 |
Last login: 8 февраля 2025, 10:04
|
 |
| 
|
|
|
 |
|
| Получив успех первой части дилогии по мотивам "Фауста" Гёте, Kamelot смогли пригласить для записи второй части ещё больше звёздных гостей, а также снять два клипа в поддержку альбома.
1) "March of Mephisto". И двое именитых гостей являются уже на открывающей композиции: Шаграт из Dimmu Borgir частично исполнил партии Мефисто, а Йэнс Юханссон исполнил своё фирменное клавишное соло. Сам Рой Хан снова исполняет обе роли, и сломленного протогониста, и демонического антагониста. Интересное решение, они с Шагратом словно разделили падшего ангела на две части, совсем дьявольскую и ту, что была когда-то ангелом, но уже обрела свой мистический окрас. И фирменное клавишное соло в стиле Stratovarius в этой песне играет необычными красками.
Главный герой Ариэль пребывает в отчаянии после смерти своей возлюбленной Елены, и в этот момент к нему является его покровитель — Мефисто.
2) "When the Lights Are Down". И если открывающая песня игралась в среднем, маршевом темпе, то уже следующая композиция врывается в слушателя ураганом power metal: карданный молот Кэйси Грилло, скоростные риффы гитаристов, потрясающая мелодика - композиция прекрасно отражает тот вихрь чувств, что закружил главного героя, который снова увидел свою возлюбленную.
Когда воля Ариэля почти полностью находится под властью Мефисто, падший ангел приводит к нему прекрасную молодую женщину по имени Маргарита, как две капли воды похожую на Елену. Ариэль соблазняет Маргариту, они проводят ночь вместе, а Мефисто, как кажется, полностью получает контроль над Ариэлем.
3) "The Haunting (Somewhere in Time)". Для исполнения роли Маргариты в следуем треке Kamelot пригласили Симону Симонс, чья собственная группа взяла себе названием наименование прошлого альбома Kamelot "Epica". Что говорить, неспроста именно эта песня была выбрана для второго клипа (первым был по открывающему треку) - двуголосие Симоны и Хана звучит очень красиво, и мотив этой среднетемповой композиции сразу оседает в памяти.
На следующее утро к Ариэлю возвращается память, что разрушает чары Мефисто над ним, и учёный-искатель приходит в себя. Он просит прощения у Маргариты и рассказывает ей свою историю, прося девушку навсегда покинуть его, ведь в Маргарите он видел лишь двойника Елены, своей потерянной возлюбленной.
4) "Soul Society". Достаточно воздушная композиция, несмотря на её смысловое содержание - основной гитарно-клавишный мотив, сыгранный Янгбладом и Миро, подобно ветру поднимает слушателя и несёт в водоворот эмоций размышлений о старейшей людской мудрости о благих намерениях, мостящих дорогу в ад. Ну а ещё Томас сумел на этом альбоме собрать всю свою семью - помимо супруги, вернувшейся к роли Елены, детскую партию смеха на этой композиции исполнила их дочь, Аннелиза Янгблад.
Ариэль покидает Мефисто и, бродя по свету, задаётся вопросом, как он мог причинить столько боли окружающим, ведь его поступки, приведшие к этому, были результатом его добрых намерений в поисках ответов и смыслов жизни.
5) "Interlude I: Dei Gratia". Коротенькая интерлюдия, с исполнением на латыни memento mori, женским а-капелла на заднем плане, и общими звуками, которые можно услышать в соборе.
Ариэль приходит к выводу, что невозможно найти эти ответы на Земле и что они должны находиться только на небесах.
6) "Abandoned". Нежная баллада, где большую часть солируют струнные Роденбергского симфонического оркестра, пианино Миро и мягкий баритон Хана.
Понимая, что его грехи помешали ему попасть на небеса, он молит Бога о прощении, но не получает от Него никаких знаков. Лишь память дарует голос поющей возлюбленной Елены.
7) "This Pain". Одна из моих любимых песен группы, одна из самых минорных во всей дилогии. Открывается красивейшим гитарным соло под звуки дождя, и переходит в резкую среднетемповую композицию с жёстким риффингом, венчающуюся вихревым соло Янгблада.
Убитый горем Ариэль понимает, что никогда не сможет воссоединиться с Еленой и найти истины, которые ищет. Он размышляет о страданиях, которые он причинил всем, кого знает, и приходит к выводу, что их уже никогда не исправить, и что он предал обеих женщин, к которым испытывал чувства.
8) "Moonlight". Начинается со звуков метели, но при этом с инструментального вступления с торжественными восточными нотками, после чего снова жёсткий риффинг среднетемповой песни. В этой песне наиболее ярко звучит двуголосие баса Барри и ритм-гитары Янгблада. Соло часть состоит из мягкого оркестрового вступления, переходящего в агрессивное гитарное соло.
Отпустив оцепенение страданий, Ариэль побуждает себя к действиям и решает противостоять Мефисто. Он пересекает реку и приближается к замку падшего ангела.
9) "Interlude I: Un Assassinio Molto Silenzioso". Короткая песня в кабаре в исполнении итальянки Синтии Риззо.
Смирившись со смертью, Ариэль приближается к Мефисто.
10) "The Black Halo". Симфоническая часть в исполнении оркестра всё больше выходит на первый план: развязка истории близка, а потому естественным образом помпезность, торжественность увеличиваются доступными средствами. Несмотря на быстрый темп, сочетание роковых инструментов, симфонических инструментов и хоралов звучит гармонично.
Ариэль обвиняет Мефисто во лжи и предательстве. Он не желает больше быть марионеткой падшего ангела и решает жить праведной жизнью, как жила Елена, даже несмотря на то, что его грехи в любом случае обрекли его душу на ад.
11) "Nothing Ever Dies". Один из кульминационных моментов дилогии наступает на третьей минуте композиции, когда с быстрого темпа уводят среднетемповые переливы, Хан чарующе поёт о Любви, как о главном двигателе развития человечества, под прекрасную симфоническую мелодию...
Ариэль заявляет, что человечество всегда будет искать истины в попытках найти ответы на те вопросы, которые Ариэль пытался понять на протяжении всего своего путешествия. И он испытывает внезапное озарение: любовь и является абсолютной ценностью жизни, и, так как чувство между ним и Еленой было настоящим, они обязательно снова встретятся и будут счастливы. Ариэль также осознаёт, что в поисках истин он никогда не будет по-настоящему удовлетворен, что его свободная воля позволяет ему создавать собственный смысл жизни и творить собственную судьбу. Он приходит в состояние абсолютного понимания и возвышенной радости, настолько сильной, что он желает остаться в этом моменте навсегда.
12) "Memento Mori". Главный эпик дилогии, самая длинная песня. Начинается нарративным пением Роя, играет медленное торжествое симфоническое выступление. Но с третьей минуты вступает мощная ритм-секция и открывается основная часть композиции. Ритм постоянно меняется, несмотря на большую продолжительность песни, её интересно слушать. Возвращаются Шаграт для исполнений партий Мефисто, а Мэри Янгблад - партий Елены. Энергичность смешивается с торжественностью, развязка истории наступает. И на восьмой минуте возвращается патетическое симфоническое исполнение оркестром, где гобой Вольфганга Дьетриха играет не последнюю роль.
Момент душевного катарсиса Ариэля вводит в действие контракт, который он заключил с Мефисто, и, таким образом, его душа теперь принадлежит падшему ангелу. Когда душа Ариэля начинает покидать его тело, Мефисто готовится заявить на неё свои права. Однако Елена ходатайствует перед Богом за Ариэля. Поскольку учёный-искатель отверг всё зло, даже перед лицом неминуемого проклятия, Ариэль искупил свои грехи, и Бог прощает его, позволяя попасть в рай с Еленой. Мефисто, чье пари с Богом проиграно, стенает, когда его навсегда бросают в ад. Затихает волшебный голос Хана, эхом летит шёпот Елены, обращённый к возлюбленному...
13) "Interlude III: Midnight - Twelve Tolls for a New Day". Ускоряющиеся звуки, будто в заевшем магнитофоне, переносят нас из некоторого царства, некоторого государства на обычную городскую ярмарку, полную новогодних украшений в преддверии главного семейного праздника людей. Мэр городка Гейтсвилль поздравляет жителей с Новым годом и благодарит актёров труппы театра за блестящий театральный спектакль.
Уютный хруст сугробов под ногами, свист вьюги на заднем плане, и шёпот Хана: "С Новым Годом!" - посылка из детства, где по окончание любой сказки ты переносился обратно в наш мир, любуясь рассказчиком, которым был кто-то из близких.
