий гитарный саунд, притом что он прописан довольно четко и не исключено, что мастерски. В некоторые моменты, когда общий темп трэка очень высок, голос кажется просто нависает над инструменталом тяжкой тучей, в то время как на земле (в локации инструментала) всё уносится вдаль с неимоверной быстротой.
Надо заметить, что команда Malignancy никогда не прерывала своей деятельности и крайний диск записала в 2019. Его название, внимание! - "Intrauterine Cannibalism". И даже обложка похожая.
Музыканты разъяснили этот казус. Они хотели записать альбом ремиксов и записали его. Но пленку, как это часто бывает, потеряли. Потому просто перезаписали альбом в новом составе. Это они так рассказывают. А по факту в 2019 году вышел двойной диск — с компактом - версией альбома из 1999 года и диском - версией этих же песен от 2019 года, записанных наполовину новым составом. Всё просто.

resurgamresponses   3 янв 2025

"Moment" в моём восприятии достаточно быстро прошёл путь от осторожной реабилитации после "Atoma" до альбома, плотно осевшего в моём топ-5 шведов. Осознавать это сколь приятно, столь и тревожно — наступить с "Endtime Signals' на те же грабли, которые больно ударили меня в 2016-м, когда после "Construct" я ждал развития заложенной в него концепции, а получил конвульсирующее тело с моментами просветления, мне ну очень не хотелось.

Но этот неприятный опыт пошёл мне на пользу, поэтому новый альбом шведов я встречал не с распростёртыми объятиями, а в позе человека, готового чуть что предъявить с удвоенной строгостью за любую мелочь. Поэтому считаю свою дальнейшую педантичность в отношении него обоснованной.

Первая часть "Endtime Signals" радует пусть и умеренно, но зато почти на всём своём пространстве;
"Shivers and Voids" - очередной удачный старт, но тоскливому настроению песни очень уж не хватает такого же тоскливого Станне;
"Unforgivable" на фоне предшественника даёт не то что резкого — жесточайшего контраста! И если раньше подобные около-мелодэтовые «кости» для олдовых фанатов вызывали вопросы о целесообразности, уместности, банально качестве, то тут я молча пасую и признаю, что сейчас этот приём сработал. Мощно, искристо, местами тревожно и безо всякой ненужной чепухи, а Йоаким Нильссон даже бластбитами сыпет, ё-моё. Смело в компанию к "Encircled", как к единственной выжившей песне подобного рода в рамках этой эры группы;
"Neuronal Fire" - меланхоличная, но светлая, «прожекторная» заминка после "Unforgivable". Ничего выдающегося, но строго на своём месте;
Но вот симпатичный дуэт "Not Nothing" и "Drowned Out Voices" уже начинает немного «клевать»: в первом случае усиленная форматность композиции омрачились вторичностью и беззубым припевом, не дав этому хиту нормально взлететь, а во втором Станне, взяв замах на лучший перфоманс альбома, зачем-то остановился на полуслове и трек захлебнулся;
"One of Us Is Gone" хочется вынести за скобки как рецензии, так и альбома... Во время ознакомления с ней мне стало не по себе от её патетически-эстрадных мотивов, которые в моём восприятии диссонировали с концепцией. Из-за такого рода контраста песня первое время выглядела белой вороной, которой место где-нибудь в бонусах, но стоило мне самому потерять значимого в моей жизни человека, то всё резко переменилось.
Я бы предпочёл обойтись без такого триггера, но «что случилось, то случилось» (с).

Заметно, что чем дальше в лес, тем больше щепок, и даже несмотря на то, что во второй половине есть задорная "Enforced Perspective" и давяще-депрессивная (да и попросту лучшая) "Our Disconnect", в целом эмоции от альбома становятся тем слабее, чем дальше по нему продвигаешься, а группе всё тяжелее удерживать ровную нить повествования. Да и пробелы в работе со звуком становятся более заметными.

Я, честно говоря, в Ад не верю, но если он есть, то Богрен по совокупности заслуг заслужил туда недельную путёвку, где рогатые мужики с трезубцами будут ему сутками крутить "Atoma". На "Moment" он немного исправился, да и тут не сказать, что совсем плохо отработал (хотя характерная «пережатость» никуда не делась), но утопить клавиши в миксе в ситуации, когда они уже который альбом подряд являют собой основу звучания — это я просто уже не знаю. На "The Last Imagination" это особенно хорошо заметно, когда в середине песни Мартин в кои-то веки начинает нормально «втапливать», а его едва слышно. "Our Disconnect" тоже досталось, кстати. Либо Мартин в следующий раз притаскивает в студию «рояль» с "We Are the Void", который в никаком миксе не зароешь, либо Богрен идёт нахрен и на его место берётся человек, который умеет в баланс. И это я ещё про ударные не говорю, которые в целом звучат сносно, но в ответственных моментах выбрасывают белый флаг. Да-да, я про глухие бластбиты в "Unforgivable" и "Enforced Perspective".

Но если с данным товарищем всё было ясно давно и кривить лицо в искреннем удивлении от его работы явно излишне, то Станне здесь заставляет меня грустить, и не так, как хотелось бы. Я наверняка серьёзно и надолго совращён его работой на предшественнике, но это никак не отменяет того факта, что его работу с чистым вокалом здесь я оценю на троечку. Упомянутая ранее "Drowned Out Voices" ещё ладно, там хотя бы есть, за что зацепиться, но "Wayward Eyes" и "False Reflection", которые вполне могли стать бенефисом Микаэля, получились слишком уж простыми. И если "False Reflection" ещё более-менее на своём месте и в целом является адекватным эпилогом, то "Wayward Eyes" - главный кандидат на вылет. Негоже так распоряжаться вокальными ресурсами, особенно когда и музыка не блещет.
В общем, чистый вокал Микаэля тут откатился к состоянию альбомов 2010-2016 годов, где он был инструментом пусть и заметным, но не главенствующим.

Однако же, впечатления от "Endtime Signals" у меня всецело положительные. Тут почти нет ярких пиков, какие были на "Moment", но нет и его разбалансированности. Если сравнивать с "Atoma", то тут на порядок больше законченных мыслей, предметности, собранности и в целом отсутствует то лихорадочное настроение, какое охватило группу в 2016-м. С "Construct" сравнить сложно, мешает фактор свежего звучания у последнего, чего тут, разумеется, не наблюдается. Зато некая ностальгия по прошлому заметна. Поэтому в моих глазах "Endtime Signals" - альбом-компиляция, вобравший в себя как атмосферу и настроение альбомов 2013-2020, так и «рукопашные» вайбы альбомов 00-х, не забыв в очередной раз отвесить поклон "Projector". И сделано всё это в этот раз без истерик и раздрая, но со спокойствием и уважением к своему такому далёкому, но всё ещё близкому прошлому.

MAX DE SADE  30 дек 2024

31 марта 2023 года, спустя 15 лет после нашумевшего «Hacking The Holy Code», французская индастриал-блэк-метал формация Neo Inferno 262 неожиданно вернулась со вторым опусом «Pleonectic», который содержит 9 треков. Диск вышел на французском лейбле Necrocosm Productions.

