Живым классикам хард-рока уже столько лет, что давно даже самые верные поклонники от них ничего не ждали. Эмоция «спасибо, что еще живы, отцы» стала доминирующей с конца прошлого тысячелетия. Кажется, последний действительно бодрый рок-альбом они выпустили двадцать один год тому назад, и это был "Bananas". После, группа с каждой новой работой все больше погрязала в прогрессивных наворотах и тотальной меланхолии, от чего “Вжык!» 2020 года напоминал уже какую-то «музыку для медитации» записанную по недоразумению хард-роковым составом.
Хорошие песни за это время у Deep Purple, конечно, случались, (мне, внезапно, нравится "Johnny's Band"), но звучали они все меньше “по-перпловски».

Ушедшего, по причине семейной трагедии гитариста Стива Морса, (кажется и ответственного за крен позднего Deep Purple в прого-джазо-фьюженовые дебри), заменил некто Саймон МакБрайд. Этот 45-летний (юный он, только на фоне готовящихся разменять девятый десяток своей жизни, ветеранов), музыкант успел переиграть в разных стилях, от кондового NWOBHM до соула. В обширный "Пурпуный клан" МакБрайн входил несколько лет, успев сыграть на отличном сольнике Дона Эйри, и отыграв несколько туров с ним. Реакция публики на появление Саймона в составе Deep Purple была необычайно позитивной. Стоило МакБрайду отыграть первый концерт с группой, его мигом полюбили. Комментарии на Ю-тубе на всех языках, от английского до хинди, сводились в основном к восторгам насчет того, что у Deep Purple НАКОНЕЦ-ТО появился подходящий гитарист, который знает, как надо рубануть рокешника.
(Из чего можно сделать неполиткорректный вывод, что Морс достал своими экзерциссами больше людей, чем об этом принято говорить). Да что говорить, лично я поймал себя на мысли, что wannabe Deep Purple – бывшая кавер-группа "Purpendicular", с которыми успели посотрудничать все инструменталисты Mark VIII, звучат круче оригинала. В общем, все поколения фанатов Темного Пурпура уселись напряженно ждать, что же дедушки смогут записать, после вливания свежей ирландской крови.

Все оказалось даже лучше, чем ожидалось.
Комментарии в духе «лучший альбом со времен …» (дальше каждый ставит потребное ему, от "Battle Rages On" и "Perfect Strangers" и едва ли не до "Machine Head") можно назвать преувеличенными, но то, что это лучшая работа минимум за четверть века, я совершенно согласен. Конечно, музыканты не сбросили полсотни лет и второго "In Rock" не записали. Вальяжный, расслабленный настрой сохранился в части композиций. Но вернулся и драйв, энергия, азарт. Впервые за долгое время Purple стали не только «плести кружево», и ощутимо «рубить» и «греметь».
Что до стилистики альбома, он вышел достаточно эклектичным, вобрав в себя все шесть десятилетий Deep Purple.
Музыканты уложились с тринадцатью композициями на пятьдесят минут с небольшим, и при этом обошлись без филеров. Конечно, не каждая песня годится для очередной сборки The Best of Deep Purple, но скучать не придется вообще.

Если столь впечатлившие публику синглы "Portable Door" и "Lazy Sod" в самом деле, звучат как вещи, сочиненные для "Machine Head", то вкрадчивая открывашка как будто залетела с альбома "Purpendilar". Самое интересное, что диск идет по нарастающей. По первой композиции "Show Me" можно было бы заподозрить, что перед нами будет продолжение «курса Морса». Следующая за ней "A bit on the Side" оказывается боевитее и энергичнее, и в музыку откуда-то из времен расцвета группы вернулись пресловутые “гитарно-клавишные дуэли», причем клавишные Эйри звучат весьма сочно и временами едва ли не суровее гитары. Зато "Sharp Shooter" стартует с тяжеленного гитарного рифа, напоминающего "Into the Fire", да и в целом оказывается вещью тяжелой и мрачноватой. Мгновенно запоминающаяся "Portable Door" откровенно подражает классике самих же Purple – "Pictures of Home", но думается, музыканты с таким творческим багажом имеют право на легкие самоцитаты. Зато в ней снова возникает «журчащий» и агрессивный звук органа, за что Purple отдельное спасибо. Рок-н-ролльная "Old-Fanled Thing" достойно продолжает альбом. Потом можно отдохнуть на расслабленной блюзовой "If i were you", которая может быть и не "Blind Man Cries", но доказывает, что медляки Deep Purple писать не разучились. В основе лежит блюз, но блюз в прог-хардовом преломлении, а не занудно-попсовом. "Pictures of you" опять демонстрирует прогрессивную сторону группы, тут много гитары, интересно развивающаяся мелодия, и мгновенно узнаваемые саркастичные смешки Гиллана.

Певец, которому на днях исполняется 79, вообще предстает в удивительно хорошей форме, и при этом явного автотюна и обработки услышать не получается. Если не знать, сколько ему лет, специально не выискивать признаки дряхлости, и не сравнивать с самим же Гилланом 1970-1983, то к пению вообще не придраться. Фирменный тембр все еще на месте, а что «не вытягивает классику», так это уж, извините. На очередном полублюзе "I saying nothing" Гиллан в паре мест выдает даже легендарные наждачные скриминги. "Lazy Sod" уже стала главным хитом группы за черте сколько лет, все в ней вызывает в памяти эпоху 1970-73. Настоящий «перпловский боевик» с тяжелыми гитарными рифами, заковыристыми органными соло и легко ложащейся на слух вокальной мелодией. "Now You are talking" – полновесный боевик, на рок-н-ролльной закваске, даже с порывами вокалиста скримануть как лучшие годы. "No money to Burn" несколько более тягучая и медлительная, но не менее тяжелая композиция, с грозно порыкивающей гитарой и завернутыми соляками. "I”ll catch you" – просто очень красивая баллада. Венчает альбом "Bleeding Obvious", сочетающий все три ипостати Purple – тяжелую, прогрессивную и лирическую. Мелодичное вступление обращается в достаточно агрессивные и жесткие эпизоды, за которыми следуют квази-восточные навороты. Песня всего на шесть минут, но ее можно назвать и эпиком.

Если "=1" (худшее название в истории рока, наверное) станет последней работой Deep Purple, это прекрасный способ попрощаться со сценой. А если в свои «золотые годы» Гиллан, Гловер, Пейс и Эйри решат записать что-то еще, это можно только приветствовать. Несмотря на возраст и все известные проблемы со здоровьем, музыканты демонстрируют потрясающую творческую форму, и если живьем не равным себе сорокалетней давности, то в щадящих студийных условиях все еще способны выдавать редкий драйв.

Мастерство инструменталистов находится где-то за пределами критики, но это никогда не было для Deep Purple самоцелью. Гиллан же звучит более чем достойно. Харизма все еще при нем, а что до количества октав… Музыка все-таки не спорт, где главное «выше, быстрее, сильнее», в музыке важны другие качества. Талант, знаете ли.
Намеренно не заостряю внимание на новом гитаристе. Вписался он в команду идеально. Играет много мощнее, суровее, rockовее предшественника, но и изысканно тоже умеет. Как это заведено в стане Deep Purple авторами песен значатся все музыканты группы, а так же продюсер Боб Эзрин. Поэтому не стоит спекулировать на тему того, какую роль сыграл МакБрайд в создании материала. Но в том, что его приход пошел команде на пользу – нет сомнений.
В целом однозначно рекомендую диск не только фанатам Deep Purple, но и любителям хард-рока вообще.
Возраст и заслуги на этом живом, драйвовом диске не довлеют над творческой энергией.