14) "Serenade". Завершающая песня, размышления рассказчика, такой же поиск истин, которым был занят Ариэль на протяжении своего пути. Очередные красоты смешения power metal основы и симфонических партий оркестра. Праздник заканчивается...
По разному оценивают люди творчество Kamelot, но мой однозначный топ, золотой период группы: 2000-2005. Лучший состав Kamelot в лице гитариста Томаса Янгблада, вокалиста Роя Хана, бас-гитариста Гленна Барри, ударника Кэйси Грилло. Саша Пет в роли продюссера. Миро в качестве студийного клавишника. Символично, кстати, что последний прекратил сотрудничество с группой после выхода "The Black Halo", и после этого торжественный, патетический флёр группы несколько спал. Но не в нём одном дело - очевидно, справедливо оценив, что в выбранном на рубеже веков направлении они достигли всего, чего могли, музыканты Kamelot решили выбрать другой вектор своего творческого развития. Однако для меня самые яркие, самые любимые страницы Kamelot это сказки Шахерезады "The Fourth Legacy", гималайские притчи "Karma" и, конечно, европейские саги "Epica" / "The Black Halo".
И последнее, что хочется сказать: в начале отзыва на дилогию я отметил, что, несмотря на сюжет, не привязанный к времени года, я считаю эту историю абсолютно рождественской, новогодней. Не потому, что в конце упоминаются ярмарочные гуляния, а Хан и мэр города говорят "С Новым Годом!", а потому, что вот этот переход от мира Ариэля и Мефисто в обычный, городской мир - это такой мостик в детство. Когда рассказываемые родителями сказки расширяли воображение, дарили фантастические миры, но любой страх из них имел спасение здесь, в нашем мире - шагнуть обратно, прижаться к родному человеку, и смотреть вместе в окно, как падают снежинки, а на душе - ощущение грядущего праздника, подарков от Деда Мороза, и просто наступающего счастья. Вот за эту возможность вспомнить детские ощущения я и отношу дилогию Kamelot по мотивам "Фауста" Гёте к праздничным творениям, которые особо хочется слушать в канун каждого Нового года.
|
|  |
|
|
|
|
|
| Скоро Новый год.
Помните, в это время всегда хочется вкусить новогодних подборок. Фильмов, мультфильмов, книг. И, конечно, музыки. Помимо классических "Карнавальной ночи" или "Реальной любви", в такие подборки включаются "Иван Васильевич меняет профессию" или "Гарри Поттер", и не потому, что их сюжет напрямую связан с Новым годом, а потому, что под праздник много лет мы любим их пересматривать, в зависимости от предпочтений. Относят ли "Фауст" Гёте к таким произведениям? Обычно нет, но создав по его мотивам дилогию "Epica" / "The Black Halo", американцы Kamelot выпустили одни из самых рождественских альбомов в музыке.
...Kamelot явление достаточно уникальное в том плане, что, будучи американской группой из Флориды, большую часть своего пути играли абсолютно европейский power/heavy (с вкраплениями progressive, особенно на первых альбомах и в 2007/2010). При этом благодаря сплаву композиторского таланта Томаса Янгблада, прекрасным аранжировкам музыкантов группы, чарующему баритону Роя Хана, и, как теперь понимаешь спустя годы, продюсерскому таланту Саши Пета, альбомы золотого периода Kamelot уникальны в своём звучании. Помню, как в 00-ые Пета ругали за стандартизацию сведения групп, которые у него писались, но в случае с Kamelot он вывел идеальный звук под такой поджанр, и записи команды того периода ни с кем не спутаешь.
...Вернёмся к дилогии по мотивам Фауста Гёте, к первой её части, "Epica".
1) "Prologue". Инструментальное интро, приглашающее нас послушать историю начинающуюся в некотором царстве, в некотором государстве.
Согласно предыстории, Бог поручил всем ангелам служить людям, но один, самый мятежный по имени Мефисто, отказался, заявив, что он может служить только Богу. За непокорность его изгоняют с небес, но Бог обещает дать ему ещё один шанс: если у Мефисто получится забрать душу у алхимика и учёного по имени Ариэль, то Мефисто сможет вернуться на небеса. Если же нет, падший ангел будет низвергнут в ад навсегда. Мефисто соглашается и отправляется на поиски Ариэля.
2) "Center of the Universe". И без раскачки, продолжая преемственность "Karma", на втором месте идёт одна из лучших песен группы, которую Kamelot и поныне исполняют на своих концертах. Быстрая ритм-секция, красивый соло-мотив Янгблада, симфонические бэки, и, конечно, мощнейший голос Хана рождают вместе прекраснейшую песню о поиске смысла жизни.
Мефисто находит Ариэля, тот знакомится с ним и начинает размышлять о своих исследованиях истинного смысла жизни и о том, почему Бог создал людей.
3) "Farewell". Не менее быстрая композиция, но ввиду сюжетного поворота и соло-линия, и бэки звучат более мрачно.
После бесед с Мефисто и философских размышлений Ариэль приходит выводу, что ни наука, ни религия не могут по-настоящему ответить на эти вопросы. Чувствуя беспокойство, он решает покинуть свою родную страну, чтобы найти ответы своим терзаниям. Он прощается со всеми, включая свою возлюбленную Елену, и отправляется на поиски смыслов мироздания, поклявшись никогда не возвращаться.
4) "Interlude I: Opiate Soul". Когда я впервые слушал альбом ещё в юношестве, по наивности думал, что дрожь главного героя связана с холодом. Но нет, название интерлюдии однозначно трактует причины дрожи. А духовой бэк плавно переходит в знаменитую "O Fortuna". Вот такая очередная цитата классики от Kamelot.
Проходят годы, пока Ариэль бродит по свету в поисках ответы на свои вопросы, и он становится зависимым от наркотиков...
5) "The Edge of Paradise". ...и, в конце концов, обращается к оккультизму, во время которого его озаряет краткое видение Мефисто.
Среднетемповая композиция, одна из моих любимых у группы, где Хан включает демоническую составляющую голоса. Вообще, будучи потомком и тайцев, и норвежцев, обучаясь в оперной школе, Рой поставил уникальный тембр, который ни с кем не спутать. Некоторые говорили, что его голос - не хуже, чем у всемирно известного солиста Бродвея Роберта Кукиолли. Ну и вписанное "O Fortuna" в металлическую композицию звучит блестяще, не хуже, чем у Therion, Van Helsing's Curse и прочих мастодонтов, цитировавших эту классику.
6) "Wander". Первая баллада дилогии. После шабаша прошлой песни, здесь очень нежная композиция со струнными инструментами, и, конечно, красивейшим соло Томаса.
Ариэль погружается в воспоминания о Елене, сильно скучает по ней, пока бесцельно бродит по дикой местности, сожалея о своём решении бросить её и уйти бродить по свету.
7) "Interlude II: Omen". Короткая интерлюдия открывается раскатами грома, перетекает в переливы пианино и флейты.
Ариэль прекращает свои поиски и решает покончить с собой, полагая, что никогда не найдёт ответы, которые ищет.
8) "Descent of the Archangel". Интерлюдия перетекает в начало очередной быстрой композиции, где партию соло-гитары исполнил Лука Турилли из Rhapsody of Fire. А Хан впервые в этой дилогии в рамках одной песни играет обе роли, и Ариэля, и Мефисто, мастерски переключаясь с падшего ангела на учёного-искателя и обратно. Ну и очень красивые оркестровки исполнил Миро, которые исполнял роль сессионого клавишника группы в 2000-2005.
В тот момент, когда Ариэль готовится совершить непоправимое, внезапно появляется Мефисто и предлагает сделку: он поможет Ариэлю в его поисках ответов на вопросы и исполнит все его мирские желания, а взамен Мефисто получит душу Ариэля, когда тот умрёт.
9) "Interlude III: At the Banquet". Короткая 30-секундная интерлюдия, звуки пира в замке и праздничная флейта на бэке.
Ариэль таинственным образом переносится в замок Мефисто.
10) "A Feast for the Vain". Снова Янгблад включает в быструю композицию среднетемповые перебивки с демоническими оттенками, особо ярко акцентируемыми Ханом.
Падший ангел устраивает пир в честь Ариэля. На пиру тот поражен тем почётом и обожанием, которым его окружают остальные гости и слуги, и в итоге соглашается с контрактом Мефисто, но с одним условием: падший ангел сможет забрать душу учёного-искателя только в том случае, если Ариэль испытает такую возвышенную радость, что в этот момент захочет жить вечно. Мефисто нехотя соглашается на эту сделку.