Основной участник группы A.K. (Merrimack, Decline of the I, Vorkreist, Eros Necropsique и др.) собрал в качестве гостей "сборную команду французского индастриал-блэк-метала", включая L.Helheim (Ex-Moonreich), Déhà (Wolvennest, Silver Knife...), MKM (Antaeus , Aosoth...), Saint Vincent (Seth, Blacklodge, Vorkreist...), Bornyhake (Borgne.... ), BST (Орден Аполлиона, Sotherion, ex-Aosoth...) Heimoth (Seth), Krys ( Ophe, ex-Demande à la poussière), Berzerk (Sektarism, Faction Senestre, Malhkebre...), S. (Ars Veneficium), Dehn Sora (Treha Sektori, Throane...), L. (Mourning Dawn...), Arnhwald (Deathcode Society...), S. (Owl cave), NRK (Blacklodge).

В музыкальном плане «Pleonectic» - это смесь блэк-метала и электронных вещей, варьирующихся от танцевального хардкора до индастриала.

Сочетая сразу несколько стилей экстремальной музыки (металл, электронику, индастриал) и новые технические процессы, созданные искусственным интеллектом, Neo Inferno 262 ставят вопрос о месте человека в искусстве, и в целом о роли людей в мире, который лишается своей плоти и смысла.

На этом релизе группа показывает, как должен звучать настоящий и качественный Industrial Black Metal: тяжелые и быстрые гитары вплоть до чисто блэк-металлического "скретча", иногда в более медленном темпе, экстремальный блэк-металлический рык в сочетании с декламацией и несколько более чистым вокалом (в основном от гостей), динамичный бас в связке с электронными басовыми линиями, множество индустриальных сэмплов, плюс сэмплы/фразы из фильмов, взрывные удары драм-машины. На диске также присутствуют и более грувовые моменты, множество клавишных и еще больше электронных элементов. Все это становится возможным только через отличный продакшн, чего трудно добиться в этом жанре.

Взрывные барабаны проносятся под метелью риффов и штормовым морем синтезаторов. Ужасный рык превращается в разрушительные крики и безумные вопли. Блестящая электроника сочетается с волнистыми низкими частотами и пульсирующими электробитами. Плотные рои шума возникают вокруг надменного рева и скоростных запрограммированных ударных. Сверкающие синтезаторы раздуваются до вселенских масштабов, и кто-то воет в агонии. Жутко искаженные слова излучаются вокруг больших индустриальных импульсов. Свистящие тона и пульсирующие клавиши пронизывают дом с привидениями, здесь есть мрачное и язвенное пение, а также небесные звуковые зрелища.

Neo Inferno 262 знакомит вас не с заводами, а с самим адом. Есть моменты высокого напряжения и насилия, а есть моменты, в которых вы чувствуете, что злое существо развлекается вашими страданиями.

Есть электро, но оно не идет само по себе, скорее гитары демонстрируют злобность происходящего, а вокал (кстати, очень разнообразный) наказывает слушателя за его горести.

Песни динамичны, они развиваются в зависимости от того, что рассказывают. Они могут переходить от сокрушительных бласт-битов к почти танцевальному электро, оставаясь при этом дьявольскими.

В большинстве подобных альбомов особенно ритмика, как правило, очень проста и прямолинейна. Но Neo Inferno 262 немного более креативны и больше экспериментируют. Помимо быстрых техно-битов, они также используют более сложные элементы. Они заимствуют ритмы из таких жанров, как джангл, техно или бреккор. В этом они, по сути, являются новаторами.

Музыканты не боятся использовать в своей музыке нетрадиционные сочетания жанров, как, например, в треке "Bleak Revolution". Звуки ПК также интересны, напоминают старые программы или олдскульные игры.

В определенной степени в композициях команды также чувствуется влияние классической музыки, хотя оно не так ярко выражено. Нечто подобное производили их соотечественники CNK. Эта холодность еще больше обесчеловечивает их музыку. И это соответствует концепции пластинки.

«Pleonectic» - это тяжелый, очень зрелый в музыкальном и идейном плане и отточенный до мельчайших деталей релиз, который рекомендуется заценить всем поклонникам таких групп, как Blacklodge, Mysticum, Aborym, Spektr, C.Y.T, NKVD, La Division Mentale, Stagnant Waters, Helel и Diapsiquir.

Elena_Kalistka  28 дек 2024

Получив успех первой части дилогии по мотивам "Фауста" Гёте, Kamelot смогли пригласить для записи второй части ещё больше звёздных гостей, а также снять два клипа в поддержку альбома.

1) "March of Mephisto". И двое именитых гостей являются уже на открывающей композиции: Шаграт из Dimmu Borgir частично исполнил партии Мефисто, а Йэнс Юханссон исполнил своё фирменное клавишное соло. Сам Рой Хан снова исполняет обе роли, и сломленного протогониста, и демонического антагониста. Интересное решение, они с Шагратом словно разделили падшего ангела на две части, совсем дьявольскую и ту, что была когда-то ангелом, но уже обрела свой мистический окрас. И фирменное клавишное соло в стиле Stratovarius в этой песне играет необычными красками.

Главный герой Ариэль пребывает в отчаянии после смерти своей возлюбленной Елены, и в этот момент к нему является его покровитель — Мефисто.

2) "When the Lights Are Down". И если открывающая песня игралась в среднем, маршевом темпе, то уже следующая композиция врывается в слушателя ураганом power metal: карданный молот Кэйси Грилло, скоростные риффы гитаристов, потрясающая мелодика - композиция прекрасно отражает тот вихрь чувств, что закружил главного героя, который снова увидел свою возлюбленную.

Когда воля Ариэля почти полностью находится под властью Мефисто, падший ангел приводит к нему прекрасную молодую женщину по имени Маргарита, как две капли воды похожую на Елену. Ариэль соблазняет Маргариту, они проводят ночь вместе, а Мефисто, как кажется, полностью получает контроль над Ариэлем.

3) "The Haunting (Somewhere in Time)". Для исполнения роли Маргариты в следуем треке Kamelot пригласили Симону Симонс, чья собственная группа взяла себе названием наименование прошлого альбома Kamelot "Epica". Что говорить, неспроста именно эта песня была выбрана для второго клипа (первым был по открывающему треку) - двуголосие Симоны и Хана звучит очень красиво, и мотив этой среднетемповой композиции сразу оседает в памяти.

На следующее утро к Ариэлю возвращается память, что разрушает чары Мефисто над ним, и учёный-искатель приходит в себя. Он просит прощения у Маргариты и рассказывает ей свою историю, прося девушку навсегда покинуть его, ведь в Маргарите он видел лишь двойника Елены, своей потерянной возлюбленной.

4) "Soul Society". Достаточно воздушная композиция, несмотря на её смысловое содержание - основной гитарно-клавишный мотив, сыгранный Янгбладом и Миро, подобно ветру поднимает слушателя и несёт в водоворот эмоций размышлений о старейшей людской мудрости о благих намерениях, мостящих дорогу в ад. Ну а ещё Томас сумел на этом альбоме собрать всю свою семью - помимо супруги, вернувшейся к роли Елены, детскую партию смеха на этой композиции исполнила их дочь, Аннелиза Янгблад.

Ариэль покидает Мефисто и, бродя по свету, задаётся вопросом, как он мог причинить столько боли окружающим, ведь его поступки, приведшие к этому, были результатом его добрых намерений в поисках ответов и смыслов жизни.

5) "Interlude I: Dei Gratia". Коротенькая интерлюдия, с исполнением на латыни memento mori, женским а-капелла на заднем плане, и общими звуками, которые можно услышать в соборе.