Mike Barlow  14 авг 2024

В рецензии на саббатовский "Born Again" я упоминал пресловутый «синдром утенка». Который существует, но совершенно не всемогущ.
Однако относительно «Баланса» я предвзят и горжусь этим. Когда-то кассета с этими песнями (уже не переписанная на деке, а типа «фирмовая» с обложкой на лицевой стороне и текстами на развороте!) поселилась в моем магнитофоне. И жила там, да не просто жила, а играла иной раз по нескольку дней подряд, и так пока не утратила рабочие свойства. В качестве носителя её успешно заменил компакт.
Опять же, юный возраст (кассетой я разжился в том самом 1995, в свои 15 лет…) мне сам по себе не кажется причиной такой любви в этому альбому. Мало ли что доводилось слушать в отрочестве, что не сохранилось в памяти и не окрасилось даже какими-то ностальгическими красками.
Наряду с "Sea of Light", прекрасным камбэком Uriah Heep, ванхаленовский "Balance", по моему субъективному мнению, входит в шорт-лист лучших альбомов классического хард-рока, выпущенных в девяностые годы.
Во время повальной гранжевой моды Эдди и компания выпустили диск, расположившийся вне времени. Нет, в здешних песнях отчетливо слышно, что записаны они не десятью годами раньше. По счастью, Van Halen отказались не только от аляповатой моды «времен блестящей кожи». Ну да, маечки с бахромой и лосины сменились нарочито растянутыми свитерами, а волос на головах музыкантов осталось ровно столько, чтобы обозначить, что перед публикой личности творческие, а не слесаря. Только это не главное. Главное, что они ушли от специфического клавишного саунда, от ориентированного на дешевые радиоприемники сведения и общей синтетичности химзавивочной эпохи.
Перед нами могучий, по-другому не скажешь, хард, к которому не применимы дефиниции типа «мелодичный», «блюзовый» или «прогрессивный». Всё это в музыке VH, конечно, присутствует. Как и многое другое. Влияние легендарных британцев Led Zeppelin, которые когда-то были любимой группой Эдди, здесь едва ли не впервые по-настоящему слышно. Невеселые, тягучие, интровертные номера, построенные на основе белого блюза - кто приходит на ум? Но Хэгар настолько не Плант, что эти соображения всплывают далеко не сразу. Всё-таки вокалист это лицо группы, даже если её лидер совсем другой участник.
Работе над альбомом предшествовало важное событие в жизни Эдди. С отрочества ведший вполне "рок-н-ролльный" образ жизни в стиле Лемми, Эдди решил всё-таки завязать. Как и все его коллеги в этой ситуации, он переживал на счет того, будет ли трезвый в состоянии творить на прежнем уровне. Практика показала, что трезвый Эдди Ван Хален не уступает себе пьяному.
Но хотя сама по себе трезвость полезна для здоровья, для психики алкоголика это тяжкое испытание. Собственно, срываться Эдди будет неоднократно. Трезвый Эдди Ван Хален был мрачен, зол и вообще не в своей тарелке. И создавался "Balance" в раздрае, в постоянных конфликтах между братьями Ван Хален и Хэгаром. Алекс хотя и завязал с веществами на десятилетие раньше, тоже был не в форме - у него были проблемы со слухом, он боялся вообще остаться вне игры. Где-то здесь, наверное, и залегла трещина между основателями коллектива и харизматичным певцом, который всегда был немного "приглашенной звездой". (Впрочем, последним в составе Van Halen альбом "Balance" оказался не только для амбициозного Сэмми, но и для всегда державшегося в тени басиста Майкла Энтони.)
Быть может, душевное состояние и не лучшая обстановка в группе повлияли на материал. Потому что "Balance", при всей своей энергетике, абсолютно лишен развлекательности и "угара", выдержан преимущественно в медленном темпе и минорном ключе. Несомненно, перед нами самый мрачный, атмосферный и задумчивый альбом Van Halen.
Хэгар, которому и тогда уже было под пятьдесят, предстает в великолепной вокальной форме. Его выразительный голос, способный и на околометаллические вопли-визги, и на лирические песнопения, и на блюзовую песочную хрипотцу, такое же оружие группы, как мастерство инструменталистов. Диск прекрасно записан. Про гитары все всё знают. Но и барабаны, роль которых казуальному слушателю часто вообще не очевидна, звучат так, что даже не имеющий отношения к искусству двух палочек слушатель вроде меня не просто слышит их, но и обращает внимание на ударные партии!
Стартует "Balance" с размашистой, украшенной грозными хоровыми запевами в исполнении неких The Monks of Gyuto Tantric University, и как всегда, превосходной гитарной работой лидера группы, композиции "The Seventh Seal".
Следом идет чуть расслабленная, задушевная "Сan’t Stop Lovin' You", посвященная вечной теме баллад – расставанию. Правда, в основе не просто лирический штамп, а реальная история развода, который тогда переживал вокалист. Это стопроцентный радио-хит, пригодный и для махания зажигалками в толпе, и для «наиграть на гитарке у костра». Продюсер альбома Брюс Фэйрбирн требовал от мастермайнда группы попсово звучащую песню, и Эдди справился с заданием, но талант и чувство меры не дали создать некий сладенький сироп. В конечном итоге Фэйрбирн был прав, "Сan’t Stop Lovin' You" стала последней композицией Van Halen, попавшей в общенациональный Top-30.
Коммерческий успех не всегда говорит о качестве музыки, но о любви публики говорит красноречиво. Хоть песенный хит был лишь один, сам альбом возглавил американский хит-парад и успешно продался в количестве трех миллионов экземпляров.
К балладам можно отнести идущую следом "Don't Tell Me (What Love Can Do)", но это песня много более тяжеловесная и мрачная.
Посвященный родному для братьев Ван Хален городу "Amsterdam" – мощный номер, выдержанный в среднем темпе.
Далее идет разогнанный и утяжеленный до металлических кондиций «традиционный рок-н-ролл» "Big Fat Money", под который можно уже, наконец-то, и потрястись.
Короткий атмосферный инструментал "Strung Out" плавно переходит в балладную "Not Enough".
Следом идет более угрюмая и боевая "Aftershock".
После чего начинается связка из двух инструменталов - не самое очевидное решение для хард-рокового альбома в 1995 году, но у Ван Халена получилось. Если "Doin' Time" представляет, по сути, барабанное соло, то композиция с неудобопроизносимым названием "Baluchitherium" построена на роскошных гитарных соло лидера группы. Роль Эдди как гитарного гуру, открывшего новые горизонты для последующих поколений гитаристов, пусть будет уделом обсуждений в среде музыкантов. Фанату "с улицы" важнее, что его соляки не представляют тут "технику ради техники", а именно ведут выразительные мелодии.
"Take Me Back (Deja Vu)" - вновь медленная вещь с вокалом, и вновь пение Сэмми очень выразительно и прочувствованно.
Под занавес идет "Feelin", шести-с-лишним-минутный атмосферный номер, представляющий собой разросшийся до размеров эпоса блюз, явно вдохновленный Led Zeppelin.
Осталось лишь с грустью добавить, что несмотря на творческую состоятельность и грандиозный финансовый успех, "Balance" оказался последней работой для состава Ван Халены-Хэгар-Энтони. Ну что ж, уходить надо на высокой ноте.
Лучший ли это альбом Van Halen?
С моей точки зрения - да.

Mike Barlow   8 дек 2023

После пары лет скандалов, препирательств, взаимных обвинений и тому подобных малоприятных событий, Оззи Осборн всё-таки покинул Black Sabbath, напоследок записав один из самых слабых альбомов группы - "Never Say Die".
Оззи еще что-то пробовал напеть на новом, находившемся в процессе сочинения материале, но у него совсем уж ничего не получалось. По слухам, это было то, что впоследствии превратилось в заглавный эпос "Heaven and Hell".
Тогда-то зловещая Круэлла Де Виль от мира менеджмента, еще-не-жена Оззи Шэрон Арден посоветовала взять на место её малахольного хахаля отставного вокалиста Rainbow - Ронни Джеймса Дио.
Дио не походил на предшественника ровно настолько, насколько это возможно. Начать с того, что мощный, красивый, классически поставленный (детская влюбленность в оперу и многочасовые занятия академической музыкой - правда, по классу духовых инструментов) голос Ронни был максимально далек от диковатой манеры Оззи.
А еще Дио был несколькими годами старше музыкантов своей новой команды, и вообще являл собой отчасти “сына маминой подруги”. Не склонный к бешеному “рок-н-ролльному” образу жизни, уверенный, знающий себе цену взрослый человек, компетентный, хоть и не выдающийся инструменталист, продюсер, опытный автор текстов и композитор. К своим без малого сорока годам Дио успел поучаствовать в создании величайших работ в истории хард-рока. Имелись у Ронни и недостатки, которые, согласно расхожей мудрости, продолжение наших достоинств. Жадность на деньги, диктаторские замашки, перфекционизм...
В общем, есть старинная мудрость, гласящая, что не стоит обращать внимание на всё, что сказано до слова “но”.
Каким бы клевым не был Ронни, он был человеком, который меньше всего подходил на роль “нового вокалиста Black Sabbath”. Дио это вам не Оззи, который пел по готовым риффам (иногда даже без нормального текста) простые вокальные “рыбы” со словами, взятыми с упаковки молока. То, что Ронни пел “поперек риффа”, это полбеды. Он еще и сочинял красивые, образные тексты, тяготевшие к пафосному фэнтези с некоей метафорической нагрузкой.
Странно как он вообще сработался с Саббат, где уволенный Оззи был, честно говоря, не единственным торчком и раззвездяем. Тем не менее Айомми, Батлер и Уорд приняли нового вокалиста. После ухода Осборна группу вообще сильно тряхнуло, на время уходил даже Батлер, который, правда, затем одумался и вернулся. В записи также принимал участие “запасной” Sabbath'овец Джеофф Николс, лидер прото-думеров Quartz. Сначала он должен был играть на басу, но в итоге остался клавишником.
"А как же те прекрасные пластинки, которые Ронни записал в составе группы?!" - возопит на этом месте читатель, буде он еще жив и способен следить за извивом моей мысли.
Альбом прекрасен, спору нет.
"Heaven and Hell" звучит мощно, ярко и отчетливо. Позади не только нарочитая лоу-файность ранних работ, но и витиеватость, эклектичность позднейших дисков, записанных с Оззи. Мартин Берч, один из знаковых продюсеров жанра, уже сотрудничал с Дио во времена Rainbow и нарулил нестареющий саунд такой классики, как "Rainbow Rising" и "Long Live Rock 'n' Roll".
Не подвел он и в этот раз. Перед нами хард-рок столь драйвовый и энергичный, что если бы не местами прощупывающаяся под всей этой тяжестью буги-блюзовая основа, то его уже можно было бы назвать истинным хэви-металом. Вообще, мастерство трио Айомми-Батлер-Уорд не подлежит ни малейшему сомнению. Но в этот раз новый продюсер и материал не дают им разгуляться, никакой “виртуозности ради виртуозности”. Гитарные соло красивы, барабаны и бас дают точную поддержку и нешуточную тяжесть, клавиши добавляют ярких красок. Но никаких закольцованных инструментальных эпизодов, под которые положено “зависать”. Только песни, только хиты!
"Neon Knights", построенная вокруг грохочущего гитарного риффа, врывается на большой скорости, и как говорится, пленных не берет. Мощный голос Ронни, находившегося едва ли на пике своих физических возможностей, захватывает внимание сразу же.
Торжественная, без нарочитой “неоклассичности”, но явно выросшая на прочном фундаменте старинной музыки, "Children of the Sea" демонстрирует не только умение Дио сочинять влет запоминающиеся вокальные мелодии, но и мгновенно переходить от лирического фальцета к его фирменной, грозной, рокочущей манере пения.
"Lady Evil" как будто залетела в трек-лист со второго альбома Rainbow, напоминая такие ритмичные боевики, как "Starstruck" или "Tarot Woman".
Заглавная "Heaven and Hell" более-менее демонстрирует то, что в конце десятилетия начнет оформляться в эпический дум-метал, но без занудства. Зато с запоминающейся мелодией, которую можно напеть даже при околонулевом слухе, и неким “средневековым” духом, который таится не только в лирике, но и в гитарных соло.
"Wishing Well" не столь знаменитая песня, но она ничуть не слабее остальных, просто другая, опять же наводящая на мысль о временах Rainbow.
Скоростная, боевитая "Die Young" содержит “внутри” небольшой лирический фрагмент с нежным фальцетным пением, тогда как по большей части просто сваи вколачивает.
"Walk Away" напоминает времена даже не Rainbow, а Elf - вещица полегче и порок-н-ролльнее остального материала, но такая же хитовая.
Под занавес альбома идет "Lonely Is the Word" - единственная композиция, к которой можно притянуть определение “баллада”, красивая и печальная.
Здесь читатель, доживший до этого абзаца, может опять же спросить, а к чему вообще были все первоначальные рассуждения о том, что Дио не подходит Sabbath? Мол, стоило ли заявлять такую заведомую ахинею, только чтобы потом заливаться соловьем, расхваливая песни, которые все (кому нужно) и так помнят.
Такому читателю я загадаю загадку.
Будь в реальности возможность отыскать на просторах планеты человека, который интересуется тяжелой музыкой, но при этом ничего не знает об истории рока (в наши дни такое невозможно, а вот в доинтернетную эпоху, да за Железным занавесом - вполне), и включить ему "Heaven and Hell", назовет ли он услышанное альбомом Black Sabbath?
Да, вы поняли к чему я клоню.
Влияние Дио столь велико, что хотя авторами числятся все участники того состава - Дио, Айомми, Батлер и Уорд, создается впечатление, что Ронни записал сольный альбом, задействовав для этого музыкантов одной известной, но находившейся в глубочайшем кризисе группы.
Я понимаю, что не вполне прав с фактической стороны, что сова маловата, а глобус великоват. Но от ощущения никуда не деться.
"Heaven and Hell" - альбом прекрасный, стопроцентная классика. Но к группе Black Sabbath, существовавшей в 1968-78 годах, эта коллаборация почти не имеет отношения, несмотря на 3\4 общий состав.