11) "On the Coldest Winter Night". Одна из самых известных баллад группы, давшая названия концертнику 2006 года. Начинается с завывания метели и звона колокола, в которые вплетаются мягкие клавишно-струнные переливы, и мягкий голос Хана начинает композицию, которая, несмотря на свою минорность, является одной из самых жизнеутверждающих песен группы. Лидирующие инструментальные партии играют струнные инструменты, в том числе контрабас в исполнении Олафа Рейтмейера, также в этой песне задействован западноафриканский кубкообразный барабан джембе.
После того, как Ариэль покидает замок Мефисто, его находит Елена, которая искала его все эти годы, с тех пор, как он внезапно покинул её. Ариэль оказывается потрясён и очень счастлив и решает воссоединиться с Еленой.
12) "Lost & Damned". В этой песне интересно перетеплены быстрые гитарные рифы основного мотива, перетекающие в танговые перебивки куплетов, исполненных Фабрицио Алехандро на бандонеоне (ручной гармони). Одна из самых ярких песен альбома.
Ариэль и Елена проводят ночь вместе, и они зачинают ребёнка. Тем не менее, проведя некоторое время с Еленой, Ариэль решает покинуть её, чтобы продолжить поиски истины. С новообретённой силой, которой наделил его Мефисто, он чувствует, что ответы находятся в пределах его досягаемости. Ариэль сообщает Елене о своём намерении отправиться в путь, и о том, что, хотя он и любит её, "любовь для меня ничего не значит, так как я поисках более высоких материй".
13) "Helena's Theme". Фактически а-капелло композиция, исполненная женой Томаса Янгблада Мари, чей голос вы можете слышать также на второй и шестнадцатой песнях. Под конец песни включаются симфонические оркестровки, создающие напряжение момента.
После того, как Ариэль снова покинул её, Елена понимает, что её сердце окончательно разбито. Поклявшись, что она будет любить Ариэля и после своей смерти, она решает прекратить свой земной путь в реке, также неосознанно принеся в жертву своё неродившиеся дитя. Оба они переносятся на небеса по просьбе Речного Духа.
14) "Interlude IV: Dawn". Самая короткая интерлюдия, где под бэки грустные клавишно-струнные бэки городской глашатай объявляет, что тело Елены было обнаружено в реке рядом с городом.
15) "The Mourning After (Carry On)". Яркий и мощный среднетемповый рифф открывает пятнадцатую песню альбома. Благодаря яркой работе ритм-секции получается очень мощная и эпичная композиция.
Узнав о гибели своей возлюбленной и том, что она носила их дитя, Ариэль всё глубже погружается в своё горе и плачет у реки, где погибла Елена.
16) "III Ways to Epica". Основной гитарный рифф песни является моим любимым у Kamelot, наряду с цитатами Эдварда Грига в "Forever" с предыдущего диска. Очень яркая быстрая композиция, на мой взгляд, лучшая на альбоме, его вершина, красивейшее окончание первой части. Тут и прекрасная соло-работа Томаса Янгблада, и шикарная игра ролями двух антагонистов в исполнении Хана (как будто два разных человека поют), согреваемая в припевах нежным бэк-вокалом Мари Янгблад, и общая энергичность песни, непошлая помпезность, и красивейший второй план от Роденбергского симфонического оркестра.
Охваченный горем, Ариэль задаётся вопросом, стоит ли ему продолжать поиски. Он винит в смерти Елены и Бога, и самого себя, но Мефисто призывает Ариэля продолжать путешествие, утверждая, что людские эмоции - проклятие рода человеческого, которое в итоге приведёт к его гибели. Из-за ослабленного состояния Ариэля влияние на него Мефисто растёт, и он соглашается продолжить свои поиски. Елена наблюдает за ним с небес...
Вот так, на самом интересном месте, прерывается эта история. Через два года Kamelot выпустят вторую часть, где закончат историю искателя смыслов жизни Ариэля, его возлюбленной Елены и падшего ангела Мефисто, но очевидно, что Томас с Ханом (его влияние на создание материала в период участия в группе было огромным) писали всю историю в одно время, а разделили альбом на две части с разницей в два года прежде всего по коммерческим соображениям.
Про вторую часть я расскажу завтра, но первая часть вполне самодостаточна - если вы любите красивую музыку, сказочно-фентезийную атмосферу, обязательно послушайте альбом "Epica" группы Kamelot - в нём нет ничего лишнего, всё так, как и должно быть. 10/10.
|
| |
|
|
|
|
|
| В каждом жанре есть признанные лидеры, которые де-факто и ассоциируются с ним - просто скажите: black metal, power metal, death metal, thrash metal, и т. д. - и ассоциативно всплывёт в памяти ряд групп, по которым вы и определяете этот жанр. И есть огромнейший пласт групп так называемого второго эшелона, которые по тем или иным причинам не смогли выбиться наверх и остаются известны лишь узкой аудитории. Как правило, из-за своей вторичности в рамках жанра. Но это не обязательно плохо, потому что нельзя постоянно создавать новое, можно интересно творить и в заданных рамках. Просто это не принесёт такой славы и известности, кои обрели первооткрыватели и экспериментаторы. Главное - чтобы материал цеплял. И тогда у тебя обязательно будет свой преданный слушатель.
Примером такого крепкого середняка для меня стал проект немецкого гитариста Вальтера Гросса Crom. Это его сольный проект, который он создал, уйдя из известных немецких блэкеров Dark Fortress, записав с ними два альбома. Жанр своей группы Вальтер определил, как epic/viking/power metal, но де-факто это heavy/power переосмысление творчества Bathory, в любви к которому Гросс неоднократно признавался. Наверное, мне повезло, что в подборке мне попался "When Northmen Die" 2017 года, т. к. я позже пробовал слушать ранние альбомы, но они оказались слишком скучными и незапоминающимися. Новый альбом 2023 также не зацепил. А вот на релизе 2017 года Вальтер сумел выдержать нужный баланс музыкальных ингредиентов, начиная с красивой обложки с северным сиянием и валькирией, и заканчивая запоминающейся мелодикой.
Альбом состоит из среднетемповых композиций, посвященных павшим в битвах воинам. У Гросса приятный вокал, отлично интонируюший и расставляющий акценты в песнях. Ритм-секция (в том числе и ввиду темпа повествования) не представляет из себя ничего выдающегося, а вот соло в альбоме с лихвой, и именно они формируют всю торжественность, пафосность песен. Вообще, "When Northmen Die" по своей атмосфере очень напоминает "Valkirja" фарерцев Týr, только он более медленный. Ну а жемчужиной альбома Crom является вторая песня "All Alone", чей прекрасный запев сразу оседает в памяти и заставляет остановиться на этом диске, выделив его среди прочих.
Не являясь каким-то выдающимся представителем жанра, "When Northmen Die" тем не менее слушается приятно и легко, и его хочется переслушивать, чего и вам желаю.
|
| |
|
|
|
|
|
| Почти всем молодым музыкантам присуща искренность в творчестве. Dimmu Borgir на пике своей популярности стали символом помпезности и пафосности тяжёлой музыки, но их дебютник - это та самая мальчишеская искренность и непосредственность. Когда ещё не думаешь о заработках, о популярности, о шаблонах и стандартах. Ты просто творишь ради творчества как такового. Многие в раннем периоде Dimmu Borgir ставят на вершину "Stormblåst", но мне ближе и краше дебютный "For all tid". Причём переиздание, с прикреплённом на верхнем этаже двумя треками "Inn i evighetens mørke" с сингла 1994 года.
Открывает альбом "Det nye riket", где тягучая атмосфера торжественности из-под пера Stian Aarstad'a перетекает в его же клавишный перелив с речью на норвежском - нас плавно погружают в серые пейзажи сказочного мира, в который нам предстоит погрузится в ближайшие 50 минут. И с первых аккордов "Under korpens vinger" - фирменное для начала 90-ых жужжание гитар с соответствующей ритм-секцией. Считается, что блэк - музыка злая, но у ранних Dimmu Borgir она скорее меланхоличная, тем более, что почти весь альбом сыгран в среднем темпе. Каркающий вокал, кстати, здесь принадлежит Silenoz, а Sharath исполняет лишь бэки, плюс большинство ударных партий. Ну и нельзя не отметить безумно красивые клавишные партии Stian Aarstad'a - они подобно клею, соединяют все эти робкие и неуверенные пробы пера молодых (почти все участники на момент написания пластинки были несовершеннолетними) музыкантов в какую-то невероятно уютную ноябрьскую атмосферу. На третьем треке "Over bleknede blåner til dommedag" лидирующим внезапно является разговорно-тянущий вокал приглашённого Aldrahn'a, что делает композицию одной из самых запоминающихся на альбоме.