Ариэль приходит к выводу, что невозможно найти эти ответы на Земле и что они должны находиться только на небесах.

6) "Abandoned". Нежная баллада, где большую часть солируют струнные Роденбергского симфонического оркестра, пианино Миро и мягкий баритон Хана.

Понимая, что его грехи помешали ему попасть на небеса, он молит Бога о прощении, но не получает от Него никаких знаков. Лишь память дарует голос поющей возлюбленной Елены.

7) "This Pain". Одна из моих любимых песен группы, одна из самых минорных во всей дилогии. Открывается красивейшим гитарным соло под звуки дождя, и переходит в резкую среднетемповую композицию с жёстким риффингом, венчающуюся вихревым соло Янгблада.

Убитый горем Ариэль понимает, что никогда не сможет воссоединиться с Еленой и найти истины, которые ищет. Он размышляет о страданиях, которые он причинил всем, кого знает, и приходит к выводу, что их уже никогда не исправить, и что он предал обеих женщин, к которым испытывал чувства.

8) "Moonlight". Начинается со звуков метели, но при этом с инструментального вступления с торжественными восточными нотками, после чего снова жёсткий риффинг среднетемповой песни. В этой песне наиболее ярко звучит двуголосие баса Барри и ритм-гитары Янгблада. Соло часть состоит из мягкого оркестрового вступления, переходящего в агрессивное гитарное соло.

Отпустив оцепенение страданий, Ариэль побуждает себя к действиям и решает противостоять Мефисто. Он пересекает реку и приближается к замку падшего ангела.

9) "Interlude I: Un Assassinio Molto Silenzioso". Короткая песня в кабаре в исполнении итальянки Синтии Риззо.

Смирившись со смертью, Ариэль приближается к Мефисто.

10) "The Black Halo". Симфоническая часть в исполнении оркестра всё больше выходит на первый план: развязка истории близка, а потому естественным образом помпезность, торжественность увеличиваются доступными средствами. Несмотря на быстрый темп, сочетание роковых инструментов, симфонических инструментов и хоралов звучит гармонично.

Ариэль обвиняет Мефисто во лжи и предательстве. Он не желает больше быть марионеткой падшего ангела и решает жить праведной жизнью, как жила Елена, даже несмотря на то, что его грехи в любом случае обрекли его душу на ад.

11) "Nothing Ever Dies". Один из кульминационных моментов дилогии наступает на третьей минуте композиции, когда с быстрого темпа уводят среднетемповые переливы, Хан чарующе поёт о Любви, как о главном двигателе развития человечества, под прекрасную симфоническую мелодию...

Ариэль заявляет, что человечество всегда будет искать истины в попытках найти ответы на те вопросы, которые Ариэль пытался понять на протяжении всего своего путешествия. И он испытывает внезапное озарение: любовь и является абсолютной ценностью жизни, и, так как чувство между ним и Еленой было настоящим, они обязательно снова встретятся и будут счастливы. Ариэль также осознаёт, что в поисках истин он никогда не будет по-настоящему удовлетворен, что его свободная воля позволяет ему создавать собственный смысл жизни и творить собственную судьбу. Он приходит в состояние абсолютного понимания и возвышенной радости, настолько сильной, что он желает остаться в этом моменте навсегда.

12) "Memento Mori". Главный эпик дилогии, самая длинная песня. Начинается нарративным пением Роя, играет медленное торжествое симфоническое выступление. Но с третьей минуты вступает мощная ритм-секция и открывается основная часть композиции. Ритм постоянно меняется, несмотря на большую продолжительность песни, её интересно слушать. Возвращаются Шаграт для исполнений партий Мефисто, а Мэри Янгблад - партий Елены. Энергичность смешивается с торжественностью, развязка истории наступает. И на восьмой минуте возвращается патетическое симфоническое исполнение оркестром, где гобой Вольфганга Дьетриха играет не последнюю роль.

Момент душевного катарсиса Ариэля вводит в действие контракт, который он заключил с Мефисто, и, таким образом, его душа теперь принадлежит падшему ангелу. Когда душа Ариэля начинает покидать его тело, Мефисто готовится заявить на неё свои права. Однако Елена ходатайствует перед Богом за Ариэля. Поскольку учёный-искатель отверг всё зло, даже перед лицом неминуемого проклятия, Ариэль искупил свои грехи, и Бог прощает его, позволяя попасть в рай с Еленой. Мефисто, чье пари с Богом проиграно, стенает, когда его навсегда бросают в ад. Затихает волшебный голос Хана, эхом летит шёпот Елены, обращённый к возлюбленному...

13) "Interlude III: Midnight - Twelve Tolls for a New Day". Ускоряющиеся звуки, будто в заевшем магнитофоне, переносят нас из некоторого царства, некоторого государства на обычную городскую ярмарку, полную новогодних украшений в преддверии главного семейного праздника людей. Мэр городка Гейтсвилль поздравляет жителей с Новым годом и благодарит актёров труппы театра за блестящий театральный спектакль.
Уютный хруст сугробов под ногами, свист вьюги на заднем плане, и шёпот Хана: "С Новым Годом!" - посылка из детства, где по окончание любой сказки ты переносился обратно в наш мир, любуясь рассказчиком, которым был кто-то из близких.

14) "Serenade". Завершающая песня, размышления рассказчика, такой же поиск истин, которым был занят Ариэль на протяжении своего пути. Очередные красоты смешения power metal основы и симфонических партий оркестра. Праздник заканчивается...

По разному оценивают люди творчество Kamelot, но мой однозначный топ, золотой период группы: 2000-2005. Лучший состав Kamelot в лице гитариста Томаса Янгблада, вокалиста Роя Хана, бас-гитариста Гленна Барри, ударника Кэйси Грилло. Саша Пет в роли продюссера. Миро в качестве студийного клавишника. Символично, кстати, что последний прекратил сотрудничество с группой после выхода "The Black Halo", и после этого торжественный, патетический флёр группы несколько спал. Но не в нём одном дело - очевидно, справедливо оценив, что в выбранном на рубеже веков направлении они достигли всего, чего могли, музыканты Kamelot решили выбрать другой вектор своего творческого развития. Однако для меня самые яркие, самые любимые страницы Kamelot это сказки Шахерезады "The Fourth Legacy", гималайские притчи "Karma" и, конечно, европейские саги "Epica" / "The Black Halo".

И последнее, что хочется сказать: в начале отзыва на дилогию я отметил, что, несмотря на сюжет, не привязанный к времени года, я считаю эту историю абсолютно рождественской, новогодней. Не потому, что в конце упоминаются ярмарочные гуляния, а Хан и мэр города говорят "С Новым Годом!", а потому, что вот этот переход от мира Ариэля и Мефисто в обычный, городской мир - это такой мостик в детство. Когда рассказываемые родителями сказки расширяли воображение, дарили фантастические миры, но любой страх из них имел спасение здесь, в нашем мире - шагнуть обратно, прижаться к родному человеку, и смотреть вместе в окно, как падают снежинки, а на душе - ощущение грядущего праздника, подарков от Деда Мороза, и просто наступающего счастья. Вот за эту возможность вспомнить детские ощущения я и отношу дилогию Kamelot по мотивам "Фауста" Гёте к праздничным творениям, которые особо хочется слушать в канун каждого Нового года.