Mike Barlow   1 дек 2023

“Синдром утенка” - могучая штука, от которой почти ни у кого не получается избавиться. Так вышло, что "Born Again" был одним из первых (в числе приблизительно десятка) “тяжелых” альбомов, услышанных мной в жизни.
Времена были патриархальные, скачать за пять минут целую дискографию нечего было и мечтать. Зато была кассета TDK, и за уже забытую за давностью лет сумму денег можно было записать что-то из списка, распечатанного в формате А-4 и подшитого в замусоленный до неразличимости первоначального цвета скоросшиватель.
С Black Sаbbath я уже был знаком по самопальному виниловому сборнику из “архива Юрия Шалобасова”, да и краеугольные для жанра пластинки Deep Purple слышал неоднократно. Так что любопытство заставило обратить внимание на совместные альбомы Sabbath и вокалистов Purple. Потому на кассету легли “Born Again” и “Seventh Star”. Я, конечно, согласен, что, учитывая год, в который происходили описываемые события, логично было бы записать "Black Album" и "Rust in Peace", "Cowboys from Hell" и "Coma of Souls", "Nevermind" и "Ten", или, что наиболее вероятно, обе части "Use Your Illusion". Но я рано взял себе имидж консерватора-олдскульщика, считающего, что “раньше было лучше”. Смайл.
Вся эта лирика нужна была по большей части для того, чтобы сообщить почтеннейшей публике, что “синдром утенка” работает не всегда. С "Born Again" что-то непоправимо не так, и никакой нежный возраст, в котором альбом был услышан, никакое свойственное отрочеству почтение к “отцам”, не помогли.
Даже отсутствие приличной аппаратуры и кассетная перезапись ничего не смогли сделать со звуком, одновременно непомерно громким и пустым, с задранными верхами и выставленным куда-то в авангард вокалом. Более того, ничего с этим не смогли поделать и сорок лет переизданий, ремастеров и ремиксов. "Born Again" звучит варварски плохо.
Жанр рецензии в общем-то не предназначен для пересказа истории группы. Но всяк автор норовит ввернуть что-то остроумное из архивов обозреваемой команды. Так вот, музыканты дружно утверждали, что изначально не собирались работать как Black Sabbath, а планировали записываться под вывеской типа Gillan-Iommi-Butler. Но как известно, альбомы продает название, потому по настоянию менеджера "Born Again" стал не неким сайд-проектом, а новым диском Sabbath. Не слишком оригинальная история, учитывая последующую катавасию с "Seventh Star". Но всё-таки не дотягивает до той, где к проекту The Circus Maximus Марка Шелтона вообще уже на стадии печати буклета прилепили (неподходящим шрифтом) название Manilla Road, под которым Марк выпускать тот материал не собирался.
Гиллан чуть ли не в последний раз предстает перед публикой в хорошей, безо всяких скидок на возраст и заслуги, форме. И будто чувствуя это, наполняет альбом такими криками, визгами и хрипами, что они уже выходят за чувство меры и вкуса.
Одна из многочисленных баек, связанных с группой, гласит, что Ронни Дио из рядов Саббат выгнали за то, что он, занимаясь миксом "Live Evil", слишком завышал свой голос.
К моменту сотрудничества с Гилланом, Айомми, Батлеру и страдающему, а уже не наслаждающемуся алкоголизмом Уорду, видимо, стало плевать на всё и вся, и они предоставили продюсирование вокалисту, который сделал ровно то, за что Дио якобы указали на дверь. Сам Гиллан железно мотивировал местное сведение - мол, приглушил бас, чтобы тот не слишком гудел, да прибрал гитару, чтобы не рыкала. На что “шабашники” выпали в осадок, но что-то делать было уже поздно. И вообще, а нечего было бросать микширование на самотек!
Что же до самого материала альбома, то его нельзя назвать действительно слабым. Но с Саббат получившаяся музыка опять не имеет почти ничего общего. Разве что микроскопические инструменталы "The Dark" и "Stonehenge" напоминают о схожих номерах на старых пластинках.
Хотя авторами песен числятся все участники записи, можно сказать (лишь немного погрешив против истины), что Гиллан записал очередной диск группы Gillan при помощи инструментального состава Black Sabbath.
Что разогнанный до турбо-скоростей рок-н-ролл "Trashed", что блюзоватая баллада "Keep It Warm" легко представимы на альбомах Gillan начала восьмидесятых. Учитывая, что посвящены они гонкам и постельным утехам соответственно, сходство становится совсем уж “до степени неразличения”. Угрюмая, то взрывающаяся быстрыми кусками, то распевная "Disturbing the Priest", тягучая "Zero the Hero" и свирепая "Digital Bitch" (посвященная, по слухам, всенародной любимице Шэрон Осборн) чуть более “саббатовские”, давящие и мрачные.
Лучшая песня альбома на мой невзыскательный вкус - заглавная "Born Again". Медленная, но слишком тяжелая и пафосная, чтобы быть “балладой”, она скорее наследует эпическим композициям, до которых был так охоч предыдущий вокалист Sabbath. Хотя продолжительность в шесть с копейками минут трудно назвать “грандиозной”, всё же "Born Again" успевает нагнать атмосферы.
Зато "Hot Line" прилетела откуда-то из архивов Deep Purple.
При всем плохом, что сказано о звуке, ничего плохого нельзя сказать о профессиональных компетенциях музыкантов. Да и энергетики в записи хватает. Всё-таки новый певец взбодрил коллег.
В общем, альбом оказался подобен тосту из затертой застольной шутки - короткий (сорок одна минута) и мощный, как выстрел.
Также диск украсила обложка, которую модно ненавидеть, но непонятно, что плохого в новорожденном алом дьяволенке, это же Black Sabbath, черт их дери, а не Eagles какие-нибудь.
Но стилевая чересполосица, своеобразный микс и Гиллан во главе с шашкой наголо - всё это как-то не способствует восприятию альбома как цельного произведения. И как альбома Black Sabbath тем более.
При всем при том “Born Again” оказался коммерчески успешен и удостоился похвалы от самого Оззи, который обычно не слишком доброжелателен к своим сменщикам.
Начавшееся турне сопровождалось бесчисленными приключениями в духе Spinal Tap, да и при всей мощи глотки Гиллана, его исполнение “Black Sabbath” или “Heaven and Hell” очень хорошо описывается модным словечком “кринж”.
Так что очень скоро пути музыкантов и неуемного вокалиста разошлись. В отличие от других “разводов”, какого-то сильного негатива между Гилланом и Айомми не случилось, и в будущем они еще будут сотрудничать.
А "Born Again" остался наособицу, не только как единственный альбом Purple Sabbath, но и как некая нетипичная для группы загогулина.
Также поклонникам “короля риффов” остается только гадать, что вышло бы, если бы ему удалось заманить в студию Планта, а не Гиллана. Были тогда у Айомми такие планы.