Четвертый трек, "Stien", наконец пытается напомнить, что участники группы не просто так строили рожицы в корпспэйнте в буклете - они играют черный металл, потому ритм-секция в этой песне на лидирующих позициях, темп шустрый, клавиши задвинуты на задний план, и звучат подобно рожку северного пастушка.
"Glittertind" продолжает тему своего предшественника и тоже держит высокую скорость, хотя и имеет среднетемповые перебивки. При этом пятый трек является фактическим инструменталом, Silenoz в прямом смысле просто каркает, слов в песне нет.
Заглавная композиция "For all tid" открывается красивым полуакустическим интро, чтобы на исходе второй минуты перетечь в фирменную блэковую среднетемповую жужжалку. Действительно, одна из самых красивых песен альбома. В том числе и потому, что имеет красивое зеркальное вступление и заключение, которое начинается с пятой минуты...
"Hunnerkongens sorgsvarte ferd over steppene" - очередная блэк-долбилка, но ввиду её короткой длины, а также среднетемповой сбивки в середине, не успевает надоесть, и мы плавно переходим к одной из самых знаменитых и популярных песен группы...
"Raabjørn speiler draugheimens skodde". Её известная, перезаписанная для альбома 1997 года версия звучит иначе, а вот оригинальное исполнение - это настоящий гимн северному ветру. Каждый, кто бывал на северном берегу в неясную сырую погоду, знает, насколько промозглыми и злыми из-за влажности бывают порывы воздуха в это время. И словно Ньёрд, недовольный незванному гостю на берегу его владений, Silenoz под аккомпанемент музыкантов группы рычит на слушателя. Пять минут песни пролетают незаметно.
Выдержав накат скандинавского бога ветра и морской стихии, мягкое клавишное вступление "Den gjemte sannhets hersker" обволакивает, вроде как успокаивая после предыдущего нападения, но лишь две минуты, после чего злобное ворчание Silenoz'a вновь возвращает нас в основное блэковое повествование. А на его исходе - клавишное outro, подобно бегущим на скалистые фьорды волнам, и гитарное соло Tjodalv'a дорисовывают прекрасный образ мира, созданного пятью молодыми норвежскими музыкантами. Местами аляповатого, но цельного и цепляющего. И с каждым затухающим аккордом ты понимаешь, что не хочешь его покидать, хочешь в него вернуться.
На этом "For all tid" заканчивался, но, как я уже говорил, я услышал его впервые в 2004 году уже в переиздании, с двумя частями "Inn i evighetens mørke". И если вторую часть, бездумную долбилку, лучше было бы спрятать куда-нибудь в середину альбома, так как она прямолинейна, как проспект в центре города и не представляет большой ценности, как отдельный элемент творчества, то первая часть, "Inn i evighetens mørke Part 1" - один из самых красивых инструменталов в музыке, которые я слушал. Звуки метели, добавленные в общее повествование, лишь акцентируют очарование трека. Медленные, неторопливые гитарные переборы, холодные, как вьюга, клавиши. Эта мелодия закручивает, затягивает, пробирает до нитки. Ведь не всем дано любить солнце и тепло? Кто-то любит вот такую промозглую, серую погоду, в ней есть особенная красота. Инструментал "Inn i evighetens mørke Part 1" отлично её передаёт, просто запустите его, и вы сразу перенесетесь на берег Белого или Баренцева моря ноябрьским пасмурным днём..
Очень красивый альбом, один из лучших дебютников, что был на сцене, и до сих отличное произведение само по себе!
|
| |
|
|
|
|
|
| Поскольку знакомство моего поколения с тяжёлыми командами происходило во времена, когда такого широкого доступа в сеть ещё не было, мы часто изучали новое по мп3 дискам, купленным на горбушке / копируя альбомы из локалки. Из-за этого порой происходили казусы понимания дискографии, если какого-то альбома в локальной сети / на диске не было. Так произошло с моим знакомством творчества Orphaned Land - были концертники (бутлеги), были El Norra Alila и Mabool, а Sahara не было. Из-за этого я решил, что именно El Norra Alila дебютный альбом. И дебютник какой-то неровный - местами какой-то олдскульный death/doom, местами - задатки того, что выкристаллизовалось в окончательную фирменную черту группы на Mabool. Поэтому ни разу, практически, не слушал его целиком, только выборочные треки. Ну теперь понятно: El Norra Alila был переходным звеном между death/doom юностью и prog/oriental зрелостью Orphaned Land. А что же настоящий первенец группы? Как у любых талантливых музыкантов, дебютная работа уже продемонстрировала огромный потенциал, и является интересным музыкальным альбомом сама по себе. Вообще, особый строй ритм-секции в death/doom, как мне кажется, имеет глубокую связь именно с ближневосточной музыкой - даже у корифеев жанра, аля ранние Therion, Amorphis, Tiamat, Paradise Lost и т.д., нет да нет, да и услышишь в грязноватом жужжании гитар мелодику дворцов и пустынь древних Хорезма и Египетского царства. Что уж говорить про Orphaned Land, которые щедро одобрили свою Sahara сазом, кануном, удом, бузуки и различными местными перкуссиями. И это не считая отличную мелодику базовых инструментов, красивые соло Yossi Sassi, фирменные распевы, речитатив и гроул Kobi Farhi. На Sahara группа ещё не делает акцент политических и социальных вопросах, нарратив повествовательный, эдакие меддахи от мира тяжёлой музыки.
В 2018 я приобрел переиздание Sahara на виниле, и с тех пор люблю организовать прекрасный вечер - запустить пластинку, и пусть ближневосточные берберы несут в сказочные пески древнего Востока.
|
| |
|
|
|
|
|
| Затравка в виде описания "кавказский метал" не могла не заинтересовать, и это тот случай, когда альбом даже превзошёл ожидания.
Итак, Raida Rada начинается с какого-то действительно кавказского запева, но уже через 9 секунд на нас обрушивается мощнейшая стена thrash/death. Жирнющий, плотный звук, отличный рык вокалиста, всё по канонам жанра. В конце второй минуты небольшой хорал разбавляет эту реку энергии, а на 2:30 в дело вступает... Лезгинка! Да, подобно двум горным речкам, образующим слияние одной мощной реки, Concrete Age направили два музыкальных потока в один и мы получили очень необычный релиз. Мне понадобилось три раза полностью прослушать альбом (а он притягивает делать это раз за разом!), чтобы усвоить это весьма сложноприготовленное, но очень вкусное блюдо. Без "горской" эклектики это был бы просто интересный thrash/death релиз, который приятно послушать несколько раз, который имеет хорошую энергетику и запоминающиеся гитарные соло, но таких по всему миру выходят десятки каждый год. Но вот интегрировав народные мотивы, команда из Минеральных Вод (пускай музыканты сейчас живут в Лондоне, очевидно, что их музыкальные вкусы и идеи сформировались на юге нашей страны) смогли создать уникальный в своём роде альбом. Folk metal команды с самого начала формирования в отдельный стиль стали популярны в нашей стране. Eluveitie, Ensiferum, Korpiklaani, Alestorm, Equilibrium, In Extremo, список очень большой. И, разумеется, он породил множество подражателей в России. Часть из них оказались достаточно интересными, но базисом и наши группы использовали те же кельтские/норманские мотивы. А по-настоящему самобытный альбом получилось создать в 2024 четырём музыкантам Concrete Age. Использовав thrash/death каркас, участники группы украсили свой дом "горскими" мотивами, которые пусть и схожи с упомянутыми выше, имеют свою индивидуальность. Послушайте хоровые запевы в припевах Mestizo/Kara Köl: вроде и похожи на жанровые хоралы условных Ensiferum, но, в тоже время, аутентичны своему региону и имеют своё лицо. Красота кавказской музыки переплетаются с мощью и напором тяжёлого метала, и на выходе получается такое необычное творение. Две речки переплетаются на протяжении альбома всё сильнее, и сильнее, и в завершающем треке Adeghaga слушатель достигает катарсис.
Очередное доказательство - бери готовые музыкальные решения, приправь их своей душой и памятью родных мест, и на выходе обязательно получится музыкальная услада для слушателей.
|
| |
|
|
|
|
|
| Очень часто лучшие альбомы получаются у метал-групп тогда, когда они находятся на стадии перехода. Обретя себя в определённой нише, будучи на ее вершине, они находятся в поиске новых творческих решений, разбавляя своими находками стандарты поджанра. Так было у Amorphis с их гениальным "Tales Of The Thousand Lakes", так было у Therion в 1995-1996, так случилось и у Tiamat: войдя в высшую лигу Death/Doom-метала, Юхан Эдлунд двинулся в сторону психоделического готик-рока, и на этом пути выпустил свой эталонный "Wildhoney", одно из лучших произведений музыки 90-ых.