Zmej Gorynych  23 дек 2024

Скоро Новый год.
Помните, в это время всегда хочется вкусить новогодних подборок. Фильмов, мультфильмов, книг. И, конечно, музыки. Помимо классических "Карнавальной ночи" или "Реальной любви", в такие подборки включаются "Иван Васильевич меняет профессию" или "Гарри Поттер", и не потому, что их сюжет напрямую связан с Новым годом, а потому, что под праздник много лет мы любим их пересматривать, в зависимости от предпочтений. Относят ли "Фауст" Гёте к таким произведениям? Обычно нет, но создав по его мотивам дилогию "Epica" / "The Black Halo", американцы Kamelot выпустили одни из самых рождественских альбомов в музыке.

...Kamelot явление достаточно уникальное в том плане, что, будучи американской группой из Флориды, большую часть своего пути играли абсолютно европейский power/heavy (с вкраплениями progressive, особенно на первых альбомах и в 2007/2010). При этом благодаря сплаву композиторского таланта Томаса Янгблада, прекрасным аранжировкам музыкантов группы, чарующему баритону Роя Хана, и, как теперь понимаешь спустя годы, продюсерскому таланту Саши Пета, альбомы золотого периода Kamelot уникальны в своём звучании. Помню, как в 00-ые Пета ругали за стандартизацию сведения групп, которые у него писались, но в случае с Kamelot он вывел идеальный звук под такой поджанр, и записи команды того периода ни с кем не спутаешь.

...Вернёмся к дилогии по мотивам Фауста Гёте, к первой её части, "Epica".

1) "Prologue". Инструментальное интро, приглашающее нас послушать историю начинающуюся в некотором царстве, в некотором государстве.

Согласно предыстории, Бог поручил всем ангелам служить людям, но один, самый мятежный по имени Мефисто, отказался, заявив, что он может служить только Богу. За непокорность его изгоняют с небес, но Бог обещает дать ему ещё один шанс: если у Мефисто получится забрать душу у алхимика и учёного по имени Ариэль, то Мефисто сможет вернуться на небеса. Если же нет, падший ангел будет низвергнут в ад навсегда. Мефисто соглашается и отправляется на поиски Ариэля.

2) "Center of the Universe". И без раскачки, продолжая преемственность "Karma", на втором месте идёт одна из лучших песен группы, которую Kamelot и поныне исполняют на своих концертах. Быстрая ритм-секция, красивый соло-мотив Янгблада, симфонические бэки, и, конечно, мощнейший голос Хана рождают вместе прекраснейшую песню о поиске смысла жизни.

Мефисто находит Ариэля, тот знакомится с ним и начинает размышлять о своих исследованиях истинного смысла жизни и о том, почему Бог создал людей.

3) "Farewell". Не менее быстрая композиция, но ввиду сюжетного поворота и соло-линия, и бэки звучат более мрачно.

После бесед с Мефисто и философских размышлений Ариэль приходит выводу, что ни наука, ни религия не могут по-настоящему ответить на эти вопросы. Чувствуя беспокойство, он решает покинуть свою родную страну, чтобы найти ответы своим терзаниям. Он прощается со всеми, включая свою возлюбленную Елену, и отправляется на поиски смыслов мироздания, поклявшись никогда не возвращаться.

4) "Interlude I: Opiate Soul". Когда я впервые слушал альбом ещё в юношестве, по наивности думал, что дрожь главного героя связана с холодом. Но нет, название интерлюдии однозначно трактует причины дрожи. А духовой бэк плавно переходит в знаменитую "O Fortuna". Вот такая очередная цитата классики от Kamelot.

Проходят годы, пока Ариэль бродит по свету в поисках ответы на свои вопросы, и он становится зависимым от наркотиков...

5) "The Edge of Paradise". ...и, в конце концов, обращается к оккультизму, во время которого его озаряет краткое видение Мефисто.

Среднетемповая композиция, одна из моих любимых у группы, где Хан включает демоническую составляющую голоса. Вообще, будучи потомком и тайцев, и норвежцев, обучаясь в оперной школе, Рой поставил уникальный тембр, который ни с кем не спутать. Некоторые говорили, что его голос - не хуже, чем у всемирно известного солиста Бродвея Роберта Кукиолли. Ну и вписанное "O Fortuna" в металлическую композицию звучит блестяще, не хуже, чем у Therion, Van Helsing's Curse и прочих мастодонтов, цитировавших эту классику.

6) "Wander". Первая баллада дилогии. После шабаша прошлой песни, здесь очень нежная композиция со струнными инструментами, и, конечно, красивейшим соло Томаса.

Ариэль погружается в воспоминания о Елене, сильно скучает по ней, пока бесцельно бродит по дикой местности, сожалея о своём решении бросить её и уйти бродить по свету.

7) "Interlude II: Omen". Короткая интерлюдия открывается раскатами грома, перетекает в переливы пианино и флейты.

Ариэль прекращает свои поиски и решает покончить с собой, полагая, что никогда не найдёт ответы, которые ищет.

8) "Descent of the Archangel". Интерлюдия перетекает в начало очередной быстрой композиции, где партию соло-гитары исполнил Лука Турилли из Rhapsody of Fire. А Хан впервые в этой дилогии в рамках одной песни играет обе роли, и Ариэля, и Мефисто, мастерски переключаясь с падшего ангела на учёного-искателя и обратно. Ну и очень красивые оркестровки исполнил Миро, которые исполнял роль сессионого клавишника группы в 2000-2005.

В тот момент, когда Ариэль готовится совершить непоправимое, внезапно появляется Мефисто и предлагает сделку: он поможет Ариэлю в его поисках ответов на вопросы и исполнит все его мирские желания, а взамен Мефисто получит душу Ариэля, когда тот умрёт.

9) "Interlude III: At the Banquet". Короткая 30-секундная интерлюдия, звуки пира в замке и праздничная флейта на бэке.

Ариэль таинственным образом переносится в замок Мефисто.

10) "A Feast for the Vain". Снова Янгблад включает в быструю композицию среднетемповые перебивки с демоническими оттенками, особо ярко акцентируемыми Ханом.

Падший ангел устраивает пир в честь Ариэля. На пиру тот поражен тем почётом и обожанием, которым его окружают остальные гости и слуги, и в итоге соглашается с контрактом Мефисто, но с одним условием: падший ангел сможет забрать душу учёного-искателя только в том случае, если Ариэль испытает такую возвышенную радость, что в этот момент захочет жить вечно. Мефисто нехотя соглашается на эту сделку.

11) "On the Coldest Winter Night". Одна из самых известных баллад группы, давшая названия концертнику 2006 года. Начинается с завывания метели и звона колокола, в которые вплетаются мягкие клавишно-струнные переливы, и мягкий голос Хана начинает композицию, которая, несмотря на свою минорность, является одной из самых жизнеутверждающих песен группы. Лидирующие инструментальные партии играют струнные инструменты, в том числе контрабас в исполнении Олафа Рейтмейера, также в этой песне задействован западноафриканский кубкообразный барабан джембе.

После того, как Ариэль покидает замок Мефисто, его находит Елена, которая искала его все эти годы, с тех пор, как он внезапно покинул её. Ариэль оказывается потрясён и очень счастлив и решает воссоединиться с Еленой.

12) "Lost & Damned". В этой песне интересно перетеплены быстрые гитарные рифы основного мотива, перетекающие в танговые перебивки куплетов, исполненных Фабрицио Алехандро на бандонеоне (ручной гармони). Одна из самых ярких песен альбома.