Mike Barlow   1 дек 2023

Шестой альбом за пять лет - неслабый такой (впрочем, обычный для времен молодости рока) результат. Некоторое истощение моральных и физических сил группы, а также усталость от успевших стать клише собственных приемов, становятся заметны (напишу страшное) уже на "Sabbath Bloody Sabbath". К "Sabotage" Айомми и компания подошли с еще более очевидным настроем “сделать что-то такое, чего мы раньше не делали” и в состоянии назревающего внутри группы конфликта между гитаристом-который-всё-тащит-на-себе и вокалистом-на-котором-весь-успех-держится. Ко всему прочему, Sabbath тогда конфликтовали с менеджментом, что нашло отражение даже в текстах.
Однако эта “предкризисная” атмосфера ощущается больше задним числом. В режиме же реального времени альбом скорее воспринимался как развитие и следующий шаг в сторону более виртуозной (в сравнении с сырым угрюмым рокотом ранних работ группы) и более агрессивной (в сравнении с зааранжированным, перекрученным "Sabbath Bloody Sabbath") музыки.
Несомненно, "Sabotage" более прямолинейный и “боевой”, нежели его предшественник, хотя и несет на себе отпечаток прогрессивных устремлений "Bloody Sabbath". Клавишные Джеральда Вудроффа, который был без пяти минут постоянным участником группы, играют значительную роль в создании саунда на пластинке, но это не ориентированный на клавишные альбом. Это тяжелый альбом с клавишными аранжировками.
"Sabbath Bloody Sabbath" был удачным в творческом и коммерческом отношении, но Айомми говорит, что музыканты совершенно сознательно не пошли дальше по тому же пути. Осборн привычно противоречит товарищу, утверждая, что запись "Sabotage" была мучительной именно из-за “студийного перфекционизма” гитариста. Батлер же состояние группы на момент записи "Sabotage" определяет, как “обдолбаннные и задолбавшиеся”.
Все эти разборки и воспоминания о самочувствии и настроении едва ли не полувековой давности интересны не только любителям подробностей из закулисья. Они скорее демонстрируют, что вдохновение может прийти когда его совсем не ждешь.
Все вышеописанные проблемы не помешали Sabbath создать великий, монументальный альбом.
"Sabotage" - тяжелому, злобному, но при этом не лишенному экспериментальной жилки, предыстория совершенно не повредила. Он не то чтобы идеален от первой до последней ноты. Но он целен и целеустремлен, несмотря на некоторую стилистическую чересполосицу. Сдвиг привычных границ, выход за флажки и заплыв за буйки всегда был фишкой Black Sabbath. На любом их альбоме классической эры есть композиции, которые выбиваются из общего ряда. Эта смелость первопроходцев, нежелание соответствовать придуманным критикой и фэнами категориям, вообще характерны для групп той поры, когда сцена еще не разделилась на десятки замкнутых субкультур, внутри каждой из которых есть четкие критерии звучания, оформления обложек и внешнего вида музыкантов.
Sabbath, хотя и являются отцами-основателями doom-сцены, сами на верность идеалам trad-doom не присягали, оставив это командам вроде Count Raven. Они изобретали жанр и шли дальше - изобретать следующий.
"Sabotage" стартует с одного из самых могучих хитов группы, свирепого боевика "Hole in the Sky", который надолго осел в концертных сет-листах и знаменует собой очередную трансформацию коллектива. Если на предыдущем альбоме Sabbath буквально, грянувшись оземь тягучими думстерами, восстали преображенные в замысловатых проггеров, то сейчас перед нами полновесный металл безо всех этих приставок типа “proto”. Конечно, в рамках 1975 года, но тем не менее, столь тяжело, бескомпромиссно и злобно на “большой сцене” тогда никто не играл. Закольцованный гитарный рифф, какие умеет изобретать только Тони, в этот раз основательно разогнан в скоростях, ритм-секция рубит с мощью сваезабивочной машины, Осборн же вовсе взвинтил свой и без того экспрессивный вокал до откровенного крика (scream, ага).
Краткая акустика "Don't Start (Too Late)" и альбом продолжается "Symptom of the Universe", столь же мощным хитом, как "Hole in the Sky", столь же любимым металлистами последующих поколений в качестве кавер-версии, которая, будучи помещенной бонусом, делает осмысленным делом приобретение всего диска.
Почти десятиминутная "Megalomania" - колыбель прогрессивного металла, в которой перемешаны тяжесть и навязчивая виртуозность игры, эпик с неоднократно меняющимися в ходе развития темпом и настроением, и запутанной мистической лирикой, которую Гизер сочинил под влиянием наркотического прихода, а Оззи спел, только что откинувшись из психушки.
Мрак и безумие - ключевые темы альбома, а о безумии Sabbath к тому времени знали больше, чем хотелось бы. Но то, что калечит личную жизнь, иногда неплохо конвертируется в творчество.
"The Thrill of It All" - тоже непростая, можно сказать, “навороченная” композиция, отличающаяся странными, бравурными эпизодами, и понятное дело, не ставшая постоянным гостем ни на концертах, ни на бесчисленных сборниках из разряда “The Best of Black Sabbath 1970-1978”.
Симфонический "Supertzar" служит скорее для отдыха и, откровенно говоря, мне не кажется таким уж идеальным сочетание того, что делает хор, и того, что делают Black Sabbath. Но как минимум - смелый эксперимент.
"Am I Going Insane (Radio)" - очень странный, совершенно не канонический трэк, всё же ставший популярным. Песня, по словам Уорда, должна была стать первой ласточкой в сольной карьере Оззи, который в процессе сочинения всех замучил своими синтезаторными экзерсисами. Это еще и значит, что Оз некогда собирался играть совсем другую музыку, а вовсе не прославивший его “продюсерский” хард-н-хэви в окружении бывших/будущих юрай-хипповцев. "Am I Going Insane" представляет собой “вывихнутую” поп-психоделику из конца шестидесятых, сыгранную почти без саббатовской тяжести. Осборн поет, а также хохочет и завывает так, что в его поехавшей (и отнюдь не в рамках вживания в образ) крыше не сомневаешься совершенно.
Венчает альбом "The Writ" - еще один сложный, затяжной номер, демонстрирующий проговую сторону коллектива. Балладные эпизоды варьируются с динамичными, тяжелый рок перемежается со странными синтезаторными созвучиями, которые извлекает из Moog'а вокалист, безумные смешки - со струнными аранжировками.
Содержащий две песни, каждой из которых хватит на замену целой дискографии группы средней руки, два убийственных хита, без которых тяжелая сцена была бы совершенно другой ("Hole in the Sky" и "Symptom of the Universe"), "Sabotage" может именоваться последним классическим альбомом Sabbath. После него раздрай, царящий в группе, увы, стал переходить из категории личных взаимоотношений в творческую плоскость.

Mike Barlow   1 дек 2023

Применительно к предыдущей работе старых воинов автор сих строк ещё смог наскрести несколько эпитетов, непохожих на явную брань. Тот миник хотя бы был прилично записан и содержал хоть какую-то музыку. Пусть и третичную относительно достижений самих же Manowar.
Но с вот этими (Шишков, прости) "хайлайтами" Джоуи сотоварищи не просто достигли дна, а конкретно его пробили. Никакая лояльность старого фэна, никакие воспоминания в духе "как я в двенадцать лет услышал "Into Glory Ride" и как это изменило мою жизнь" уже не в силах перебить возмущение тем, какую лапшу мне навешали на уши.
Миньон довольно активно рекламировали. Сакис Толис! Оперная певица! Греческие актеры, читающие тексты на настоящем древнем языке! "Одиссея"!!
Учитывая, что по "Илиаде" Manowar во времена оны написали шедевр, это всё как-то... ну если не вдохновляло, то хотя бы обнадёживало. Ну а вдруг?
То, что группа по итогу выпустила на публику, не лезет ни в какие ворота.
Толис тут не поет, не играет и не сочиняет. А немножко переводит и немножко читает текст.
Девушка с непроизносимым именем, приглашенная спеть, поет хорошо, наверное, лучше Сары Брайтман, но последнее, что нужно было фэнам Manowar, это ещё одна версия "Where Eagles Fly"!
Озвученные на древнегреческом диалоги могли бы работать на какую-то "атмосферу", если бы не висели в воздухе, а хоть как-то были подкреплены музыкой и эффектами. А так это именно что диалоги на напрочь непонятном языке.
Но вишенкой на торте является "Immortal".
Если тридцать лет назад Manowar записали "The Triumph of Steel", то сейчас на публику обрушивается триумф абсолютного музыкального тупизма.
Определение "самопародия" слишком лестно для этого сочетания скорбных, тыщу раз сыгранных группами пятого эшелона, риффов, беспомощно пиликающей гитары, "забитых", судя по всему, ударных и ухающей басухи. Перед нами нечто среднетемповое, отдаленно похожее на вещи в духе "Brothers of Metal", но качество несопоставимо.
На фоне творящегося безобразия, Эрик, который (вы будете плакать) всё ещё очень неплохо поет, надсадно выкрикивает рандомно порезанные "героические" фразы, в которых нет ни смысла, ни рифмы.
И эти люди записали "Achilles, Agony and Ecstasy"!?
Это уже не творческий кризис, это не "исписались", это уже клиническая неспособность слышать самих себя. Такое впечатление, что Джоуи не просто не в силах сотворить что-то сравнимое с собственными достижениями, а вообще разучился сочинять, играть, аранжировать и даже записывать в студии. Потому что ещё и звук убог донельзя.
Я бы ещё долго мог ныть и ругаться, но не вижу смысла. По привычке, надо сказать хоть одно доброе слово.
Окей.
Девушка с непроизносимым именем хорошо поет. И на "Where Eagles Fly" Эрик тоже на удивление хорошо поет.
Оценка, можно сказать, завышенная. Но Manowar, как ни крути, талантливые люди. И с тех пор, как вышел этот миньон, успели записать ещё песню.
Так вот, она хуже!!!
Начинаю жалеть об отсутствии возможности ставить отрицательные оценки...