Открывая альбом тихим гитарным перебором под поющие звуки леса в одноименной композиции, первым же полноценным треком "Whatever That Hurts", группа погружает нас в свой новый мир - незадолго до записи альбома Юхан уволил всех музыкантов и собрал новый состав для записи, чтобы единолично реализовать все накопившееся идеи. И если "Whatever That Hurts" создает мостик с "Clouds", то уже "The Ar" открывает нам новый Tiamat: древние символы, марширующий основной бридж, с сохранением грязноватого звука и с хоралами - лучи солнца мелькают в этом калейдоскопе, прерываясь в середине трека на какие-то промышленные звуки, создавая всем этим очень яркую песню. Далее, этот же кусок индустриальщины в инструментале "25th Floor" обрастает какими-то совсем психоделическими звуками, для того, чтобы... Чтобы явить главную жемчужину альбома - "Gaia". Посвящение родной планете прекрасно. Открываясь изумительным клавишным мотивом, подобно свежему весеннему воздуху, трек наполняет лёгкие, всего тебя, ощущением красоты и лёгкости полёта. Бесподобное соло как кульминация. "Gaia" выпускалась отдельным синглом, но полностью красота её раскрывается именно после подводки "Whatever That Hurts" / "The Ar". Но любой полёт заканчивается, и качающаяся лодочка "The Visionaire" снова возвращает нас в думовое прошлое группы, не без влияния арт-рока, конечно же.
Следом начинается последняя часть альбома, целиком и полностью написанная под влиянием Pink Floyd. Причём не являющаяся их копией, а представляющая самостоятельное произведение, вдохновленное классикой. "Do You Dream Of Me"? Подобно сну, имеющая стройную акустическую линию повествования, восьмая композиция обволакивает всё плотнее, делает воздушным, и отрывает от поверхности. Щемящее соло в конце окончательно заставляет распасться на частицы и оказаться среди мириад планет... И лишь последний трек, "A Pocket Size Sun", самая галлюциногенная песня альбома, путём каких-то медленных жутковатых мелодий неведомой тропой возвращает нас обратно, в повседневный мир.
Tiamat выпустили настоящий шедевр, и даже если бы "Wildhoney" был их единственным альбомом, "дикий мёд" навсегда обессмертил эту шведскую команду.
|
| |
|
|
|
|
|
| 20 лет назад вышел шестой студийный альбом Dimmu Borgir, "Death Cult Armageddon". С него начался подход к оформлению пластинок в холодных синих и серых цветах, который по сей день используется в стилистике альбомных рисунков, концертов, одежд группы.
Альбом открывает симфоническое интро в составе "Allegiance", смешанное со скрежетом открывающейся червоточины, которую Joachim Luetke сделал одним из символов арт-концепта диска, и которую потом в клипе PotGA изобразили. И спустя 1:20 с начала трека, Dimmu Borgir обрушивают свой мощный водопад ритм-секции под предводительством Nicholas Barker'a, чьи бластбиты в те годы считались топовыми.
~~~~~~~~~~
В 2003-2005 годах на МТВ ночью показывали популярную в рок-тусовке передачу. Сначала она называлась «Hard Zone», потом - «Центр риффа». Именно там в 2004 году я увидел клип "Progenies of the Great Apocalypse". И это было, конечно, вау! Первая блэк (пусть и симфо) композиция, непривычная, но мощнейшая мелодика, вокалы, сценические образы. Графика уже тогда смотрелась не так, чтобы супер, но идея была понятна и красива. Так выбранный Nuclear Blast заглавным трек стал моим проводником в мир black metal. Дальше были и Immortal, и Emperor, и Mayhem, и тракторный завод имени Darkthrone, и много-много других, но воротами в этот жанр для меня стали именно «Потомки Великого Апокалипсиса».
~~~~~~~~~~
Shagrath неоднократно отмечал, что запись с Пражским симфоническим оркестром сопровождалось множеством проблем. Не знаю, были ли это ошибки технического характера, в том числе при сведении, или банальный творческий рассинхрон музыкантов группы и оркестра, но симфонические бэки и правда звучат как будто отдельно, на заднем фоне. И это, как говорится, не баг, а фича - такое звучание создаёт "киношный" эффект, когда основные рассказчики Dimmu Borgir дарят нам историю, а оркестровые аранжировки создают для неё величественный фон.
Ещё помню множество претензий к самому Shagrath'у - мол, голос ослаб, вытягивать связками, как раньше, не может, поэтому использует разные компьютерные примочки. Сомневаюсь, было ли так в 2003, учитывая, что это студийная работа, полагаю, идея была всё же не скрыть недостатки вокала, а различными синтетическими элементами дополнительно акцентировать атмосферу киберпанкового конца света.
А ещё интересна идея с приглашением Abbath'а на две композиции - его трескучий скрим интересно оттеняет стандартный Shagrath'овский.
~~~~~~~~~~
Когда я купил, принёс домой пухленькую коробку с диском (буклет страниц эдак на 20) и запустил альбом, мне он сначала не заходил, вроде и помпезно и эпично, но как-то не то... Пока я не дошёл до "Allehelgens død i Helveds rike", последней песни группы на норвежском языке. Несмотря на то, что лирика повествует всё про то же - про ад, неповиновение божественным началам и тому подобное, ассоциацию она рождают другую: корабль викингов, несущийся сквозь бурю океана к своей погибели. И вот, в середине мягкий баритон ICS Vortex'а вспыхивает ярким образом на горизонте, что все моряки попадут в так любимую ими Вальгаллу, ну а дальше... Дальше стена бластбита под скрим Shagrath'а и эпичное полотно оркестра разобьёт корабль со всеми его обитателями вдребезги. Ух! И снова обратно, из древнего мира викингов в мир постиндустриального апокалипсиса.
~~~~~~~~~~
Всего альбом длится больше часа, и с первой попытки им проникнутся не так-то просто. Но он содержит цельную атмосферу, он второй и последний диск от того профессиональнейшего состава, он напичкан различной мелодикой, и потому раз за разом на протяжении 20 лет прослушивается меломанами. Вряд ли у кого-то "Death Cult Armageddon" считается номером один в дискографии Dimmu Borgir, но также ни у кого не слышал его характеристику как худшего. Крепкий, интересный альбом, который можно порекомендовать как любителям жанра, так и тем, кто только готовится познать sympho black metal.
P. S. Помню, его выход в последний раз всколыхнул споры об оценке тру/позер в отношении альбомов этого жанра. Понятно, что группа была отнесена к последнему, т. к. "дорого/богато", оркестр, и вообще. Начинали-то все вместе, дружеской группой с Tjodalv'ом на гитаре и Tristan'ом на басу, а теперь набрали профессионалов за деньги. Не тру, в общем.
Как это всегда бывает, в истории остались и тру, и позёры. Люди продолжают слушать и "De Mysteriis Dom Sathanas", и "Death Cult Armageddon". Главное, чтобы музыка цепляла. В 2003 у Dimmu Borgir с этим проблем не было, несмотря на весь имидж.
|
| |
|
|
|
|
|
| В истории Borknagar, который Брюн Эйстейн создал, ища пути переходов из жёстких дэт-сентенций Molested в сторону мелодичности блэк/викинг музыки, на мой взгляд, нет ни одного слабого альбома, а их, между прочим, уже выпущено целых одиннадцать. И при этом в разные периоды группа балансировала на стыке разных жанров: black, pagan, viking, progressive/avantgarde. Кому-то нравится начальный викинг-период с Гармом, кому-то космогонные эксперименты с Винтерсоргом в нулевые (включая акустический "Origin" 2006), кому-то – прогрессивные пассажи десятых.
Мой любимый альбом Borknagar был выпущен ровно 25 лет назад – 20 октября 1998 года.
...Подобно драккару на волнах, мощно вкатывается открывашка "Oceans Rise", фирменный гитарный перелив Borknagar, приправленный скримом Вортекса. Но не стоит переживать, большинство партий на этом альбом Симен исполнил своим уникальным баритоном, небольшие скримовые вставки - как щепотка приправы к блюду, не перебивающая его основной вкус. Ритм-секция тоже на высоте. Кстати, этот альбом стал последним, как в группе, так и в жизни, для Эрика Брёдрешифта, более известного как Grim, барабанщика множества норвежских блэк-групп того времени. Именно его вы могли видеть третьим участком на обложке "Pure Holocaust" Immortal, хоть он и не сыграл на этом альбоме ни одной партии (всё записывал сам Abbath). К сожалению, через год он покончил жизнь самоубийством.