Ариэль и Елена проводят ночь вместе, и они зачинают ребёнка. Тем не менее, проведя некоторое время с Еленой, Ариэль решает покинуть её, чтобы продолжить поиски истины. С новообретённой силой, которой наделил его Мефисто, он чувствует, что ответы находятся в пределах его досягаемости. Ариэль сообщает Елене о своём намерении отправиться в путь, и о том, что, хотя он и любит её, "любовь для меня ничего не значит, так как я поисках более высоких материй".

13) "Helena's Theme". Фактически а-капелло композиция, исполненная женой Томаса Янгблада Мари, чей голос вы можете слышать также на второй и шестнадцатой песнях. Под конец песни включаются симфонические оркестровки, создающие напряжение момента.

После того, как Ариэль снова покинул её, Елена понимает, что её сердце окончательно разбито. Поклявшись, что она будет любить Ариэля и после своей смерти, она решает прекратить свой земной путь в реке, также неосознанно принеся в жертву своё неродившиеся дитя. Оба они переносятся на небеса по просьбе Речного Духа.

14) "Interlude IV: Dawn". Самая короткая интерлюдия, где под бэки грустные клавишно-струнные бэки городской глашатай объявляет, что тело Елены было обнаружено в реке рядом с городом.

15) "The Mourning After (Carry On)". Яркий и мощный среднетемповый рифф открывает пятнадцатую песню альбома. Благодаря яркой работе ритм-секции получается очень мощная и эпичная композиция.

Узнав о гибели своей возлюбленной и том, что она носила их дитя, Ариэль всё глубже погружается в своё горе и плачет у реки, где погибла Елена.

16) "III Ways to Epica". Основной гитарный рифф песни является моим любимым у Kamelot, наряду с цитатами Эдварда Грига в "Forever" с предыдущего диска. Очень яркая быстрая композиция, на мой взгляд, лучшая на альбоме, его вершина, красивейшее окончание первой части. Тут и прекрасная соло-работа Томаса Янгблада, и шикарная игра ролями двух антагонистов в исполнении Хана (как будто два разных человека поют), согреваемая в припевах нежным бэк-вокалом Мари Янгблад, и общая энергичность песни, непошлая помпезность, и красивейший второй план от Роденбергского симфонического оркестра.

Охваченный горем, Ариэль задаётся вопросом, стоит ли ему продолжать поиски. Он винит в смерти Елены и Бога, и самого себя, но Мефисто призывает Ариэля продолжать путешествие, утверждая, что людские эмоции - проклятие рода человеческого, которое в итоге приведёт к его гибели. Из-за ослабленного состояния Ариэля влияние на него Мефисто растёт, и он соглашается продолжить свои поиски. Елена наблюдает за ним с небес...

Вот так, на самом интересном месте, прерывается эта история. Через два года Kamelot выпустят вторую часть, где закончат историю искателя смыслов жизни Ариэля, его возлюбленной Елены и падшего ангела Мефисто, но очевидно, что Томас с Ханом (его влияние на создание материала в период участия в группе было огромным) писали всю историю в одно время, а разделили альбом на две части с разницей в два года прежде всего по коммерческим соображениям.

Про вторую часть я расскажу завтра, но первая часть вполне самодостаточна - если вы любите красивую музыку, сказочно-фентезийную атмосферу, обязательно послушайте альбом "Epica" группы Kamelot - в нём нет ничего лишнего, всё так, как и должно быть. 10/10.

Zmej Gorynych  23 дек 2024

Вот такой пример - не каждое, даже толковое музыкальное дело может иметь продолжение.
"Всякое бывает", - угрюмо замечают любители Death Doom Metal. Как доказательство - единственный альбом неплохой нидерландской команды Maleficium.
Записали они демо в 1993-ем, а потом, через пару лет, целый полноформат. И что? Да распались, как тысячи других групп. Так бывает даже чаще, чем мы думаем. Так что послушаем диск, который вышел сначала на конторе CYBER music, а потом и на большом немецком лейбле Massacre Records, и даже пираткой на "Желтой студии" (первый раз слышу).
Очень кратко говоря - это упомянутый Death Doom Metal.
Но с некими прогрессивными заморочками или претензиями. Кроме того, нечасто в трэках встречается женский вокал, причем сначала он кажется прямо не в масть. Откуда что взялось? Но потом наступает прозрение, что это часть проговых изысканий музыкантов.
Вообще-то там превалирует и солирует мужской гроулинг - рассыпчатый и расщепленный, с небольшими девиациями... Но вот уже в начале второй минуты выскакивает, как чертик из табакерки, высокий женский рок-вокал. Резкий, насыщенный и самостоятельный по постановке. Тут же вступают гитаристы, и вместе с женским вокалом начинают ТОКовать на предмет сильнейшего и красивого взаимодействия. В первом трэке всё впечатляюще. Типичный случай: сейчас вам покажем!..
А вот далее - трэк, в котором, например, вокала вообще не видать, и гитара, собственно говоря, по серьезному впрягается по сольным делам не так-то и часто. Да можно сказать редко.
Или это была такая интермедия на 3 половиной минуты? Ибо далее всё пошло по известной схеме - с мужским гроулингом, вплавленным в музыкальный субстрат, и поинтересней композиционно, где себя активно проявили и гитары, и клавишные.
Вообще, Death Doom Metal - стиль мрачный и минорный, вычерпывающий до дна эмоциональную стабильность слушателя, на том стоит, как говорится. В этом духе и продолжает Maleficium. Но например, господа музыканты, если у вас вокалистка Angelique Overbeek состояла в официальном составе команды, то почему вы не заставляли ее петь почаще?
К слову, к середине диска одноразово появился чистый меланхоличный мужской голос, что также немного разнообразило музыкальный посыл нидерландской бригады. И в целом, на вокале справлялся мужской экстремальный вокал. Что, по честности говоря, и оставило группу в рамках трагичного Death Doom Metal.
Да, альбом может быть и не топовый, не первый легион, это по факту.
НО, тем не менее, однозначно своеобразный и заслуживающий внимания не только адептов указанной стилистики. В частности - поползновениями на проговые моменты, общим серьезным отношением к своему творчеству...

resurgamresponses  23 дек 2024

Собравшемуся в 2013 году спустя пятнадцать лет бездействия коллективу из Спейкениссе потребовалось несколько лет на раскачку, чтобы выпустить первый студийный материал после воссоединения. Но эта раскачка вывела из строя практически весь оригинальный состав, который был слишком привязан к обычным работам. Таким образом к выпуску альбома Том Палмс остался единственным звеном, которое связывало Флеботомайзд старый и новый. Однако и ему пришлось отступить - в 2020-м главный сонграйтер ломает руку и больше не может исполнять обязанности гитариста, оставаясь, по сути, лишь автором музыки и текстов. Таким образом группа записывает миник "Pain. Resistance. Suffering.", где Палмс отвечает всего лишь за spoken word. Впоследствии Том упомянет некоторую запутанность состояния группы как вдохновившую название пластинки "Clouds of Confusion".