Mike Barlow  19 апр 2023

Второй сольник (уже) экс-мейденовца продолжил направление, взятое дебютом. Но не музыкально, он и жестче, и мрачнее, и амбициознее, и лучше записан. А так сказать, концептуально - самовыражение и "расширение горизонтов" максимально далеко от принесшей славу стилистики Iron Maiden. Но это ведь и хорошо, для того и существуют сольные альбомы, верно?
Если дебютник был записан "с небольшой помощью друзей", то для второго диска Брюс рекрутировал готовый коллектив Tribe of Gypsies. Участники коего были отнюдь не цыганами, а латиносами, и имели устрашающее уголовно-наркотическое прошлое. При этом играли ребята вовсе не оголтелый кроссовер-хардкор-рэп, как этого ожидаешь, увидя набор латинских фамилий и прочитав про лидера группы, что "музыка спасла его от тюрьмы". Исполняли (да и исполняют, вроде группа "живая") Tribe of Gypsies то, что обычно именуют "латино-роком", причем в не самом ориентированном на гринго варианте.
Услышав Tribe of Gypsies, Брюс забросил все имевшиеся у него наработки для предполагаемого продолжения "Татуированного миллионера", и привлек к сочинению гитариста Роя Z. Рамиреза.
При всем несходстве с "Миллионером", "Balls to Picasso" имеет с ним кое-что общее. Не будучи каким-то завернутым авангардом, музыка не имеет и явных образцов для сравнения. А всегда сложно что-то описывать, не имея костылей понятных каждому сравнений.
Тем не менее - это хард-рок, довольно жесткий, иногда балладно-распевный, иногда рвано-ритмичный. Самыми известными (и лучшими) песнями с диска являются проникновенные баллады "Tears of the Dragon" и "Change of Heart". Неплохо качает боевик "Laughing in the Hiding Bush", который останется в концертной программе Брюса и после того, как он предсказуемо одумается и вернется к истинному металлу.
Конечно, "Слезы Дракона" - главная причина, почему альбом остался в памяти фэнов, а не сгинул во мгле, как его наследник. Так или иначе, в мире полно групп, у которых и десятки лет на сцене за спиной, и верные фэны есть, а ничего равного "Tears of the Dragon" - не случилось.
Но и остальные песни нельзя назвать наполнителем пространства на диске. Просто они достаточно необычные, не вписывающиеся в рамки "забойный рок-н-ролл" и "баллада для медляка", довольно атмосферные, с обилием акустики, которая вдруг сменяется почти трэшевым грохотом, чтобы вновь раствориться в меланхоличных гитарных пассажах.
"Balls to Picasso" вообще довольно рефлексивен и эмоционален. Сольник всё-таки, для души сделано.
Позже Брюс говорил, что альбом стоило бы записать тяжелее и грубее, но времена "The Chemical Wedding" еще впереди, а пока вышло именно то, что он сам хотел сделать в 1994.
Дикинсон, которому продюсер альбома сделал офигенный комплимент "а у тебя НА САМОМ ДЕЛЕ ЕСТЬ ГОЛОС", всё-таки отошел от фирменного воздушно-тревожного пения, позволяя себе то лиризм, то злой хрип, то околоальтернативную "грязь" в таких количествах, которых "родная" группа никогда не позволила бы.
Вообще, о диске часто пишут, как об "альтернативном", но прямых сходств с тогдашней "альтернативой" тоже еще поискать. Можно найти что-то общее с "самыми хард-роковыми из альтернативы" группами, вроде Soundgarden или Alice in Chains, но так же можно и отголоски Led Zeppelin услышать, благо продюсер тот же. Ну а что - и там и там гитара, бас, барабаны, вокал...
В целом, альбом - несомненно не то, что нужно die-hard фэнам Maiden, но как сноска на полях истории великой группы, он несомненно интересен.
Свой "Seventh Son of a Seventh Son" Брюс еще запишет.
А пока - ищет себя среди кризиса традиционных жанров, и судя по всему - собственного кризиса среднего возраста.

Mike Barlow   5 мар 2022

В отличие от многих сольных работ, записанных музыкантами успешных групп, первый сольник Брюса Дикинсона не вызывает желания задать риторический вопрос "зачем это было нужно?". Потому что совершенно очевидно, зачем Брюс записал именно такой альбом. Чтобы отвлечься от музыки и имиджа Iron Maiden, чтобы весело провести время, чтобы спеть что-то, чему нет места на пластинках Девы. То есть, для того самого "самовыражения".
И в общем, у парня всё получилось. Несмотря на моментально узнаваемый голос Человека-Воздушной сирены (прозвище было сначала скорее уничижительным, дано поклонниками Пола ДиАнно, не заценившими манеру сменщика), музыка на альбоме максимально далека от патетичного металла.
Самое интересное, далека она и вообще от жанровых стандартов. Не то, чтобы Дикинсон, Герц и товарищи наворотили чего-то необыкновенного, авангардного и эксцентричного. Нет, конечно, обычный хард-рок, с блюзовыми корнями, иногда ("Born in '58") настолько расслабленный, что приставка "хард-" уже неуместна. Но при этом на Deep Purple, Black Sabbath, Rainbow и, например, Led Zeppelin непохоже.
Вообще, подражания кому-то из грандов не заметны. То есть, конечно, Брюс кем-то вдохновлялся и у кого-то (у Боуи того же, чья песня на альбоме перепета) что-то почерпнул. Но эти влияния неочевидны, а может быть просто уходят в такие глубины семидесятнического рока, куда рядовой меломан не заглядывает.
Одним из главных достоинств альбома является искренность, душевность и некая расслабленность, иногда дурашливая, иногда - исповедальная. Не то, чтобы Брюс решил примерить майку Спрингстина, хотя кто его знает... Оставив для Maiden плакатную героику и литературоцентричный оккультизм для своих позднейших сольных работ, Дикинсон прошелся по "жизненным" темам, от религии ("Son of a Gun" - наверное, лучшая песня альбома), иммиграции ("Gypsy Road"), и детских воспоминаний ("Born in '58") до пресловутого рок-н-ролльного образа жизни. Который тут не воспевается, а рефлексируется.
Принято считать, что заглавная песня "Tattooed Millionaire" бичует Никки Сикса, который у Брюса бабу увел. Да и сам Брюс, судя по проговоркам в автобиографии, и сам успел пожить в стиле "дерись с коллегами по группе, блюй на вокалистов-хедлайнеров и живи постояльцем в борделе". Только для него это не повод для гордости и не способ самопрезентации, а скорее ошибки юности. Которую 32-летний (ну мальчишка же, да!) певец считает ушедшей. Судя по тому, как он вспоминает рассказы деда и первые черно-белые телевизоры в "Born in '58", Дикинсон ПОВЗРОСЛЕЛ. А это для творческой личности вообще страшное испытание.
Но Брюс с испытанием справился, да и с созданием первого сольника тоже.
Альбом не потряс музыкальный мир, но неплохо продавался и дал своему создателю передышку. А это уже немало.

Mike Barlow   5 мар 2022

Писать такие вещи всегда как-то неудобно. Такое впечатление, что предаешь ... в общем, что-то предаешь. Едва ли группу, участники которой о твоем существовании не подозревают. А и подозревали бы, так им плевать - высокомерие лидера Воинов и полнейший пофигизм их фронтмена не секрет ни для кого. Нет, предаешь скорее себя юного, трепетно внимающего боевым барабанам классического Manowar. Как-то неспокойно на душе, неохота расставаться с тем собой, который в школьную еще тетрадку переписывал тексты с "Into Glory Ride", а с металлическим браслетом, на котором выбито гордое имя любимой группы, даже в бассейне не расставался.
Но после всего этого пафосного (мы же про Manowar!) вступления, можно и написать то, ради чего вообще до клавиатуры добрался.
Это ОЧЕНЬ слабая работа, да черт подери, она просто никакая, еще чуть-чуть и можно было бы написать "плохая", но голое техническое мастерство создателей и остатки сентиментальности рецензента не позволяют употребить это слово.
Перед нами "типичный Manowar", как его представляют - громкий и гордый, с преисполненными вархаммеровского пафоса аранжировками и лириксами, традиционный металл.
Только вот на "Kings of Metal", "The Triumph of Steel", "Louder Than Hell" или "Warriors of the World" это звучало круто, а сейчас - тускло, вяло, скучно и отдает откровенной самопародией.
В общем, теперь группа, пожалуй, оправдывает все те авансы нелюбви, которые на нее десятилетиями выливали интеллектуальные меломаны.
Патетичная инструменталка "March Of The Heroes Into Valhalla" напоминает рандомно склепанные сэмплы из библиотеки epic music.
Скоростной боевик "Blood And Steel" сделан по рецептам, но совершенно лишен того, что всегда отличало боевики группы. Драйва! Вспомним хотя бы "The Dawn of Battle", там же молнии сверкали и гром грохотал, шторм в лицо и т. п. А тут... ну так, на дальней улице ПАЗ-ик проехал, вот столько драйва.
Баллада "Sword Of The Highlands" - как будто "красивая" и "мелодичная", и Эрик всё еще хорошо поет, но по выразительности песня уступает не только золотой классике вроде "Mountains" или "Heart of Steel", но и поздним вещам вроде "Father".
Мрачный эпос "You Shall Die Before I Die" - единственная композиция в которой бьется какой-то пульс жизни. Преимущественно за счет использования, впервые в истории группы, не Эрика у микрофонной стойки. Конечно, петь Джоуи ДеМайо не умеет, это какая-то мелодекламация непрофессиональным недогроулом, но вышло вовсе не так плохо, как можно представить из других разгромных рецензий. Конечно, наверняка приглашенный экстрим-певец (кто сказал Хёгг? ну, я и сказал) справился бы лучше, конечно, иногда откровенно недостает Адамса с его фирменным "diiieee!". Однако, по-своему впечатляет. Псевдоцерковный хорал во вступлении, недогроул сквозь тяжелые гитары и пафосные клавишные обещает скорую смерть. Manowar, чего же боле?
Сама композиция наследует вещам типа "Bridge of Death", предсказуемо недотягивая до величия прошлых лет. Но, повторюсь, хоть что-то цепляющее.
В общем, источник вдохновения у лидера Manowar совершенно очевидно высох, зарос бурьяном и дорога туда самим Джоуи почти подзабыта. Новый гитарист откровенно беспомощен. Адамсу всё давно надоело и он уже не старается извлечь из себя прежний яростный наждачный вокал. Вместо Иоханссона могла бы быть драм-машина.
Печально.
И тем не менее - это Manowar, великая, знаковая для жанра группа, а как известно, даже провал в исполнении талантливого человека, интереснее чем "нормальная крепкая работа" от ненаделенного особыми талантами эпигона.
Слабая епишка, слабая.
А группа - одна из самых любимых.
Пошел "The Triumph of Steel" переслушивать.