Но вернёмся к открывающей композиции - она является своего рода мостом между викинговым прошлым группы, и тем направлением развития Borknagar, которое Эйстейн избрал для себя в новом тысячелетии. Акцентированное гитарное жужжание, акустические переборы, сама тематика - суровые норвежские викинги продираются сквозь буйство стихии. Чтобы уже в следующем треке улететь в космос:
Mountains higher than mind can fly
Oceans deeper than sorrow
A distance of furious dreams
Random fields of tension
Where the sun comes blinding
When the moon goes hiding
Ещё нет всех этих экзистенциальных метафизических штучек в текстах, которые после 2001 принёс в группу Vintersorg, поэтому всю красоту и энергетику Вселенной Брюн передаёт как умеет - метафорически через земные образы. И снова не могу не вернуться к вокалу Вортекса - срывающему, впечатывающему в землю, подобно штормовому ветру. Если на работах Arcturus главенствует, скорее, безуминка его голоса, то работы в Borknagar (особенно на этом альбоме) - это именно мощь и сила стихии. На мой вкус, особенно в "Universal" и "The Witching Hour", но и в остальных композициях он хорош. Характерный для релизов Century Media Records того времени звук создаёт нужный баланс между вокалом и инструментальной частью.
...Отгремели раскаты "Winter Millennium", и музыка стихла. Звук дождя, грома, начинает шептать голос, а фоном звучат загадочные синтезаторные пассажи Ивара Бьорнсона (кстати, не указанного в буклете) - даже спокойная закрывающая композиция демонстрирует нам единение между космическим и земным.
И спустя четверть века "The Archaic Course" кажется идеальным кандидатом для знакомства с творчеством Borknagar. И, пожалуй, их вершиной.
|
| |
|
|
|
|
|
| К началу третьего десятилетия 21 века создавать что-то интересное в тяжёлой музыке стало неимоверно трудно - все основные жанры давно открыты-переоткрыты, между собой мешаны-перемешаны. Кроме того, возможности даже небольших студий звукозаписи вкупе с возросшим качеством аппаратуры позволяют даже за не самые большие бюджеты записывать музыку в таком качестве, которое и не снилось корифеям метал-жанров на заре их появления. А значит в этом конвейере создания музыки на любой вкус ключевым параметром становится качество материала. Необязательно удивлять слушателя, главное, чтобы музыка была гармонична, чтобы она цепляла, чтобы запоминалась даже на фоне сотни схожих собратьев по жанру, чтобы к ней хотелось вернуться и переслушать.
Итальянцы из Genus Ordinis Dei впервые заявили о себе ещё в 2013 году, выпустив дебютник "The Middle" на независимом лейбле, но всерьёз обратили на себя внимание слушателей после релиза "Great Olden Dynasty" – крепкого death-metal релиза с вкраплениями металкора и задатками симфонической части, к полноценной реализации которой они подошли через три года.
В 2020 вышла их последняя полноформатная работа к настоящему моменту, концептуальный альбом под названием "Glare of Deliverance". История происходит в вымышленном итальянском городе 15-16 веков и рассказывает о девушке Элеонор, попадающий в лапы инквизиции под предводительством Чёрного Монаха в страшной маске. Следует отметить, что помимо создания музыкальной части, группа также привлекла операторов, костюмеров и постановщиков и визуализировала свою историю: каждой песне посвящено небольшое (укороченное по сравнению с самой песней в 1,5-2 раза) постановочное видео, показывающее очередную главу истории. В какой-то степени музыканты написали дэт-метал мюзикл. Не берусь оценивать визуальную составляющую, меня работа зацепила прежде всего своей музыкой.
Что отличает "Glare of Deliverance" от схожих альбомов: как правило, решив поиграть с симфоническими примочками, металлисты «забивают» ими всё свободное пространство инструментальной части, делая их основой своей музыки. Здесь же музыкальный каркас именно дэт-металлический, на который Meiz сотоварищи надстраивают симфонические примочки. Да, есть красивые полуакустические переборы. Да, иногда появляется чистое гитарное соло, как в "Judgement" или "Edict". Оркестровые многоголосья, хоры, но всё же каркас – мощный, среднетемповый дэт-метал. За это нельзя не отметить мощную ритм-секцию, за которую отвечали Steven F. Olda (басс) и Richard Meiz (барабаны). К сожалению, оба покинули группу к настоящему моменту, и, учитывая что Meiz был основным композитором и идейным вдохновителем команды, будущие диски группы ожидаю с некоторым опасением… Но вернёмся к обсуждаемому альбому: как отмечал выше, сами гитарные соло достаточно красивы, а в остальном гитары (Tomasso Monticelli и Nicollo Cadregari) не выделяются, но зато органично вплетены в основу инструментального повествования. За вокальные партии отвечает всё тот же Nicollo Cadregari: красивый глубокий гроул, скрим невыдающийся (благо его немного), ну а чистые, с хрипотцой вокальные линии мне вообще напомнили по манере и тембру Heri Joensen из Týr.
В итоге немалая 71 минута пролетает незаметно: казалось, трое лучших охотников за нечистью Черного Монаха ещё только отправились вглубь лесной чащи отловить носящую артефакт Элеонор, а вот уже Хранитель каменного сердца через уста Элеонор насылает проклятие на каждого причастного к чудовищным расправам в городе перед тем, как душа девушки покинет тело, истлевающее в огне костра инквизиции. Притягательность музыки заставляют слушать эту работу раз за разом, открывая новые грани творения итальянских музыкантов.
P. S. Каким-то таким, полагаю, должен был быть альбом "In Sorti Diaboli" коллег из смежного жанра. Но Dimmu Borgir были на пороге очередных дрязг и пертурбаций состава, а потому альбом 2007 вышел в достаточно серых тонах (как "Трудно быть богом" Германа-старшего). Ну а заявленная тема была представлена в ярком обрамлении только спустя 13 лет, выйдя из-под кисти итальянских мастеров.
|
| |
|
|
|
|
|
| Безусловно, на наше восприятие того или иного произведения влияет возраст, обстоятельства ознакомления и прочие факторы. Четверть века назад вышел дебютник Empyrium «A Wintersunset...». А я его услышал аккурат 15 лет назад, прогуливаясь в зимнем лесу. Наивный альбом, дебютный для, кстати, не только группы, но и лейбла Prophecy Productions. Немного «пластмассовое» звучание инструментов, жуткий английский акцент Маркуса Стока. От альбома к альбому шло развитие группы, от блэковой основы к акустическому фолку с привлечением симфонических групп, но, несмотря на то, что я слушал все альбомы Empyrium, самым любимым для меня так и остался дебютник. Потому что он обладает какой-то особой аурой очаровательной юношеской непосредственности (Маркусу было всего 17 лет), вкупе с достаточно зрелой атмосферой зимней меланхолии. Можно описывать различные музыкальные строки альбома, но цельно он похож на рассказы Пришвина:
«…Ночь прошла под большой чистой луной, и к утру лег первый мороз. Всё было седое, но лужи не замерзали. Когда явилось солнце и разогрело, то деревья и травы обдались такой сильной росой, такими светящимися узорами глянули из темного леса ветки елей, что на эту отделку не хватило бы алмазов всей нашей земли. Особенно хороша была сверкающая сверху донизу королева — сосна…»
«…Вот полянка, где между двумя ручьями я недавно белые грибы собирал. Теперь она вся белая: каждый пень накрыт белой скатертью, и даже красная рябина морозом напудрена. Большой и спокойный ручей замерз, а маленький быстрик все еще бьется…»
«…Снежная пороша. В лесу очень тихо и так тепло, что только вот не тает. Деревья окружены снегом, ели повесили громадные тяжелые лапы, березы склонились и некоторые даже согнулись макушками до самой земли и стали кружевными арками. Так вот и у деревьев, как у людей: ни одна елка не склонится ни под какой тяжестью, разве что сломится, а береза чуть что — и склоняется. Ель царствует со своей верхней мутовкой, а береза плачет. В лесной снежной тишине фигуры из снега стали так выразительны, что странно становится: «Отчего, — думаешь, — они ничего не скажут друг другу, разве только меня заметили и стесняются?» И когда полетел снег, то казалось, будто слышишь шепот снежинок, как разговор между странными фигурами…»
«…Среди дня солнце значительно пригревало, ветерок покачивал ветки деревьев, и оттого падали фигурки, рассыпались в воздухе пылью, и эта мельчайшая пыль снова взлетала и сверкала на солнце искорками. Верхняя мутовка высокой ели, как ваза, собирала внутрь себя снег больше, больше, пока, наконец, этот ком не скрыл в себе даже тот высокий палец ели, на который весенней порой на вечерней заре садится птичка-невеличка и поет свою песенку…»
«…Небо чистое. Восход роскошный в тишине. Мороз минус 12. Трубач по белой тропе гонит одним чутьем. Весь день в лесу был золотой, а вечером заря горела в полнеба. Это была северная заря, вся малиново-блестящая, как в елочных игрушках бывало, в бонбоньерках с выстрелом, особая прозрачная бумага, через которую посмотришь на свет, и всё бывает окрашено в какой-нибудь вишневый цвет. Однако на живом небе было не одно только красное: посредине шла густо-синяя стрельчатая полоса, ложась на красном, как дирижабль, а по краям разные прослойки тончайших оттенков, дополнительных к основным цветам. Полный расцвет зари продолжался какие-нибудь четверть часа. Молодой месяц стоял против красного на голубом, будто он увидел это в первый раз и удивился…»
Альбом – ода любви красоте зимы. Одна из лучших в музыке.