Оформление альбома было предоставлено достаточно популярным на рынке современного брутала российским художником Андреем "Христанетовым" - несмотря на то, что тон, присущий сверхдетальным слэмовым релизам, он поубавил, всё равно по цветам и освещению в какой-то степени уже досаждающий своей массовостью стиль оформления узнаётся. Под этой обложкой скрывается неизменно интересная музыка. Но контраст между "Clouds of Confusion" и "Deformation of Humanity" даже близко не такой, как между полноформатниками старых Phlebotomized. В работе 2023 года чувствуется больше мелодизма, который привносит огромное разнообразие синтезаторных звуков и способов ими приукрасить музыку. За это всё отвечает Роб оп хет Вельд, который теперь имеет значительно больше влияния на звучание и процесс написания - в принципе, Роб эту работу и сводил. На первый взгляд между уже легендарным альбомом "Immense Intense Suspense" и "Облаками растерянности" действительно уже нет почти ничего общего - новинка больше склоняется к стилю первого мини-альбома "Preach Eternal Gospels", Nocturnus и раннему мелодик-дэту. Скорее всего, отсутствие скрипки Мартена Поста и окончательно растворившиеся с концами черты старой моды дэт-дума лишают новую музыку чувства синкретизма и неземной ауры, так сильно возвысившего дебютник над большинством релизов тех лет. Да и в целом тон музыки редко становится грустным - разве что тема "Bury Your Heart" покрывает потребности в чём-то грустном, что всегда присутствовало на релизах нидерландцев. Не совсем уместны в этом контексте и влияния "Skycontact", который уже далеко ушёл от дэта в сторону.

Однако свято место пусто не бывает, и заместо сентиментов Палмс решил сделать менее компромиссный, более металлический вариант звучания Phlebotomized. Потому здесь ещё больше дэта, чем на "Deformation..." 2018/19 года. Хотя просто дэт Phlebotomized, похоже, даже при всём желании сочинить просто не могут. По меркам группы брутальный и зубастый трек "Destined to Be Killed", на который вышел первый в истории группы клип, а также трек "Death Will Hunt You Down", лежащий в той же плоскости, всё равно разбавляются бриджами, которые не дают трекам оставаться слишком обыденными. Трек "Desolate Wasteland" наоборот удивляет тем, что не длится даже минуты - предпосылки к возможности добавления таких музыкальных фрагментов прорезались на минике 2021 года. Профессионалы, рекрутированные Палмсом, и в особенности новый соло-гитарист Тейс ван дер Слёйс, играют без сучка и задоринки, но вокал Бена де Граафа всё ещё разделяет фанатов на два лагеря, и, признаться честно, я всё ещё не могу определиться со стороной в этом конфликте - нельзя сказать, что рык Бена идеально совпадает с настроением пластинки, но и точно не вызывает желания выключить альбом.

Подводя итоги, стоит признать, что Флебам крайне повезло с реюнионом - они нашли себе новую нишу спустя 30 лет после ухода со сцены и не зацикливаются на старом, какое бы великое оно не было. "Clouds of Confusion" - не откровение, но явно стоит нескольких прослушиваний. Группа продолжает доказывать, что свежо звучащий дэт-метал можно делать без скатываний в копирование Ulcerate. Впечатления положительные, надеемся и уповаем на то, что возможное продолжение не подведёт.

IJzerklompje  20 дек 2024

Coffinwood, сформированные в 2017 году Бехеритом (бас), Куменом (гитара) и Троммеслагером (барабаны) в Варшаве, Польша, расширили свой состав в 2018 году, добавив вокалиста Варульва. Дебютный EP банды «Storm of Steel», вдохновленный одноименным романом Эрнста Юнгера, был выпущен в апреле 2020 года.

С сентября 2022 года группа выступала в оригинальном составе, а вокальные обязанности взял на себя Бехерит при поддержке бэк-вокала Кумена.

После четырех лет молчания и неустанной работы в репетиционном зале, варшавская команда готова представить результат своих усилий: дебютный студийный альбом «Acolytes of Eternal Flame», релиз которого состоялся 16 декабря 2024 года.

Музыка была записана, смикширована и отмастерирована Павлом «Яношем» Грабовским в JNS Studio (ANTIGAMA, DORMANT ORDEAL, HATE, HOSTIA, RIVERSIDE, SYMBOLICAL). Над обложкой работал Мешко Янковски (MORRATH, NIGHT LORD).

Музыканты группы комментируют эту работу следующим образом.

Кумен сказал: «Альбом - это своего рода дань уважения трагическим событиям, связанным с катастрофой на Чернобыльской АЭС. Лирика отсылает к событиям до и после взрыва реактора, описывая хаос, переплетающийся с неуловимой меланхолией и ужасом, которым подвергались те, кто был брошен на борьбу с растущим загрязнением».

Бехерит добавляет: «Идея темы альбома стала естественным продолжением того направления, которое мы выбрали ранее. Наша лирика посвящена смертельному и разрушительному воздействию страданий на человеческую психику. Создавая наш первый EP, мы остановились на формуле концептуального альбома; мы хотели затронуть тему, которую часто упускают из виду в поп-культуре, отодвигая на второй план другие, более поздние события (Первую мировую войну, к примеру). Не было ничего необычного, когда мы искали вдохновение при создании материала для полноформатного альбома. Тема катастрофы на Чернобыльской электростанции подошла как нельзя лучше. Человеческие страдания, обезлюдевшие деревни, пропаганда».

Как и следовало ожидать из названия группы и альбома, мы с вами отправимся в путешествие по экстремальной металлической вселенной.

Одним из повторяющихся элементов является то, что песни открываются более мягким, но зловещим кинематографическим мотивом, обычно вызывающим ассоциации со звуками из фильмов ужасов.

Высокий темп и высокая интенсивность ландшафтов - определяющий аспект этих композиций, кроме того, для них свойственны тонкие и более определенные колеблющиеся паттерны гитарных риффов с периодическими циркулирующими паттернами. Гитарный саунд гнусавый, но в то же время жесткий и твердый, а гитарные соло дополняют его холодным, жестким и режущим звуком. Вокал добавляет мрачный, первобытный рык. Временами Coffinwood всё же впадают в более медленный думовый тем, где жесткая подача сменяется более величественным тоном и чувством, и в основном это происходит в более зловещей манере. Настроение, а также темп и интенсивность служат приятным контрастом к более интенсивным и ярким эскападам, встречающимся в других альбомах.

Этот релиз обязательно понравится тем, кто любит жестокий, скоростной, боевой и энергичный экстремальный блэк-дэт-метал в духе Infernal War, Stillborn, Belphegor, Kyterion, Nocturnis, Nexorum и Brimstone Gate.

Elena_Kalistka  18 дек 2024

Неужели у «Temple of Knowledge» хочется искать недостатки? По-моему, за чередой современных альбомов позабылось, когда на дэз-металлическом небосклоне прогремел настоящий «катаклизм» – самый грубый, громкий, искренний и еще не испорченный скучным полированным звуком. Впрочем, я не имею ничего против современного звучания, если бы его приверженцы демонстрировали прежнее желание играть на пределе в каждой детали. Этот диск ГРОТЕСКНО тяжелый, неуклюжий и быстрый. А еще - самый архаичный среди разного рода «брутальщиков». Единственное, от чего его можно освободить без потери ценности, это слишком механический местами звук барабанов. Всё остальное – монотонно прекрасно! Несмолкающий сдвоенный визжаще-рычащий вокал (первый инструментальный кусок будет только к седьмому треку) в духе Deicide - это находка и визитная карточка этого диска. Ударные наивны (привет, “Reek of Putrefaction”), но энергичны, и, как и вокала, их очень много. Гитары не отвлекают на себя внимание, и лишь в паре медленных моментов балуют приятным соло. Общая атмосфера диска не слишком-то характерна для мясного дэза. В противовес любителям удушающей «техничности» или занудным почитателям мертвечины, Kataklysm звучат очень бодро и, я бы сказал, жизнеутверждающе. Кроме прочего, чувствуется влияние богохульного треша вроде Possessed и ранних Morbid Angel. Особенно хорош уже упомянутый полу-инструментальный, торжественный «The Awakener», вписавшийся бы на «Blessed are the Sick» последних. Лицо альбома - не менее «морбидэнжелский» стартовый трек, скорее всего, вдохновлен скоростным «Altars of Madness». Конечно, потенциал столь ортодоксальной музыки ограничен, но Kataklysm выжал из нее максимум.