Mike Barlow  30 дек 2021

Оззи так и не дожил… Он, конечно, дожил до восьмого десятка, что удивительно, и до болезни Паркинсона, что менее удивительно. Только Великий так и не дожил до того дня, когда начал выпускать плохие альбомы.
Конечно, учитывая статус, возраст, болячки и прочие внешние обстоятельства, а также мою собственную трепетную любовь к творчеству Великого и Ужасного, можно было бы начать с зачина в духе «не надо строго судить»… И после этого написать уже всё полагающееся про возраст, болезни, заслуги, и закончить на мотив «спасибо, что еще живой».
Но нет. Я так делать не буду. Оз нас (поклонников со стажем) не пожалел, так и мы его не будем!
Оззи отказался от услуг своего постоянного аккомпанирующего состава, и от Закка-композитора, но лично мне потеря Бороды в этом смысле критичной не кажется. Ну, сочинил бы он очередной альбом Zakk Wylde's Band feat. Ozzy Osbourne, как не раз уже бывало. А тут хоть какой-то интерес к проекту подогрели.
Помнится, где-то в каментах к одной из бесчисленных новостей из стана Осборна, кто-то предлагал такой сценарий реанимации карьеры Пожирателя Летучих Мышей – «запереть в подвале молодого блэкаря, и пусть пишет шедевр в стиле стоунер». Не худший был вариант. А еще был вариант, позвать на помощь музыкантов с той сцены, где наследие Оззи действительно ценят и любят – с металлической, то бишь. Вариант – «самому сочинить что-то действительно идущее от души, что-то, что всегда хотел записать, но шоу-бизнес не позволял», тем более не рассматриваем. Нет, я не верю в то, что Оззи не имеет отношения к своей музыке, просто БИЗНЕС всё еще во главе угла.
Осборны не ищут легких путей. Они, в самом деле, заперли в подвале юное дарование Эндрю Уатта, но дарование в стиле хип-хоп. Также у другого юного дарования – Элли Тампаци, сочиняющей материал для поп-певиц, были куплены некие мелодические наброски. После этого Сам, а также музыканты Guns n' Roses и Red Hot Chilli Peppers, и еще какие-то безвестные сессионщики, создали из полученных ингредиентов новый альбом Осборна.
Совершенно неважно, правдива или лжива легенда о том, что диск был сочинен в четыре дня. Потому что он ровно настолько сумбурен, чтобы это было правдой. Но если его рожали полгода, а потом для пафосу сочинили историю о четырех днях, это тоже будет правдой, потому что рок-н-ролл вообще одно большое надувательство.
Хорошие песни тут есть, а Оз, несмотря на общую ветхость, всё еще может петь и совсем неплохо петь. И вокал его вовсе не так затюнингован, вытянут и обработан, как принято считать. Отчетливо слышны и прожитые годы, выпитые литры, но Оззи это Оззи. Как и всю жизнь, он лучше звучит в медленном, тягучем материале, и на "Ordinary Man" быстрая вещь по сути одна, она же самая бестолковая.
Увы, часть материала - это реально какой-то материал, а продюсирование, если брать всё кроме вокала, далеко от идеала. Стало меньше индустриального налета, чуть больше харда, гитары, как Уатта, так и гостей, выведены со своими соляками высоко и хорошо «видны». Но в целом саунду не хватает цельности, ощущения, что за ним стоит группа, а не кучка сессионщиков. Хотя с основной задачей – обеспечить сопровождение для голоса Оззи, музыканты справились. Эндрю Уатт возможно не великий гитарист, но он компетентен как продюсер, не в смысле «крутить ручки на пульте», а в смысле «дать музыканту раскрыться с лучшей стороны».
Ему удалось вытащить Оззи из клетки вязкого прииндустриаленного хэви и отправить петь чуть ли не госпел. Стоит отметить большой удельный вес акустики и «симфонизмов». Скрипки, хоры, фортепиано. Но всё это нанизано на плотный модерн-металлический каркас.
"Straight to Hell" пытается сходу «задать жару», будучи построена на воспоминаниях о саббатовских риффах, а «all right now» очевидно должна воскресить в памяти "Sweat Leaf", но как избавиться от ощущения, что не очень мощная нейросеть сочинила этот псевдо-хит, после того как в нее загрузили альбомы Sabbath 1970-1975? При том, что Осборн поет в своем фирменном стиле, а глумливый текст должен дополнительно раскачивать публику, мощи песне как раз не хватает, какие-то синтезированные хоры и вовсе портят всё впечатление.
Автобиографическая "All My Life" уже лучше, потому что представляет типичную для Оззи «тяжелую балладу» вдохновенную поздними Битлами, но срывающуюся в «забойные» эпизоды.
"Goodbye" напоминает материал времен "Scream" – такой же модернизированный, с легким привкусом MTV-шного индастриала. И, пожалуй, фирменная осборновская «безуминка», которая всегда так выделала его из стройных рядов парней с начесами и длинными гитарными соло, тут в полной мере сохранена.
Вообще, стоит отметить мрачность альбома, не театральную, подлинную угрюмость. Тексты частично стоят на рок-клише (алые небеса, звезды плачут, под могильным камнем холодно и т.п.)
Но учитывая близость Осборна к гробовой доске, за клише чувствуется и настоящая драма. К тому же Осборн человек своеобразный, и если раньше под имиджем вечно пьяного отморозка публика норовила находить чувствительную душу, то теперь, скорее, из-за маски жадного до денег шута, который всё продал и всех предал, проступает что-то инфернальное, что-то старое, угрюмое и устало-мудрое. Настоящее лицо Принца Тьмы? Возможно.
Понятно, всё это голые эмоции, но музыка такая штука, что во многом на эмоциях и построена, а слушать "Ordinary Man" в некоторые моменты без слез почти невозможно.
Кроме «темной стороны» лирика альбома сосредоточена на темах умирания, упадка, расставания. Также не остались без внимания личные демоны Оззи – наркота и выпивка, которые всю жизнь его одновременно убивали (как человека) и делали сильнее (как творческую единицу).
"Ordinary Man" – композиция воистину душещипательная, исповедальная, прощальная, и какие там еще могут быть эпитеты этого смыслового ряда. Баллада о скорой смерти, о старости, с фортепиано и плачущим гитарным соло… Блин, тут есть Элтон Джон!!! Лично у меня голос этого сэра вызывает ту же реакцию, что у многих – голос самого Оззи – идиосинкразию. Но всё равно песня красивая. И душевная, да.
"Don't forget me as the colors fade,
When the lights go down, it's just an empty stage."
"Under the Graveyard" – уже не баллада, а скажем так «мрачная и тяжелая медленная песнь», которая не потерялась бы и на "Ozzmosis". Правда, есть какие-то странные корявые запевки, которые нарушают общую, более чем достойную, картину.
Если бы на этом миньон закончился, можно было бы ставить 8, а то и 9, и садиться ждать новых песен.
Но перед нами полноформатник, и чем дальше в лес, тем партизаны толще.
"Eat Me" еще просто незапоминающаяся и уныловатая, хотя и тяжелая. Зато Оззи впервые чуть ли не за пятьдесят лет играет на губной гармошке.
Тягучая "Today Is the End" предвещает конец света, когда небеса прольются огнем. Мрачно, красиво, по-осборновски.
"Scary Little Green Men" – вроде бы боевик про мелкую нечисть, вроде бы на нее был снят клип с популярным Джейсоном Момоа «в роли» Оззи, но песня как-то скомкана и сумбурна, производит впечатление «живого» бутлега.
"Holy for Tonight" – тот самый госпел от Оззи, который я упомянул в начале рецензии. Любопытно, но достаточно абсурдно. Как бонус, как некий сайд-проект - возможно, но зачем в качестве «регулярной» песни на альбоме?
А вот потом…
Есть такая избитая шутка о соотношении говна и повидла в бочке и ведре.
Так вот, не обошлось без ведерка под занавес.
"It's a Raid", посвященный какой-то облаве на наркоманов, под которую Оз попал в юности, представляет чудовищно бестолковую, хотя и не лишенную энергии панкуху. Спетую дуэтом с каким-то левым персонажем, которого до неприличия много.
А "Take What You Want" совсем уж плевок в вечность. Дело даже не в том, что я не люблю рэпчик (а я не люблю), а в том, что это даже не попытка Оззи рэпануть, а песня некоего Пост Мэлоуна, в которой Оззи есть на тридцать секунд в начале, да на десять в середине. А всё остальное… Ну хипстерский хип-хоп, назовем это так. Что ЭТО делает на альбоме Оззи, почему оно не на альбоме этого самого, как его, Мэлоуна?!
Ладно, проехали, но всё-таки пакость редкая.
Еще существует коротенький бонус "Darkside Blues" – этакая стилизация под pre-war блюзы. Снова губная гармошка, текст об очень странной любовной истории. И чуть больше минуты звучания. Шутка, не более того.
Окажется ли "Ordinary Man" последней работой Оззи, или нет, покажет время.
С таким альбомом не грех и попрощаться с публикой.
Однако, Оззи известный мастер уходить по-еврейски, и может быть, мне предстоит рецензировать следующий его альбом, уж точно последний и прощально-исповедальный (смайл).
Оценка моя, однако, будет более сдержанной, чем тон рецензии, потому что оценивать надо работу в целом, а не по отдельным удачным песням. На "Ordinary Man" есть и филлеры, и явные провалы. Оставляя за скобками воспоминания о затертом виниле с пиратским сборником Black Sabbath, который свернул мне мозги (и сломал жизнь, хехе) в отрочестве, выше шестерки поставить не могу, хотя пару песен смело можно включать в любой самопальный The Best of Ozzy и там они не потеряются.
На дворе 2020 год, а Оззи всё еще с нами.