|
| |
|
|
|
|
|
| В мае 2018 года Power Tale объявили о краудфандинговом сборе на запись нового альбома. Жанровая принадлежность, как и литературная основа оставались прежними – метал-опера «Огненный Бог Марранов» по мотивам одноимённой сказки Волкова. Сбор средств был успешно завершён уже в октябре 2018 и группа приступила к записи одного из самых длинных альбомов в истории тяжёлой музыки на просторах СНГ.
Театр, как известно, начинается с вешалки. Ну а знакомство с оперой – с изучения либретто, устанавливающего законы мира произведения и дающего основное понимание сюжетных ходов. И вот здесь кроется показательный момент, указывающий насколько Станислав Осычнюк и его друзья скрупулёзно подошли к своему творению. Есть обычное краткое либретто, присутствующее в каждой опере – кто, куда, зачем пошёл и что наделал. Всё, что глубже – через музыкальный материал и возможности воображения слушателя. Power Tale поступили уникально – вместе с музыкальным диском идёт повесть Сергея Непокупного «Огненный Бог Марранов». Это не краткое переложение сказки Волкова, тем более что по объёму они ещё могут поспорить друг с другом. Нет, это именно литературное произведение, с законами мира Power Tale, раскрывающего характеры героев и сюжетные перипетии. И я настоятельное рекомендую каждому слушателю сначала прочитать повесть – она написана хорошим языком, читается легко. Ну и главное, она даёт ответы на многие вопросы, делает всех персонажей более яркими, многогранными. Наконец, кульминационный момент оперы, итоговую битву всех против всех. На мой взгляд, причина этой битвы, почему не только марраны, но мигуны с жевунами ринулись убивать друг друга, является одним из основных посылов авторов оперы. И раскрывается он только в полной версии либретто ОБМ Power Tale.
С чего же стартует метал-опера? Разумеется, с симфонического инструментала. Конечно, сейчас самые захудалые команды подписывают людей, которые пишут им оркестровки-открывашки, правда, дальнейшее качество материала сразу чётко проводит границу между призванными варягами-профессионалами и слабыми членами групп. В случае Power Tale всё в порядке: «Увертюра» сразу настраивает на сказочно-волшебный мир, тревожными нотами дарит ощущение, что предстоит наинтереснейшее полуторачасовое путешествие.
«…судьба так редко даёт второй шанс.
Возьми что можешь, сегодня, сейчас!
Открой ей двери, и ты на коне –
Пусть мир услышит опять обо мне!..»
Сюжет удачно даёт возможность вступить в игру первыми одним из лучших героев прошлых частей – дуэт Урфина Джюса в исполнении Анатолия Щедрова и Карфакса в исполнении Дмитрия Ленковского. И дальнейший постепенный ввод персонажей, вплоть до Железного Дровосека в последней трети оперы, позволяет гармонично наслаждаться ролью каждого из них. Нет таких, кто исполнил несколько строчек в одной из песен, и далее не появляется в сюжете. Каждый из героев получил своё яркое воплощение усилиями вокалистов. Кстати, отмечу – не знаю, читали ли Power Tale отзывы на свою прошлую оперу, где одной из основных претензий (и моей в том числе) была схожесть голосов персонажей, но в любом случае этой проблемы больше нет. Несмотря на то, что персонажей больше десяти, и лишь один из них женский (хорошо, с учётом Танжери, два), в этот раз каждый обладает достаточно уникальным тембром, поэтому за весь час сорок прослушивания мне не понадобилось либретто, чтобы определить кто из персонажей исполняет свою роль.
Структурно опера построена очень комфортно для слушателя – как сюжетно, так и музыкально. Темп периодически меняется, мощные боевики сменяются среднетемповыми кусками, героические запевы – лирическими отступлениями. Никакого однообразия. В УДиЕДС мне практически не запомнилась гитарная работа – нет, исполнено было профессионально, но каких-то ярких моментов, «вау-эффектов» не хватало. В ОБМ с этим всё в порядке, начиная от ритм-секции, и заканчивая красивыми соло в каждой песне. Как водится, кульминация наступает тринадцатиминутном эпике «Сталь и Кровь». Как сюжетная, так и музыкальная. Очень редко, когда первым в душу среди всех треков западает столь длинная и сложная композиция, но именно так и происходит в ОБМ. Соло Щедрова «Памяти» - как шестиминутная пауза для осмысления произошедшего, а лирический «Гимн Свободы» в исполнении Побужанской – как мост, по которому с переполненной сумкой впечатлений можно вернутся в наш реальный мир.
Я бы мог остановится и выразить восхищение подробно каждой песне – но тогда размер моего отзыва вырастит до размеров либретто Непокупного :)
Наконец, звучание – ещё на EP «Семь Подземных Королей» было слышно, что Power Tale идёт к утяжелению звука. Конечный результат на ОБМ восхитителен. «Жирненько», «сочно» никакой «плоскости звука», «забиванию» одних дорожек других. Идеальный звук для жанра.
Подводя итог, чаще всего музыкальным шедевром признаётся какой-нибудь альбом, открывший новые течения, привнёсший новые веяния в музыку, изменивший жанр. Однако, на мой взгляд, шедевром может стать и творение, выполненное по всем канонам. Талант музыкантов, помноженный на скрупулёзную, профессиональную работу – и вот мы имеем прекрасный альбом, ювелирности которого позавидуют корифеи жанра.
Поэтому моя оценка – 10/10. Уверен, творение Power Tale будем переслушивать с огромным удовольствием спустя многие годы и мы, и следующие поколения слушателей.
|
| |
|
|
|
|
|
| Сингл, выпущенный до выпуска альбома, как правило, служит рекламой предстоящего материала. Что же мы слышим на новом творении Омелы? Альбом будет другой. "Viscum Album" получил очень тёплый приём, как среди музыкальных критиков, так и среди простых слушателей. Многие, я в том числе, считают Омелу неким уникальным явлением на отечественной тяжёлой сцене. И оттого вдвойне приятно, что музыканты не стали останавливаться на достигнутом, эксплуатировать полученный высокий результат, а продолжают свои поиски и исследования. Первый альбом был больше, как мне кажется, сольным проектом Сергея Абрамова – как известно, проект «Омела» он вынашивал ещё с 1993 года, и "Viscum Album" стал результатом этих поисков Сергея. Новый же альбом станет уже полностью результатом деятельности группы Омела. На первом альбоме группы вся инструментальная часть служила как бы помощником прекрасному вокалу Абрея, несмотря на отдельные чудесные фрагменты, выполняла роль вспомогательную. На втором альбоме у всех теперь равные роли (безусловно, Сергей при этом остаётся главным вдохновителем). Это и отразилось в сведении – теперь вокал не выдвинут вперёд, более сочно звучит гитара (влияние нового гитариста ощущается в каждой песне), вся инструментальная часть стала более насыщенной. И ещё, как мне кажется, новый альбом явит нам Светлую Омелу, тогда как на первом альбоме она была Тёмная. Не в отрицательном смысле, день и ночь – это два полярных состояния, и ничто из них не является плохим – каждое чудесно по-своему. Так и здесь. Атмосферой первого альбома был грусть, в нём мы покидали различные миры, новые же были лишь приоткрыты, их очертания скрыты дымкой. Атмосфера второго – улыбка открытию новых. Дымка развеялась. Это, конечно, моё субъективное восприятие. Но думаю, каждый знакомый с творчеством группы отметит, что новые композиции в большей степени насыщены Светом.