GreitWhiteHunter  14 дек 2024

На рубеже тысячелетий в Чехии (в значительно меньшей степени также и в братской чехам Словакии) словно косвенно раскрылась секретная ядерная программа Варшавского блока - иначе попросту не объяснить появление тех грациозных и умелых мутантов, которые появлялись на сцене. "Elvenefris" от Lykathea Aflame в некоторой степени стал важным, хрестоматийным альбомом в дэте. Бывалый металхэд может припомнить Contrastic, !T.O.O.H.!, Ahumado Granujo или первую личину Lykathea Aflame - Appalling Spawn. В эту плохую компашку входит и Alienation Mental. Думаю, "входит" было бы скромновато для описания того, что предствляет собой этот гиганский шар, который способен снести всё в округе в масштабах от отдельно взятого черепа до микрорайона.

Ожидаемо на альбоме, выпущенном силами андеграундного лейбла Khaaranus, специализировавшийся на самой мерзкой чешской гриндятине, должны присутсвовать три вещи. Буйные риффы с бластбитами (герой за барабанной установкой - Ядра Хаж), пытающиеся сымитировать стадо слонов в лиминальном коридоре из посудных лавок - check. Нелепые переходы и сэмплы между песнями, призванные своим напоминанием о реальном мире как-то нивелировать порой напрягающую гротескность - check. И общий WTF-фактор, присущий конкретному месту и времени - check. Но есть нюансы. Плотность всех невыносимо тяжелых конструкций не максимальная, но вполне большая - проблемы с восприятем действительно могут возникнуть у большинства слушателей. У меня было так же - понадобилась вторая попытка штурмовать альбом прослушиваниями, чтобы его мысль стала понятна. При этом в итоге фриковатость Alienation Mental стала предсказуемой. Говорить об ожидаемости чистого вокала с клин-гитарой ("One of Infinity") в грайндовом релизе весьма странно, но это фактически те ощущения, которые у меня вызывали такие фрагменты. Хотя по окончанию прослушивания альбома, длящегося практически идеально ровные 30 минут, остаётся скорее приятное послевкусие. Но отвественного за неразборчивые рыки и булькания Милана Хавличека нужно пожурить. Вокал здесь евда ли вызывает восторг.

Подводя итог, стоит предупредить, что хоть "Шаромёт" и выплёвывает вполне опасные пушечные ядра, увернуться от атак - выполнимая задача. Альбом не достигает высот !T.O.O.H.!, но его можно с оговорками рекомендовать к прослушиванию. Был бы он длиннее или содержал бы какую-нибудь откровенно слабую песню, оценка была бы ниже. Но данный диск спасают две оглушительно мощные пьески "The Restricted Cerebral Capacity" и "Screw", связанные между собой переходом из пульсирующей бас-линии. Группа, тем не менее, своего слушателя нашла: к примеру, слышал, что альбом любят участники 7.H Target - действительно, музыка нижегородцев, кажется, использует элементы, схожие с Alienation Mental, но переиначенные и доведённые до ума.

IJzerklompje   4 дек 2024

Листал Дарксайд, почитывал рецензии к любимым альбомам и вспомнил, что в недалёком от нас прошлом был замечательный коллектив Exivious, исполняющий, по их же словам, фьюжн-метал. Группа, которая оказала на меня большое влияние своими двумя альбомами, в частности как на композитора. На первый альбом есть три неплохие рецензии, с каждой из них я в чем-то согласен, в чем-то нет, что разумеется, ведь всё это достаточно субъективно. Но я не обнаружил ни единого слова о втором релизе Exivious, отчасти оно и понятно почему: слабо чувствуется новаторство, не улавливается драйв в ритмах ударника и джазовых интонациях подгруженной гитары Тимона.

Общий тон альбома я бы назвал меланхоличным, в сравнении с относительно джазово-драйвовым первым релизом. Вспомнить только гениальнейший, на мой взгляд, «Waves of Thought» - где вы еще такое услышите? Но это не значит, что вторая (и к сожалению, последняя) работа Exivious может считаться провальной. Меланхолия, которая так и бросается в уши, присутствует уже в первом треке «Entrust». Авторы не поскупились на интересные ритмические решения, и в развитии гармонически идентичной темы на нескольких повторяющихся аккордах, хорошо слышны сбивки в партии ударных, что можно охарактеризовать как некоторую эмоциональную неустойчивость. Расшатывание приводит к всплеску и начинается соло, которого мы так ждали. Ближе к концу трека авторы возвращаются к начальной теме, которая в итоге практически превращается в бесконечность. И пусть здесь нет никакого гармонического разнообразия, трек звучит достаточно интересно.

Самый джазоподобный трек на альбоме это, несомненно, «Triguna», но в известный нам джаз авторы не окунаются с головой. В конце концов, они играют фьюжн-метал, однако smooth-солямба прямо отсылает слушателя во времена увлечения масс незаурядным и интересным на тот момент жанром.
Джазовым соло нас также встречает «Open», но как и в только что упомянутом треке, ненадолго. Сопоставление джазовой темы и тяжелой, слегка нагруженной, в очередной раз подтверждает многообразие направления фьюжн.
Мой любимый трек в этом релизе – «Deeply Woven», где ритм-гитары почти с самого начала устремляются вперед, впоследствии начиная свое «повествование». Изюминка трека – соло сопрано-саксофона, которое в рамках установленного жанра звучит весьма органично. И это несмотря на то, что саксофон у многих ассоциируется с академическими направлениями музыки.
Заключительный трек «Immanent» заметно отличается от остальных песен релиза. Он наиболее напряженный и динамичный, в его основе некий конфликт, который не то разрешается, не то перерастает во что-то другое, и в прежнем темпе уходит в закат.

Безумно обидно, что такой амбициозный коллектив перестал существовать, но может оно и к лучшему. В итоге, как многие знают, группа не распалась, а стала существовать другим составом и под другим названием – Our Oceans. Соответственно, они немного сменили вектор деятельности. Интересностей меньше, но каждому своё, у них уже и альбом третий вот-вот выйдет. А два альбома от Exivious навсегда останутся в моем сердце, которое так расположено к интересным гармониям и прочим выпендрежам в любой музыке.

Целотон Черноморович   3 дек 2024

В каждом жанре есть признанные лидеры, которые де-факто и ассоциируются с ним - просто скажите: black metal, power metal, death metal, thrash metal, и т. д. - и ассоциативно всплывёт в памяти ряд групп, по которым вы и определяете этот жанр. И есть огромнейший пласт групп так называемого второго эшелона, которые по тем или иным причинам не смогли выбиться наверх и остаются известны лишь узкой аудитории. Как правило, из-за своей вторичности в рамках жанра. Но это не обязательно плохо, потому что нельзя постоянно создавать новое, можно интересно творить и в заданных рамках. Просто это не принесёт такой славы и известности, кои обрели первооткрыватели и экспериментаторы. Главное - чтобы материал цеплял. И тогда у тебя обязательно будет свой преданный слушатель.