Mike Barlow  20 сен 2020

Ввиду грядущего нового альбома от Оззи, надо бы переслушать (в обратном порядке) его сольную дискографию, решил я. А раз ж начал слушать - отчего бы не отрецензировать?
Первый альбом без Бороды, зато с условно юным (тридцать лет, конечно, юность только на фоне шестидесяти самого Оззи) Гасом Джи на гитаре. Однако у руля - Кевин Чурко, который тут не только продюсер и автор большей части материала (при помощи самого Оззи и клавишника Адама Уэйкмана), но еще и частично барабанщик. А Чурко, как известно, принадлежит к породе профессионалов без стилистической направленности. Ему что Бритни Спирс, что In this moment. Неудивительно, что под его руководством Оззи уверенно шагнул в дебри современного, индустриализованного звучания. Странно другое, продюсерское происхождение альбома ни для кого не тайна (авторство песен честно указано), но были сильны ожидания, что Гас - парень из “поколения сыновей”, да еще и выходец со традиционно-металлической сцены, что-то свое в музыку привнесет. Увы, хотя с появлением Гаса в концертную программу в самом деле вернулись номера из “тру-металлической” эры Оззи, и энергетики на "Scream", как ни крути, поболе, чем на мертвом "Black Rain", чуда “возврата к корням”, ожидаемо, не случилось. Да, гитара Гаса более “восьмидесятническая”, но и только. До написания материала гитарист допущен не был, и наверное, зря.
То есть с Гасом вышло примерно то же, что и с Закком - преимущественно среднетемповый, вязкий хард-н-хэви с еле живым (не столько в силу “убитости”, сколько в силу обработки), но моментально узнаваемым голосом Оззи во главе угла.
Раскрутка диска была организована вокруг заглавного псевдо-хита "Let Me Hear You Scream". Псевдо-хитом я эту композицию обозвал потому, что реальной хитовости в ней кот наплакал, и она достигается механическим вколачиваем припева в уши фанатов. "I Don't Wanna Stop pt.2", если угодно. Показалось или нет, но именно на этой песне гитары как-то наиболее облегчены и притом осовременены. “Шагающий” средний темп и надрывно орущий Оззи. Хорошие клипы, частое концертное исполнение и включение в самопальные сборники "The Best of Ozzy" все-таки не делают песню ровней классическим боевикам полоумного вокалиста.
Как это нередко бывает, центральный псевдо-хит, при прослушивании которого прямо слышны скрипящие от усилий извилины сочинителя, работающего над “песней для клипа”, не только не является лучшей песней альбома, он как бы не является худшей.
Оззи, который по моему глубокому убеждению является значительно более адекватным и хватким персонажем, чем предстал в “Осборнах”, неплохо чувствует себя в индустриализованном царстве Чурко. Не то, чтобы Робу Зомби, Ministry, Nine Inch Nails, или собрату по шок-року Мэрлину Мэнсону стоило испугаться шестидесятилетнего певца, но и жалкими, нелепыми его попытки вписаться в современность не выглядят.
Шестиминутная "Let It Die" с чеканным вступлением "I'm a rockstar, I'm a dealer, I'm a servant, I'm a leader, I'm a savior, I'm a sinner, I'm a killer" перерастает в тягучий, вязкий, но прилипающий к ушам припев, который долго будет оставаться с прослушавшим.
Злобная "Soul Sucker" с искаженным, обработанным до стадии “робота” вокалом продолжает наводить страха, тоски и боли, а квази-баллада "Life Won't Wait" стартует неожиданно лирическими и стопроцентно “позднебитловскими” мотивами, напоминающими что Оззи вообще-то мелодист от... В общем, от некоей Высшей Силы, как он это называет, и взрывается агрессивными моментами именно когда это нужно.
Эпическая "Diggin' Me Down", открывающаяся восхитительной в своей непретенциозности гитарной партией, не показалась бы лишней и на классических альбомах Оззи, если убрать “шлепающие” ударные и излишнюю брутальность вокала.
Самое интересное, что дальше по ходу развития диска индустриальная составляющая снижается, и становятся видны усилия команды сделать что-то в духе если уж не "Bark at the Moon", так уж "No More Tears" точно.
"Crucify" - не то чтобы плохая, но именно что “никакая” песня, зато за ней следует действительно мощный боевик "Fearless", действительно сделанный в стиле Осборна 90-х годов, спетый им в фирменной злобновато-саркастичной манере. Вот "Бесстрашному"-то как раз есть место на "The Best of Ozzy", но кто ж до песни, на которую нет клипа, в наши дни доберется?
Лирическая (хоть и не являющаяся в истинном смысле слова балладой) "Time" банальна, хотя бы тем что использует не только в названии, но и в музыке те же фразы, что "Time After Time" и "Running Out of Time", но зато тут в самом деле можно услышать, что на альбоме играет Гас Джи, а не Закк Уайлд, и не рандомный гитарист одного из продюсируемых Чурко составов. При этом я в общем-то соглашусь, если песню назовут вымученной. Все СДЕЛАНО очень неплохо, но опять скрип мысли в направлении “а давайте сочиним для Оззи классическую осборновскую балладу, как во времена "Road to Nowhere"” довольно-таки отчетлив.
"I Want It More" снова пытается “поддать жару”, но выходит не слишком убедительно. Песня попросту незапоминающаяся, невыразительная. И оркестровка в стиле “саундтрек к средней руки блокбастеру” ничего не решает в ее пользу.
"Latimer's Mercy" - опять закос в дебри “современного” саунда с вокодерами, но в этот раз фишка не играет, песня вышла в стиле “вспомнить не получается, переслушивать неохота”.
Зато кода - без малого гениальная микробаллада "I Love You All" как-то разом делает альбом на пару пунктов лучше, потому что более искреннего и лаконичного послания своей публике не создал ни один музыкант из тех, кто вообще этим озаботился.
Оценивать как-то отдельно работу музыкантов я бы не стал, понятно что всё это крепкие профессионалы, которые не навешают “лапши”, но творческие амбиции парням, у которых они явно есть (Уэйкман и Джи) велели оставить за дверью студии. Николсон же и Клуфетос - это просто исполнители.
Чурко нарулил в студии типично американский (громкий вокал, громкие ударные), и достаточно современный звук, который, при этом, не лишен некоей героическо-металлической основы (гитарная работа парня из Mystic Prophecy) и заходами в клавишный симфонизм. Такое впечатление, что продюсер\композитор задался целью отразить своей работой все грани тридцатилетней карьеры босса, от классического "Blizzard of Ozz", до работ с Робом Зомби и трибьютов Джону Леннону, создать универсально-осборновский саунд для 2010-х годов. И ему это, в известной степени, удалось.
Но хрен бы всё это удалось без участия Самого.
И как раз Сам-то Оззи на "Scream" вовсе неплох. Да, неплох для шестидесятилетнего алкоголика. Да, грубой мощи третьвековой давности в его голосе уже нет, да, вокал явно “подтягивали” техническими средствами, да, он теперь злоупотребляет хрипами-рыками и совсем уж “ушел в нос”.
Но у него всё еще есть своеобразный тембр и фирменные театрально-злодейские приемчики.
Вообще-то, я хотел поставить альбому “семерку”, потому что наличие проходных песен и вымученный характер всего творения очевидны даже мне, человеку, который в былые времена пиратский винил Black Sabbath затер до дыр, и к голосу Великого и Ужасного с тех пор неравнодушен.
Но потом наткнулся на бутлег с на удивление мощным и чистым “живым” исполнением "Fearless", и подумал - да какого черта!?
P.S. Заодно надо высказать и свое мнение по поводу “бонусного” диска с тремя не вошедшими на альбом композициями. "Jump the Moon" - странный, без минуты “плясовой” номер, с нешуточным, но при этом на полную катушку нереализованным хитовым потенциалом. "One More Time" - опять ритмично “шагающий” боевик, который, наверное, лучше смотрелся бы в основном трек-листе, чем в качестве бонуса. И наконец, торжественная "Hand of the Enemy" - одна из лучших вещей Оззи в новом тысячелетии, и совершенно не ясна причина вынесения её за скобки.

Mike Barlow   6 янв 2020

Есть странное правило, по которому группа может бесконфликтно существовать около десяти лет. На этой роковой границе случаются распады, исходы ключевых участников, выпуск слабых альбомов, стилистические выверты и тому подобное. Не то чтобы такое развитие событий обязательно в 100% случаев, но сценарий это очень распространенный, причем уровень коммерческого успеха и творческой состоятельности тут ни при чем, и обласканные критикой звезды-миллионеры делают то же самое, что подпольщики с одной единственной демкой, получившей в фэнзине две звезды из десяти.
Музыкантам Sabbath к 1977 году было всего лишь около тридцати, они были богаты, знамениты и за то, чтобы оказаться на их месте, контракт кровью подписали бы тысячи их неудачливых коллег. Но слава и большие деньги, ВНЕЗАПНО обрушившиеся на незрелую психику провинциальных парней несколькими годами ранее, привели к тому, что Sabbath полным составом вкрутились в алкогольно-наркотический штопор, переругались между собой и впали в творческий кризис. Насчет последнего, наложилось еще и то обстоятельство, что за пять лет Айомми, Батлер, Осборн и Уорд выдали столько великолепной музыки, что источник вдохновения просто иссяк. Отдых от графика «альбом-тур» и более умеренный образ жизни могли бы помочь, но нет.
Вечно бухие, ненавидящие друг друга, четыре участника оригинального состава, при поддержке клавишника Дона Эйри, пять месяцев в муках рожали альбом, который фактически прикончил группу и стал последней совместной работой на два десятка лет.
После всего вышесказанного можно решить, что "Never Say Die!" это какой-то «плевок в вечность», но на самом деле он скорее расфокусирован и нелеп, чем как-то одиозно плох.
Sabbath отказались от «мрачной» концепции и соответственно своего прото-думового звука. Перед нами самый легковесный и мажорный альбом группы. Явную скудость идей попытались прикрыть усложнением формы – отсюда синтетические клавишные, духовые аранжировки, вокальные многоголосья и прочие приемы из арсенала прогрессивных групп той же эпохи. В некоторых моментах "Never Say Die!" удивительно напоминает современные ему альбомы Uriah Heep, такие же легкие, синтезаторные и потерянные, этакий «симфо-поп-фолк-хард-арт-рочок ни о чем».
Так и выходит, что с группой, записавшей "Paranoid", коллектив, записавший "Never Say Die!", несмотря на идентичный состав, имеет мало общего. Ключевые фигуры Sabbath - Айомми и Батлер, на альбоме как-то не слышны и незаметны, они не разучились играть, но играют совсем-совсем по-другому, не как люди, с чьих пальцев в мир пришли "Children of the Grave" или "Sabbath Bloody Sabbath". Зато уже почти ускакавший на просторы сольной карьеры Осборн, за счет уникальности своей вокальной манеры, не дает забыть как называется группа, которую слушаешь.
Если бы диск в самом деле, как и планировалось, вышел с другим певцом, это могло прибить Sabbath так, что никакой "Человек с Серебряной Горы" не помог воскреснуть.
Первая песня альбома - это более-менее хит, скоростной «боевик», но как и у всех (кроме "Paranoid"!) попыток Sabbath поддать газку, да выжать скорость, результат выходит неуклюжим. Вдобавок Оззи забирается на верха своего специфического голоса, отчего звучит напоминая мультяшного злодея.
"Johnny Blade" хоть и повествует об уголовнике, залита клавишными, как торт сиропом, а "Junior’s Eyes" – красивая и мелодичная, и абсолютно не Саббатовская песня. Автобиографическая "Hard Road" – средней руки ритмичный хард-рок с потусторонне бездарными хоровыми подпевками, при записи которых Батлер смеялся над потугами Айомми петь.
Дальше альбом ни шатко, ни валко тянется, и вот джазовому "Breakout" (натурально джазовому, с духовой секцией!) удается разбудить задремавшего слушателя, но просыпаешься скорее с мыслью «што случилось?!», чем «что за чудесная музыка?». Легенда гласит, что инструментальной композиция вышла потому, что Оззи забастовал петь под такой аккомпанемент.
Венчает же всё "Swinging the Chain", спетая Биллом Уордом, о которой нельзя сказать ничего плохого (и хорошего тоже) кроме того, что место ей на сольном альбоме Уорда.
В целом, музыку, которую наворотили на "Never Say Die!" участники Sabbath (не без помощи Эйри), нельзя назвать плохой, бездарной и т.п. Не те люди, чтобы явную лапшу навешать на фанатские уши. Но при его прослушивании создается ощущение, что это некий сборник набросков для сольных альбомов Оззи, плюс несколько песен разных групп, на которых Осборн выступал гостевым вокалистом, «добитый» до полного хронометража сольными номерами Билла Уорда.