Все три песни хороши, но заглавная тема – это такое же откровение, как «Дыхание Зимы» или «Половодье», уверен, она станет одной из центральных тем нового альбома.
Признаться, я не ожидал, что после шедевра 2009 года музыканты явят нам так быстро новые творения, по качеству не уступающие "Viscum Album". Как я уже говорил, сингл должен нести в себе рекламную, анонсирующую составляющую – и полагаю, что он с ней справился на все 100 процентов. Он не только заставит сердца поклонников биться чаще в ожидании релиза, но и понравится незнакомым с творчеством группы, и даже заинтересует тех, кого по каким-либо причинам не понравилось содержание либо атмосфера первого альбома.
Не ставлю 10 лишь потому, что это сингл – жду с нетерпением альбома!
|
| |
|
|
|
|
|
| Восемь лет… восемь лет это очень большой промежуток между альбомами одной группы. Но если этот релиз шедевр, гениальное творение, но что такое несколько лет перед вечностью?
Альбом для меня разделен как бы на две части. Первую открывает «Birth of the Three (The Unification)», повествующая о трех основных (ну, надо понимать, для участников группы, ибо лично мне кажется основных, как минимум, пять) религиях мира, коих олицетворяют Змея, Орел и Лев. Песня увлекает в путешествие сразу, как только слышаться какие-то восточные запевы, OL дают понять – эти три могучих существа сойдутся здесь, на Ближнем Востоке…
…Многие ругали Коби за не очень выразительный чистый вокал на предыдущих альбомах, нарекания к нему раньше были и у меня. Но здесь его голос просто восхитителен! С первых же слов «The first was known as magic and he bore an enchanted heart…» ты подчиняешься этому Зову Востока, и затаив дыхание, слушаешь притчи о древности… В «Ocean Land (The Revelation)» я бы прежде всего отметил первое «соло стихии», предупреждения Бога людям: «The rain will fall then, Filling the dried land…»
«The Kiss оf Babylon (The Sins)», одна из лучших песен группы вообще, и на альбоме в частности, очень здорово параллельно звучат игра музыкантов Orphaned Land и вокалистки вместе с ближневосточными инструментами и запевами…
«Son slaying father
A Cain's mark upon us all
Babylon's rising, cast from heaven
We see the angels fall
When will the heavens be alight
The seasons will re-unite…»
Постепенно музыка стихает, и звучит песня-молитва. Затем к мольбам Шаломит Леви добавляются очередные ближневосточные инструменты. Но вот они резко стихают, и повествователь продолжает: «Vaishachet ha'aretz lifney habore, vetimla ha'aretz chamas…»
[Translation:]
"The land was corrupt before God,
and the land was filled with violence")
«В гневе Бога (Halo Dies (The Wrath Of God)», как и в последущей «A Call to Awake», мы снова путешествуем по древнему миру, в жесткий риффинг сменяет красивые соло, чистый голос Коби его же гроул, хоры и этнические песнопения. На этом и завершается первая часть альбома.
Про следующий номер «Building the Ark» хочется сказать отдельно. В составе альбома это живая картинка медленной степенной постройки ковчега… Но когда я впервые услышал эту песню, я еще не знал, что это за группа, и о чем в ней повествуется. Но эта мелодия меня сразу влюбила в себя. Просто закрываешь глаза, и вот ты в сотнях километрах и годах от окружающего мира… Все красоты восточного мира открываются тебе – караваны всадников на верблюдах и прекрасные танцовщицы, таинственные глаза незнакомок под хиджабами и суровые арабские воины, маленькие постройки бедняков и роскошные потрясающие воображение дворцы султанов, кричащие, торгующиеся купцы и слагающие свои повествования поэты…
Но вернемся к Orphaned Land. Ковчег построен, и вот уже настала пора очутиться в нем… «Norra El Norra (Entering the Ark)». Единственная песня на альбоме, целиком исполненная не на английском языке, и я бы сказал, самая позитивная. На нее, кстати, снят неплохой клип, но отношения к данному повествованию о Великом Потопе не имеющий… наступает затишье перед бурей («The Calm Before the Flood»), очень красивый акустический инструментал. Но вот тревожно звучит скрипка, слышен шум дождя – и вот Великая Буря медленно приближается к нам… Я не знаю, как задумывалось музыкантами. Судя по тексту, «Mabool (The Flood)» должна была стать центральной композицией альбома, повествуя нам об ужасе Великого Потопа… Но, на мой вкус, получилось иначе – «Mabool» лишь предвестник бури, лишь нас охватывающий страх при виде приближающейся стихии…но вот звучит «The Storm Still Rages Inside», центральной, лучшей темы альбома…буря захватывает, пытается смять наш ковчег, но он летит, летит в неизвестность сквозь потоки воды…
«And so the ark swept
upon the rising water...»
И звучит самое красивое соло альбома…Гениальное соло… Это соло – красота стихии, тот священный ужас, но в то же время неописуемое восхищение перед Силой, рядом с которой человек кажется таким маленьким и ничтожным... но вот снова идет гитарная линия, что открывала эту песню, и отрешенный голос продолжает повествование: «40 дней, и 40 ночей бушевал Великий Потоп по земле, где когда то были зеленые пастбища, изобилующие жизнью, теперь был Океан, шире любой бездны…».
Трагичный, но прекрасный голос оплакивает Землю, свое осиротевшее дитя:
«Out of depths of sorrow I cry
Before thee I lie
If this world shall inherit the mild
Hear your orphaned child...»
КАК же Коби исполнил этот плач!.. Нет, это не рыдания и страдания обычного человека, в очередной раз разочаровавшегося в любви или потерпевшего неудачу на работе…Это непередаваемый плач души, страдающий при виде руин цветущего, прекрасного когда-то мира…Бог преподнес жестокий урок людям... Но, к сожалению, чем дальше, тем больше люди забывают страшный урок прошлого… И тогда Бог наделяет талантом шестерых израильских музыкантов, чтобы они написали сове прекрасное творение, под другим углом напомнили человечеству об уроке прошлого…
Завершает альбом еще один инструментал – «Rainbow (The Resurrection)», три минуты нам дается, чтобы придти в себя, и пение птиц под конец дает нам надежду. Что человек снова выживет и построит новый прекрасный мир…
Наверное, в этой рецензии слишком много эмоций, но этот прекрасный альбом израильтян действительно перевернул мое представление о музыке в целом, и тяжелой в частности… Тем не менее, отбросив их, я все же считаю, что у любого любителя хорошей музыки (не обязательно тяжелой) этот диск должен быть в коллекции.
|
| |
|
|
|
|
|
| «Я» - скромно назвал свой проект Аббат и с другими северными товарищами выдал замечательный альбом в стиле «трунорвежский хэви-метал».
Итак, в начале года я таки приобрел диск, и ни капли не пожалел об этом!! Хэви-метал с блэковым жужжанием и одним из моих любимых скримовых вокалистов - это здорово!!! Собственно, касаемо лирики - тот же Иммортал (ибо тот же автор), да и в целом - те же величественные гимны, только немного на другой музыкальной основе. Ни одной слабой, проходной песни не обнаружено. Вообще, этот диск можно посоветовать всем тем, кто не может пока воспринять настоящий, чистый блэк. Потому что атмосферу Аббат в очередной раз создал подобающую, даже от хэви здесь веет стужей и мраком… Каждая песня – со своим собственным лицом, и с очень красивыми соло – лучшее, безусловно, в "Mountains". Диск, кстати, содержит два бонуса (а точнее даже три, между ними идет почему то нигде не упомянутая инструментальная композиция). И первый из них - "Bridges Of Fire" – лучший из боевиков (если здесь конечно допустима такая классификация) на альбоме!!! Местами я как бы возвращался в «Сердце Зимы»…
Ну и наконец любимая вещь - "Far Beyond The Quiet", которая чем то напомнила "Beyond The Northern Waves", но сей опус I понравился гораздо больше. По мне – так эту вещь можно ставить на второе место после незабвенной "Blashyrkh" в коллекции Аббатовских эпических композиций… При ее прослушивании в воображении всплывает наиболее четкая «картинка»…
Итого – наряду с Исановским сольником – лучший альбом 2006 года.
P.S. Аббат вроде как собрался возрождать Immortal (официально пока только для концертов), но лучше, на мой взгляд, пусть бессмертными останутся их альбомы в наших сердцах, а автору лучше развивать идеи I.
|
| |
|
|
|
![[]](/img/user-center-pan1.jpg){kind=small}
Alice Malign