Примером такого крепкого середняка для меня стал проект немецкого гитариста Вальтера Гросса Crom. Это его сольный проект, который он создал, уйдя из известных немецких блэкеров Dark Fortress, записав с ними два альбома. Жанр своей группы Вальтер определил, как epic/viking/power metal, но де-факто это heavy/power переосмысление творчества Bathory, в любви к которому Гросс неоднократно признавался. Наверное, мне повезло, что в подборке мне попался "When Northmen Die" 2017 года, т. к. я позже пробовал слушать ранние альбомы, но они оказались слишком скучными и незапоминающимися. Новый альбом 2023 также не зацепил. А вот на релизе 2017 года Вальтер сумел выдержать нужный баланс музыкальных ингредиентов, начиная с красивой обложки с северным сиянием и валькирией, и заканчивая запоминающейся мелодикой.

Альбом состоит из среднетемповых композиций, посвященных павшим в битвах воинам. У Гросса приятный вокал, отлично интонируюший и расставляющий акценты в песнях. Ритм-секция (в том числе и ввиду темпа повествования) не представляет из себя ничего выдающегося, а вот соло в альбоме с лихвой, и именно они формируют всю торжественность, пафосность песен. Вообще, "When Northmen Die" по своей атмосфере очень напоминает "Valkirja" фарерцев Týr, только он более медленный. Ну а жемчужиной альбома Crom является вторая песня "All Alone", чей прекрасный запев сразу оседает в памяти и заставляет остановиться на этом диске, выделив его среди прочих.

Не являясь каким-то выдающимся представителем жанра, "When Northmen Die" тем не менее слушается приятно и легко, и его хочется переслушивать, чего и вам желаю.

Zmej Gorynych   3 дек 2024

До сего момента тут практически не затронутый пласт прогрессивной музыки из Италии стоит особняком от крупнейших европейских течений. Итальянцы очень часто ставят во главу угла возвышенный симфонизм и намного чаще остальных небританцев распевают на родном языке. Эти факторы позволяют уловить некую преемственность Rock Progresivo Italiano и ветвей искусства Высокого Возрождения, к которой стремились многие: Raccomandata Ricevuta Ritorno (итал. Письмо до востребования), Premiata Forneria Marconi (Прославленная пекарня Маркони), Quella Vecchia Locanda (Старый добрый кабак). Как видно, многие итальянцы для своих групп любили подбирать броские словочетания, ординарные в жизни, но весьма привлекательные, когда под таким знаменём развернут свой сложный грохот очередные чудаки. Данная же группа назвалась "Banco del Mutuo Soccorso", что можно перевести условно как "Банк на паях", "Банк взаимопомощи". В 1971 году состав до этого весьма заурядной группы, возглавляемой братьями Ноченци, претерпел значительные изменения - к группе присоединился талантливый вокалист Франческо Ди Джакомо, басист Ренато Д'Ангело и барабанщик Пьерлуиджи Кальдерони. Именно с таким костяком группа достигнет в ближайшие три года своего расцвета. Первый прогрессивный альбом, изданный в необычном конверте-"копилке", был воспринят меломанами на ура. Во втором полноформатнике Ди Джакомо воплотил свою идею об альбоме, посвященном теории эволюции Чарльза Дарвина. Лаконичное название, завораживающая детальная обложка, великолепное содержание - в нём, похоже, есть всё.

Начинается опус с масштабного вступления "L'Evoluzione" (Эволюция), которое несколько близко музыке Genesis и в котором раскрываются все музыканты, особенно дуэт клавишников (!) Ноченци в маленькой пьесе, вставленной после середины трека. В тексте прямо и очень резко эволюция противопоставляется католическим догмам о происхождении мира, что в извечно набожной Италии находит особый отклик. Двоякий трек "La Conquista Della Posizione Eretta" (Путь к прямохождению) начинается быстрым, тяжелым пассажем, который затем нисходит до замедлённой части, затем уже, после ещё одной такой пересменки, вступает лиричный вокал Ди Джакомо, которому впору завидовать большинству итальянских эстрадников. И те наверняка завидовали! Да и зря не подсмотрели в СССР этот коллектив. Идеологически весьма "прогрессивен", а уж вкупе с лирической песне об узнике режима Пиночета на следующем альбоме быть ему авангардом итальянско-советской культурной дружбы! Как бы сложилась история советской эстрады, если бы вместо Челентано повсюду бы включали "Банко"?

"Danza Dei Grandi Rettili" (Танец больших рептилий) - расслабленный джазовый трек, отдающий в начале стороны Б должный почёт некогда доминировавшим на суше, в воде и в воздухе видам. Этот трек резко сменяет песня о становлении первобытного общества "Cento Mani E Cento Occhi" (Сотня рук и сотня очей) - первую минуту клавишно-ударный напор звучит настолько безбашенно и футуристично, что ассоциируется скорее с Jet Set Radio, чем прогрессивным роком. Правда, это сумасшествие вскоре усмиряется вместе с рахманиновским проигрышем, хотя трек всё равно ищет лазейки, старается быть очень необычным. Самым популярным у публики номером во многом ожидаемо стала баллада "750,000 Anni Fa ... L'Amore?" (Любовь... за 750 тысяч лет до нашей эры?). В ней душераздирающей красоты вокал Ди Джакомо вновь выходит на новые высоты.

Два конечных трека, связанные сюжетно - "Misirere Alla Storia" - (букв. "Псалом 50 - Истории", "Отчаянная мольба пред мирозданием") и "Ed Ora Io Domando Tempo Al Tempo Ed Egli Mi Risponde ... Non Ne Ho!" (И вот я прошу времени у Времени, и отвечает мне Время - нету!), где повествование смещается с процесса эволюции на её итог - отточенный, великий Человек, который достигает того момента духовного развития, где в христианском искусстве обычно идёт экзистенциальная беседа с Господом. Здесь же, разумеется, Человек задаёт вопросы законам мироздания - в чём смысл Эволюции, когда, совершенствовавшись в добродетели, человек остался абсолютно неизменен в грехе? Да и зачем всё нужно, если время не желает останавливаться, перемалывая своими жерновами (которые звучат на протяжении последнего трека) всё, унося в небытие и принося, как до этого счастливо танцевавшим динозаврам, вымирание? На вопросы беспристрастное Время не ответило. Несмотря на тяжелое философское окончание "Darwin!", сама музыка финала весела и мажорна, с добавлением аккордеона и клавесина.

Вторая работа Banco del Mutuo Soccorso максимально зрелая, в ней едва ли есть даже сколько-нибудь слабые места. Речь идёт о, возможно, одном из лучших прогрессивных рок-альбомов мира, не только Италии. Новаторский, максимально монументальный подход позволил альбому и группе обрести культовый статус, даже несмотря на то, что уже к концу семидесятых сокративший название до Banco коллектив будет склоняться к намного более коммерческой музыке. В общем, для жернов Времени данная пластинка ещё долгое время будет крепким орешком.

R.I.P. Francesco Di Giacomo 1947-2014

IJzerklompje  23 ноя 2024