Mike Barlow  24 сен 2019

Есть работы, культурно-историческое значение которых так велико, что их самих оценивать уже не получается. В современном мире столько музыки, то напрямую вдохновленной, то косвенно инспирированной классическими альбомами Black Sabbath, и вообще ставшей возможной лишь потому, что полвека назад четыре юных раззвездяя из Бирмингема добрались, наконец-то до студии, что сам дебютник группы почти не подлежит анализу.
Тем не менее, можно попробовать отрешиться от контекста и послушать «Black Sabbath» просто как пластинку, а не как краеугольный камень и основу основ тьмы «мрачных и тяжелых» жанров и субжанров.
При таком прослушивании становится очевидно, что рассказы Оззи о том, что «Sabbath начинали как джаз-блюзовая группа» - не кокетство эксцентричного вокалиста, а сущая правда. В основе музыки группы действительно лежит блюз. Пусть и вывихнутый, искалеченный и искореженный, но все-таки блюз. Надо еще понимать, что блюз - это не Крис Ри и даже не Гэри Мур, а музыка, которая во времена оных считалась «опасной» и довольно смело исследовала «темную сторону». Отношения многих классиков жанра с Богом и вторым, другим парнем были столь же запутаны, как их биографии. Впрочем, я отвлекаюсь…
Так же заметны и джазовые корни инструменталистов - импровизационная природа части альбома, которому, по «гамбургскому счету», недостает цельности замысла и тяжести звучания (всё это появится уже через несколько месяцев на безоговорочно великом “Paranoid”). Сырое качество записи, которая была сделана буквально на бегу, при наличии целых двух (не самых выразительных) кавер-версий не дают назвать альбом ультимативным шедевром.
Но даже такой неидеальный “Black Sabbath” стоит нескольких терабайтов музыки от тех музыкантов, кто им вдохновлялись. Потому что тут есть ПЕСНИ, без которых наш мир был бы другим. Это и заглавный эпик “Black Sabbath”, столь мрачный и величественный, что полвека его ничуть не состарили, а отчаянный вопль Оззи “O, Oh, no, no, please God help me!" замораживает кровь прямо в венах. Это психопатическая джига "The Wizard", на которой губная гармошка Оззи звучит более зловеще, чем сто церковных органов. Это драйвовая "N.I.B." с ее пропущенным через квакушку басом. И это замогильная акустика "Sleeping Village", в которой музыканты делают шаг на территорию какого-то странного ведьмовского фолка, заодно пронеся на рок-альбом варган.
Музыканты группы не прочь удариться в соло, и даже тем, кто в принципе равнодушен к импровизациям (как, например, я сам), «блуждания» Айомми, Батлера и Уорда среди только что изобретенных музыкальных приемов, не кажутся скучными. Батлер вообще выглядит «серым кардиналом» группы. Не будучи сам музыкантом, я не берусь судить о технической стороне дела, но он точно не из тех басистов, которые нужны только для того, чтобы расписывать партии барабанщику…
22-летний Оззи поет тут в нижнем регистре своего странного голоса, и хотя высоких требований к вокалу (которые у наших критиков часто сходятся с теми, которые предъявляют на эстрадных отделениях муз-училищ) он, пожалуй, не выдерживает, более подходящее к музыке Black Sabbath пение вообразить не получается. Замогильный, зловещий (а еще «гнусавый» и непоставленный, ага…) вокал Оззи – фишка альбома и группы вообще.
Своим дебютом Black Sabbath сделали первые наброски того, что ныне мы называем doom metal. А это, как известно, не только минор, пониженный строй и тягучий темп. Это еще мрак и ужас, тоска и обреченность, вещи, которые витают в воздухе и трудно поддаются какому-то техническому разбору. Либо они есть, либо нет. У Black Sabbath они есть.
Отношение музыкантов Sabbath к их собственной «темной» концепции – история известная. По официальной версии всё это было «чисто по приколу» и дальше увлечения фильмами ужасов дело не заходило, а от настоящих культистов музыканты якобы «сатанинской» группы шарахались и заказывали отцу Оззи изготовить кресты в качестве оберегов. На вопрос о черной магии злоязычный Осборн отвечал, что предпочитает "Млечный путь" (Milky Way, как и Black Magic – марки конфет). Но все эти анекдоты не разрушают темную, колдовскую атмосферу альбома.
Дух божий, как известно, витает, где хочет.
Ну, так и тот, другой парень, сам выбирает к кому заглянуть на вечеринку, и кого вдохновить на написание шедевра, потребовав взамен душу.
Судя по тому, как будет развиваться и карьера, и жизнь всех четырех авторов “Black Sabbath”, что-то такое с ними случилось в крошечной Regent Sound осенью 1969 года.

Mike Barlow  23 сен 2019

В 1993 году (страшно подумать, уже больше четверти века назад) Оззи анонсировал один из своих многочисленных уходов со сцены. Возможно, кому-то 45-летний вокалист и казался тогда ветераном, измученным излишествами рок-н-ролльного образа жизни и бесконечными турне. Но, глядя видео "Live & Loud", остается только удивляться, каким юным оставался на середине пятого десятка этот человек, который по всему должен был пополнить «клуб 27» еще в семидесятые. Подтянутый, крепко сбитый, энергичный, полностью «на волне» своей музыки, и главное – голос в тонусе. Осборн, конечно, шоумен, перформер по-преимуществу, но он еще и вокалист со своей уникальной манерой.
Тогда в 1993 в голосе его еще была звонкость, а не только фирменные гнусаво-потусторонние интонации, и в подаче еще были личные эмоции, а не только заученные, отрепетированные.
Сет-лист почти идеальный, охвативший все периоды карьеры Оззи (хотя кому-то всегда кажется, что его любимую песню или не сыграли, или не включили в концертник). Есть и саббатовская классика, есть и свежайшие на то время вещи с "No More Tears", последнего классического альбома Осборна, есть и хиты из химзавивочных восьмидесятых.
Группа в составе Уайлда, который еще не вообразил себя гуру стоунера, басиста Майкла Инеза, ударника Рэнди Кастилло и клавишника Джона Синклейра играет мощно, плотно, яростно и монументально. Интересно слышать, как разнородный по своему происхождению материал обращается в поток, сметающий все на своем пути.
На концертнике представлено достаточное количество баллад, чтобы продемонстрировать битломанскую, лирическую сторону Оззи ("Changes", "Goodbye to Romance", "Mama I'm Coming Home"). Есть грубоватый рок-н-ролл авторства Лемми Килмистера ("Desire"). Есть мрачные патетичные эпики ("No More Tears" и "Mr. Crowley"), глэмовые радио-хиты ("Shot in the Dark") и тяжелая психоделика из начала семидесятых ("War Pigs").
Конечно, кому-то будет недоставать изощренной гитары Рэнди, выверенной мелодичной игры Джейка или почти джазовой «шизы» Билла Уорда.
На "Live & Loud" Уайлд много и упоенно рубит своим фирменным перегруженным звуком, Инез и Кастилло и вовсе сваи вколачивают, от чего "Crazy Train", "Paranoid" или "Shot in the Dark" утрачивают, спору нет, свое первоначальное изящество.
Но на то и концертные версии, чтобы чем-то отличаться от студийных, оригиналы ведь никто не уничтожил. А мне такая, более грубая и прямолинейная трактовка нетленок нравится.
Осборн поет очень и очень. Успевает общаться с публикой, слышны все его «I can't fucking hear you» и «Let me see your fucking hands», но во главе угла сам его своеобразный голос, то срывающийся на рев, то лирический, почти плачущий.
Был ли состав группы Оззи, запечатленный на "Live & Loud", «одним из лучших живых составов в истории рока», как пишут некоторые слишком уж восторженные фанаты, я судить не буду. Но к слабым и несыгранным его тоже не отнесешь.
Сет-лист – вечный камень преткновения. Кому-то мало одного, кому-то много другого. Но хочется, хоть я и повторяюсь, сказать что живое, более прямолинейное, примитивное, лишенное аранжировочных изысков исполнение на "Live & Loud" отчасти возвращает нам истинного Оззи, грубого непричесанного рокера, а вовсе не тот плод усилий продюсерcкой команды, каким он нередко предстает в студийных работах.
Оззи, конечно, никакой не чернокнижник и не сатанист, его интерес к «темной стороне» никогда не шел дальше фильмов ужасов и распространенных масc-культурных мифов. Но вот о демонах и одержимости он знает много больше, чем любой интернет-оккультист. И пусть демонов его зовут Alcohol, Valium и Сocaine, это сильные демоны, пусть и низшего порядка.
Даже сейчас, когда он сильно постарел и сдал здоровьем, то, что Оззи творит на сцене – сущее шаманство, корневое рок-н-ролльное бесовство. Что уж говорить о четвертьвековой давности?

Mike Barlow  10 июл 2019